En raison de la pandémie, tous les événements artistiques et culturels du monde entier ont été touchés d’une manière ou d’une autre. La ville de Mexico n’a pas fait exception. Cette année, la semaine de l’art – qui a généralement pour vedettes la Zona Maco, Material Art Fair et le Salón Acme– se déroulera dans des formats spéciaux.
Bien que la dynamique soit très différente de celle des années précédentes, MASSIVart ne veut pas manquer l’occasion de présenter le travail d’artistes talentueux et de brillants acteurs culturels au Mexique. Au cours de cette semaine, nous donnerons la parole à différents artistes et galeristes pour qu’ils partagent leurs perceptions et leurs expériences de la scène artistique nationale.
Nous vous présentons aujourd’hui l’artiste Isauro Huizar.
Isauro Huizar (Culiacan, Mexique, 1985) est un artiste basé à Mexico. Son travail s’inspire de la vie de tous les jours et de sa routine quotidienne. À partir de ses expériences, il crée des systèmes pour réfléchir et comprendre son environnement. Dans sa pratique artistique, il explore principalement les médiums de la peinture, de la sculpture et plus récemment – l’écriture et la photographie. Dans le prolongement de sa pratique, il a réalisé des projets muséographiques pour des galeries et des institutions, démontrant ainsi ses compétences en matière de narration dans l’espace. Huizar enseigne régulièrement dans les ateliers La superficie, el color y la forma (« Surface, couleur et forme ») et Modos de presentar (« Styles de présentation ») pour des organisations à but non lucratif qui se consacrent à la présentation de l’art à un jeune public.
Isauro a suivi le programme éducatif du SOMA à Mexico. Il a exposé dans des galeries et institutions nationales et internationales, notamment Biquini Wax EPS, Galería Enrique Guerrero, Casa Wabi, Museo Jumex, Sala de Arte Público Siqueiros, et de nombreuses autres institutions de classe mondiale. Il est actuellement coéditeur d’AAF, une publication indépendante sur l’espace qui s’intéresse à la diffusion d’œuvres de qualité dans le domaine de l’architecture, l’art et la photographie. Il gère également le compte Instagram @abstractpaintingmexico, une exploration personnelle visant à connaître et à faire circuler le travail des peintres basés au Mexique.
Je me considère comme un artiste visuel, un amoureux des habitudes, un organisateur compulsif, un athlète amateur, un respirateur défectueux, une machine en panne.
Par rapport à l’acte de peindre, un souvenir construit à partir d’une photographie et des récits de mes parents. J’avais environ trois ans, mon père était en train de peindre à la peinture rouge l’allée du jardin sur le côté de la maison. Dans un élan pour l’imiter, je me suis approché et j’ai tendu la main pour prendre le pinceau. La photographie en question me montre en train d’essayer de continuer à peindre tout en me tournant vers l’appareil photo.
Je crée des systèmes pour comprendre ce qui se passe autour de moi. Motivé par l’affection, j’organise, arrange et travaille avec des objets, des espaces et leurs relations avec soin et attention.
Loisirs, attention et travail.
Je m’émerveille de la vie quotidienne, de mes routines, des restes trouvés, de tout ce qui permet de maintenir un engagement et un travail bien accompli. On pourrait dire que pour ma pratique, je puise l’inspiration et quand l’idée semble suffisamment nourrie, je l’exécute ou je commence à la faire évoluer vers un projet.
J’aime à penser que ce qu’on appelle « style » est une conséquence des décisions que l’artiste prend pour résoudre les situations qui se présentent. Tant que l’artiste continue à travailler, on peut dire que son style est toujours ouvert et qu’il ne peut être complètement défini que lorsque l’artiste a cessé de produire.
Dans mon travail, je crée des systèmes pour essayer de comprendre ce qui m’entoure. Je suis obsédé par les systèmes, je propose un système pour tout, c’est une conséquence des habitudes obsessionnelles que je possède et qui me possèdent. En tenant compte des éléments du processus artistique tels que la composition, la structure, l’environnement, le processus et la forme, je pratique une procrastination productive entremêlant travail, loisirs et attention.
Dans le processus de mon travail, j’ai recours à des stratégies d’appropriation, de collecte, d’organisation, d’intervention et d’altération, motivées par l’affection. Je porte attention et soin aux objets et à l’espace pour offrir une appréciation plus profonde du moment présent. Je m’intéresse beaucoup à la mise en valeur des espaces et des objets, non pas pour qu’ils soient beaux, mais pour qu’ils puissent être mieux compris. Il y a un terme japonais que je voudrais mentionner pour compléter ce qui précède, c’est « ma » qui pourrait être traduit par pause, espace, ouverture ou intervalle. Un espace conscient qui permet de mettre en valeur les autres parties de l’œuvre ou de créer de nouvelles significations. Selon la philosophie japonaise, cet espace serait plein d’énergie et pourrait induire un état contemplatif dans lequel il est possible d’apprécier l’expansion de l’espace et du temps.
Enfin, considérant les particularités de chaque médium, j’invoque l’abstraction comme instrument de perception et m’appuie sur l’efficacité pour établir des liens entre fiction et réalité. Dans ma pratique artistique, j’explore principalement les médiums de la peinture, de la sculpture et, plus récemment, de l’écriture et de la photographie.
Ne rien faire (les loisirs) est très important pour moi. Ne rien faire est important parce que c’est la première chose à faire. L’essence d’un récipient ne réside pas dans sa forme ou son matériau mais dans le vide qu’il possède, à partir duquel il peut être rempli. Ne pas faire, pour moi, c’est faire le vide pour recevoir le nouveau – de nouvelles idées, de nouveaux processus, de nouveaux projets.
La lecture est également très importante pour moi. Je m’intéresse particulièrement aux livres qui contiennent des essais, des interviews et des écrits de philosophes, de poètes, d’artistes, d’architectes, de designers et autres. Pour moi, ce genre de matériel est incroyable, je les prends comme des conseils et des suggestions pour mon travail et mon discours, je m’approprie beaucoup d’entre eux et les adapte en fonction de mes intérêts.
L’un des principaux problèmes est la communication et la transmission des idées au spectateur. Pour le résoudre, j’ai recours à des questions que j’ai établies comme essentielles : À qui va-t-il être présenté ? (qui est le spectateur potentiel et quel est son contexte ? Ou à quel type de public, institution, galerie, collectionneur, etc.), la question suivante est Quand et où va-t-il être présenté ? (S’agit-il d’un espace ou d’un événement, ou d’un autre contexte tel qu’Internet ou une publication, etc.). En répondant aux questions ci-dessus, nous pouvons commencer à répondre à la question Que pouvons-nous présenter ? Et enfin, une question que je considère très importante est Comment cela va-t-il être présenté ? (Quels sont les matériaux, comment sont-ils manipulés, comment sont-ils assemblés, quel est le parcours possible, etc.)
Ces questions m’aident à mieux développer l’articulation de l’expérience artistique que je propose.
Pour moi, c’est une façon de vivre, il s’agit de pratiquer une « économie d’existence », j’entends par là : recourir à une économie de moyens en tenant compte des aspects caractéristiques d’un lieu ou d’une situation.
Cela me permet de méditer sur la notion de travail en tant qu’action accomplie, effort physique et mental, par opposition à la production de biens, par une transfiguration de mon temps libre, de mes activités récréatives et de loisirs en travail.
J’aime beaucoup travailler, je passe beaucoup de temps à mon bureau, je fais beaucoup de croquis. Lorsque je suis confiant dans l’idée, je passe à l’exécution et ainsi de suite jusqu’à ce que j’obtienne un résultat satisfaisant.
Je collabore actuellement avec la fondation Agenda Cero (@agendacero) afin de donner de la visibilité à leur cause et de leur accorder des ressources autant que possible. Habituellement, lors des expositions que j’organise, un pourcentage des recettes est reversé au profit de la Fondation, qui se consacre à la prévention de la violence au Mexique. Ils travaillent avec des enfants et des adolescents victimes de violences infantiles, par le biais du théâtre et de l’art, pour les empêcher de reproduire la violence qu’ils ont subie.
J’ai également entamé un échange artistique avec des collègues par le biais de collaborations. Récemment, et grâce à une rencontre d’intérêts mutuels, je travaille sur une collaboration avec Eliana Portilla @elianaportilla.mx. Il s’agit d’une artiste qui travaille principalement avec la peinture et la sculpture en recourant à des éléments géométriques pour réaliser des compositions basées sur des grilles.
Quant à Fernanda Uski (@fernandauski), qui travaille autour du paysage et de la perception du naturel, il a été gratifiant de réaliser une pièce commune qui fait référence au poème « El mar » de Pablo Neruda.
L’échange avec Carlos Balderrama (@carlosbalderramafelix) a abouti à une œuvre qui fait allusion à la représentation de l’espace, à sa fragmentation, aux étoiles et à la réfraction de la lumière. Pour le titre, nous avons utilisé un palindrome qui évoque la solution visuelle.
Enfin, j’ai collaboré avec José Ángel Santiago (@joseangelsantiago), un artiste basé à Oaxaca. Il s’agit d’un support graphique avec des textes en langue zapotèque de Juchitán. Le projet est produit par Taller Río Blanco, une plateforme visuelle axée sur les projets graphiques et la diffusion de la langue zapotèque de l’Istmo.
Moins j’ai, moins j’ai besoin.
La nécessité aiguise l’esprit.
Les mots persuadent, mais l’exemple guide.