Debido a la pandemia todos los eventos artísticos y culturales alrededor del mundo se vieron impactados de alguna u otra manera. La Ciudad de México no fue la excepción. Este año la Semana de Arte –generalmente protagonizada por Zona Maco, Material Art Fair y Salón Acme– ocurrirá en formatos alternativos.
A pesar de la dinámica tan distinta a años anteriores, MASSIVart no quiere dejar pasar la oportunidad para dar a conocer el trabajo de talentosos artistas y destacados agentes culturales de México. Durante esta semana, le daremos espacio a diferentes artistas y galeristas para que nos compartan sus percepciones y experiencias dentro de la escena de arte nacional.
El día de hoy presentamos al artista Isauro Huizar.
Isauro Huizar (Culiacán, México, 1985) es un artista radicado en la Ciudad de México. Su trabajo está inspirado en la vida cotidiana y en su rutina diaria. A partir de estas experiencias produce sistemas para reflexionar y comprender lo que le rodea. En su práctica artística, explora principalmente los medios de la pintura, la escultura y, recientemente, la escritura y la fotografía. Como extensión de su práctica ha realizado proyectos museográficos para galerías e instituciones, mostrando sus habilidades en narrativas espaciales, y periódicamente imparte los talleres La superficie, el color y la forma (“Superficie, color y forma”) y Modos de presentar (“Modos de presentación”) para fundaciones sin fines de lucro dedicadas a presentar el arte a niños y jóvenes.
Huizar asistió al Programa Educativo SOMA en la Ciudad de México. Ha expuesto en galerías e instituciones nacionales e internacionales incluyendo Biquini Wax EPS, Galería Enrique Guerrero, Casa Wabi, el Museo Jumex, la Sala de Arte Público Siqueiros, el Abierto Mexicano de Diseño, el Centro Roberto Garza Sada, y el Archivo Diseño y Arquitectura en México; así como Blain Southern en Londres, Spazio Ridotto & Zuecca Project Space en Venecia, el Project Arts Center en Dublín, Human Resources en Los Ángeles, David B. Smith en Denver, SOIL Gallery en Seattle, y el Moore College of Art en Filadelfia. Actualmente es coeditor de AAF, una revista impresa dedicada a temas espaciales y mantiene el proyecto de Instagram @abstractpaintingmexico, una exploración personal para conocer y hacer circular el trabajo de pintores radicados en México.
Me considero un artista visual, aficionado a los hábitos, organizador compulsivo, atleta amateur, respirador defectuoso, una máquina descompuesta.
Con relación al acto de pintar, un recuerdo construido a partir de una fotografía y las narraciones de mis padres. Tenía cerca de tres años, mi padre estaba pintando de rojo una banqueta del jardín de la casa, y seguramente en un impulso por imitar, me acerque y extendí la mano para tomar la brocha. La fotografía es un retrato de mi intento por seguir pintando y voltear a la cámara cuando llamaron mi nombre.
Realizo sistemas para comprender lo que sucede a mi alrededor. Motivado por el afecto, organizo, acomodo y trabajo con los objetos, los espacios y sus relaciones por medio del cuidado y la atención.
Ocio, cuidado y trabajo.
Me maravilla la vida cotidiana, mis rutinas, los residuos encontrados, todo aquello que guarda una dedicación y un trabajo bien logrado. Se podría decir que para mi práctica, voy juntando la inspiración y cuando la idea me parece lo bastante nutrida, la ejecuto o la comienzo a impulsar como proyecto.
Me gusta pensar que lo que se conoce como “estilo” es una consecuencia de las decisiones que el artista va tomando para resolver las situaciones que se le van presentando. Mientras el artista siga trabajando se podría decir que su estilo sigue abierto y solo podría definirse por completo cuando el artista ha dejado de producir.
En mi trabajo realizo sistemas para tratar de comprender lo que me rodea. Estoy obsesionado con los sistemas, planteo un sistema para todo, esto es una consecuencia de los hábitos obsesivos que poseo y que me poseen. Tomando en cuenta elementos del proceso artístico como la composición, estructura, entorno, proceso y forma, practico una postergación productiva entrelazando trabajo, ocio y cuidado.
En el proceso de mi trabajo recurro a estrategias de apropiación, recolección, organización, intervención y alteración, donde motivado por el afecto, despliego una atención y cuidado sobre los objetos y el espacio para ofrecer una asimilación más profunda del momento presente. Me interesa mucho que los espacios y objetos se vean bien, no para que resulten bonitos, sino para que se puedan entender mejor. Hay un término japonés que me gustaría mencionar para completar lo anterior, se trata de “ma” que podría traducirse como pausa, espacio, abertura o intervalo. Un espacio consciente que permite poner en valor las otras partes de la obra o crear nuevos significados. Según la filosofía japonesa, ese espacio estaría lleno de energía y podría inducir un estado contemplativo en el cual es posible apreciar la expansión del espacio y del tiempo.
Por último, al considerar las particularidades de cada medio, invoco a la abstracción como un instrumento de percepción y acudo a la eficiencia para establecer vínculos entre la ficción y la realidad. En mi práctica artística exploro principalmente los medios de la pintura, escultura y, recientemente, escritura y fotografía.
No-hacer nada (ocio) es muy importante para mi. No-hacer es importante por que es lo primero que se necesita para hacer, la esencia de un vaso no está en su forma o material sino en el vacío que posee, a partir del cual puede llenarse, no-hacer para mi es vaciarse para recibir lo nuevo, nuevas ideas, nuevos procesos, nuevos proyectos.
Leer también es muy importante para mi. Especialmente me interesan libros que contienen ensayos, entrevistas y escritos de filósofos, poetas, artistas, arquitectos, diseñadores entre otros. Para mí este tipo de material es increíble, los tomo como consejos y sugerencias para mi trabajo y discurso, me apropio de muchos y los adapto según mis intereses.
Uno de los problemas principales es la comunicación, comunicar las ideas al espectador y para solucionarlo recurro a preguntas que he establecido como esenciales: La primera es ¿A quién se va a presentar? (¿Quién es el posible espectador y cuál es su contexto? O si es el caso ¿Qué tipo de audiencia, institución, galería, convocatoria, coleccionista, etc.?), La siguiente pregunta es ¿Cuándo o dónde se va a presentar? (¿Se trata de un espacio o evento, u otro contexto como internet o una publicación, etc.?). Respondiendo a las preguntas anteriores podemos comenzar a contestar ¿Qué podemos presentar? Y por último, una pregunta que considero muy importante es ¿Cómo se va a presentar? (¿Cuáles son los materiales, cómo se manipulan, cómo se montan, cuál es el posible recorrido, etc.?).
Estas preguntas me ayudan a desarrollar mejor la articulación de la experiencia artística que estoy proponiendo.
Para mí es una manera de vivir, se trata de practicar una “economía de la existencia”, por esto quiero decir: recurrir a una economía de medios tomando en cuenta los aspectos característicos de un lugar o una situación.
Esto me permite meditar la noción de trabajo como una acción realizada, un esfuerzo físico-mental contrapuesto a la producción de bienes por medio una transfiguración de mi tiempo libre, mis actividades recreativas y de descanso en trabajo.
Disfruto mucho trabajar, realmente paso mucho tiempo en el escritorio, realizo muchos bocetos. Cuando voy tomando seguridad en la idea procedo a la ejecución de exploraciones y así sucesivamente hasta obtener un resultado satisfactorio.
Actualmente estoy colaborando con la Fundación Agenda Cero (@agendacero) para apoyar a visibilizar su causa y otorgar recursos en la medida de lo posible. Usualmente en las exhibiciones que organizo, un porcentaje de los ingresos es donado a beneficio de la Fundación, la cual se dedica a la prevención de la violencia en México, trabajando con niñas, niños y adolescentes sobrevivientes del maltrato infantil, a través del teatro y el arte para evitar que reproduzcan la violencia que han vivido.
También he comenzado un intercambio artístico con colegas por medio de colaboraciones. Recientemente y gracias a un encuentro de intereses mutuos, estoy trabajando en una colaboración con Eliana Portilla @elianaportilla.mx, una artista que trabaja principalmente con pintura y escultura recurriendo a elementos geométricos para transformar composiciones basadas en retículas.
En el caso de Fernanda Uski (@fernandauski), quien trabaja alrededor del paisaje y la percepción de lo natural, fue enriquecedor resolver una pieza en conjunto que hace referencia al poema “El mar” de Pablo Neruda.
El intercambio con Carlos Balderrama (@carlosbalderramafelix) resultó en una obra que alude a la representación del espacio, su fragmentación, las estrellas, y la refracción de la luz. Para el título recurrimos a un palíndromo que pretende evocar la solución visual.
Por último realicé una colaboración con José Ángel Santiago (@joseangelsantiago), un artista que reside en Oaxaca. Se trata de una carpeta gráfica con textos en lengua Zapoteca de Juchitán. El proyecto está producido por Taller Río Blanco, una plataforma visual enfocada en proyectos gráficos y la difusión del Zapoteco del Istmo.
Entre menos tengo, menos necesito.
La necesidad agudiza el ingenio.
Las palabras convencen, pero el ejemplo arrastra.
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