Desde hace 30 años, el concurso Applied Arts Awards reconoce la excelencia creativa internacional en el sector de la comunicación visual. Además, es el único concurso de Canadá que establece el estándar del sector en las disciplinas de fotografía, ilustración, diseño, publicidad e interactividad.
Los Applied Arts Awards son condecorados por un nuevo jurado cada año, formado por diseñadores canadienses e internacionales, que tienen el reto de mantener el punto de referencia de la excelencia. Cada miembro del jurado aporta una formación y un nivel de experiencia únicos, proporcionando una perspectiva informada y fresca al concurso. Al fin y al cabo, no hay nadie más crítico con el trabajo de los diseñadores que ellos mismos.
Entre los destacados miembros se encuentran:
Conoce más sobre los 16 miembros destacados de los Premios de Artes Aplicadas 2021 aquí.
Con profesionales tan experimentados en la industria del diseño y de la creatividad, MASSIVart agradece que nuestros proyectos llenos de pasión, el Hotel W y la Estación de Invierno «Jardin des espoirs», hayan resonado entre los renombrados miembros del jurado y nuestros colaboradores!
MASSIVart se enfrentó al reto de amplificar la experiencia del hotel a través del arte, concretamente mediante la curaduría y la producción de instalaciones artísticas que encarnan la nueva identidad del hotel, mientras mejoran la experiencia del cliente.
En colaboración con el Hotel W Montreal, MASSIVart pasó un año trabajando con Sid Lee Architecture en la integración de las obras de arte en su visión. El resultado: tres piezas principales de arte y diseño integradas permanentemente en el notable vestíbulo y cuatro obras de arte en las salas de conferencias.
Como recordatorio de las raíces del edificio como institución bancaria, la artista de Toronto Camille Jodoin-Eng realizó una instalación luminosa y dorada en el vestíbulo, que se asemeja a una bóveda bancaria llena de recuerdos. Para embellecer la zona del bar, el artista francés Etienne Rey realizó una obra de 20m de largo y 1.5m de alto, que revela diferentes combinaciones de colores según la posición del espectador. MASSIVart añadió calidez al espacio con una instalación de iluminación de corazones de neón, como referencia a las calles de Montreal. Por último, las salas de conferencias del hotel fueron magnificadas por artistas locales — Cyndie Belhumeur, Jason Botkin, Derek Mehaffey, Whatisadam & Stikki Peaches — como forma de honrar algunas de las mejores expresiones de arte urbano de la ciudad.
El mandato de MASSIVart era producir instalaciones capaces de resistir el invierno de Montreal, para mejorar la experiencia de los residentes y de los propietarios de negocios locales durante un invierno duro. En colaboración con Aedifica, Körnelius y el taller de carpintería del Groupe Information Travail, MASSIVart creó instalaciones artísticas inmersivas para revitalizar los espacios públicos vacíos de la Place du Village-de-la-Pointe-aux-Trembles y estimular el comercio local.
Las estructuras multiformes iluminadas y decoradas, que recuerdan los colores de los contenedores de los barcos de carga que navegan por el río Saint-Laurent, animaron la vida diaria de los vecinos y promovieron el comercio local. Se invitó a los vecinos a recibir cintas de los comercios cercanos para añadirlas a las instalaciones, haciendo que la experiencia fuera participativa. Al final, la instalación de arte público cumplió dos objetivos importantes en un contexto de pandemia: devolver la alegría a los vecinos y fomentar la economía local.
¡Gracias de nuevo a los Applied Arts Awards 2021 por el reconocimiento en estas dos prestigiosas categorías!
El 26 de mayo de 1969, John Lennon y Yoko Ono comenzaron una encamada por la paz para hablar en contra de la guerra permaneciendo en cama por una semana en el hotel de Montreal The Fairmont Queen Elizabeth. Nuestro proyecto creó una experiencia única en la misma habitación en que John y Yoko condujeron su legendaria encamada.
La instalación fue nombrada ganadora en la categoría de Hospitalidad de los CODAawards 2020, un programa de premios reconocido internacionalmente que celebra los proyectos que mejor hayan integrado arte comisionado en espacios interiores, arquitectónicos o públicos
La habitación fue transformada en un museo único en su especie equipado con tres dispositivos interactivos, una película de realidad virtual y un archivero interactivo presentando fotos, documentos, videos y memorabilia. También contenía elementos ilustrativos, accesorios y música encapsulando el legado cultural de John y Yoko, así como obras de arte comisionadas inspiradas en su mensaje de paz.
La fama de la habitación ha trascendido a la industria hotelera y continúa siendo una ubicación imperdible para turistas, fans, influencers, y prensa, impactando directamente las ventas del hotel, así como su valor general para Ivanhoe Cambridge. Y sobretodo, la recreación de este espacio histórico continúa resaltando el poderoso mensaje de paz que transmitieron John y Yoko y que resuena tan fuerte como lo hizo en 1969.
La fundación de Arquitectos, socio filantópico del American Institute of Architects, es el orgulloso dueño del edificio histórico Octagon en Washington D.C. La fundación aspira a atraer, inspirar e invertir en la siguiente generación de la comunidad de diseñadores a través de becas y exposiciones. Para alcanzar esta ambiciosa misión, el museo Octagon ofrece activaciones para demostrar el valor que los arquitectos y la arquitectura brindan a la cultura. Habiendo trabajado con talentosos arquitectos anteriormente, MASSIVart está más que complacido de ser parte de la exposición digital de este año resaltando a la comunidad de diseñadores y su impacto en la cultura actual.
Un gran agradecimiento para el museo de la Fundación de Arquitectos por tomar la iniciativa de mover la exposición al campo digital. MASSIVart no puede esperar para explorar todos los increíbles proyectos que seguramente inspirarán a muchos.
Para el Museo Armand Frappier y su nueva exposición “¡A moverse!” (Get Moving!), MASSIVart ha desarrollado una experiencia atractiva para que los visitantes se movieran y descubrieran los contenidos de la exposición.
Restaurar el conocimiento científico expuesto requería experiencia creativa, es por eso que el equipo de MASSIVart trabajó mano a mano con el museo para encontrar la mejor manera de ilustrar problemáticas históricas, sociales y científicas relacionadas con los beneficios de la actividad física en los humanos. Y esto, siendo entendible para un público de todas las edades.
Para presentar este nuevo proyecto, del cual el equipo de MASSIVart se siente muy orgulloso, queremos darle espacio a nuestro cliente: el Museo Armand Frappier.
El Museo Armand-Frappier abrió sus puertas en 1994 para exhibir el legado científico del Dr. Armand Frappier. Hoy en día, la misión del museo es promover el entendimiento, para pequeños y grandes, de problemas científicos relacionados a la salud a través de exposiciones, laboratorio de actividades, talleres itinerantes, campo de entrenamiento y conferencias.
Desde el 2017, hemos trabajado en la exposición ¡A moverse!, cuyo objetivo es demostrar satisfactoriamente la importancia del movimiento no sólo para la salud física sino para nuestra salud mental. Gracias a la colaboración con MASSIVart, hemos podido encontrar varias maneras creativas para popularizar mecanismos fisiológicos, psicológicos y sociales relacionados con la práctica de actividad física así como los más recientes estudios en este campo.
El museo hizo un punto al integrar varios medios artísticos y creativos para dar no sólo una bella apariencia a la exposición, sino también para exhibir varios puntos de vista en materia de salud humana. Es asunto de combinar conocimientos, experiencias y creatividad de artistas y científicos para conseguir nuevas ideas, perspectivas inusuales y maneras innovadoras de hacer las cosas.
El mayor reto enfrentado en esta exposición es sin lugar a dudas el manejo de la pandemia del COVID-19. Para permanecer fieles al mensaje de la exposición, ¡A moverse! fue concebida desde el principio como una exposición interactiva donde los visitantes fueran alentados a tomar acción. En el contexto de la pandemia, donde uno trata de limitar las interacciones a su máximo, fue necesario usar el ingenio para complir con las medidas de salud. Por ejemplo, tuvimos que asegurarnos que las superficies y elementos interactivos diseñados por MASSIVart resistentes a varias limpiezas durante el día.
A pesar de este reto, fue importante para nosotros encontrar maneras de preservar el aspecto interactivo que caracteriza a la exposición –nuestra audiencia estando mayormente compuesta por gente joven entre 9 y 12 años– es necesario basarse en una variedad de medios como juegos, animaciones, interacciones y cápsulas de video para expresar la popularización del contenido científico. Finalmente, trabajando con MASSIVart, logramos hacer a ¡A moverse! nuestra exposición más dinámica, en la que el visitante se puso en acción de principio a fin, respetando las medidas preventivas del COVID-19.
Abordar temas relacionados a la salud humana es parte del ADN del museo, así que fue completamente natural movilizarnos para establecer las mejores condiciones sanitarias y asegurar la seguridad de nuestros visitantes. Hemos implementado un protocolo de limpieza y desinfección riguroso para los módulos de exhibición y equipo usado en las actividades del laboratorio.
Hoy continuamos ofreciendo visitas al museo para el público en general y grupos escolares, después de una pausa en Octubre 2020 debido a la segunda ola de la pandemia. Los contenidos de la exposición también han sido adaptados para su lanzamiento en línea a través de la plataforma de Zoom, videoclips en nuestro canal de YouTube, y un libro interactivo de la exposición preparado en colaboración con MASSIVart para el salón de clases, con animaciones cara a cara o virtuales. De esta manera, continuamos ofreciendo contenido, especialmente para grupos escolares, cuando no es posible visitar físicamente el museo.
El 2020 fue, por decir lo menos, un año inusual. Sin embargo, finalmente estamos empezando a ver la luz al final del túnel con noticias alentadoras comenzando a superar a las desalentadoras.
A pesar de los impactos sociales, culturales y económicos generales que la pandemia ha tenido en nuestro ecosistema global, también han habido innumerables historias positivas que resaltan la naturaleza humana a través de actos de bondad que trascienden culturas, razas y realidades.
A medida que se fueron aplicando las restricciones relacionadas con la pandemia, nosotros en MASSIVart, al igual que muchas otras empresas, tuvimos que pensar rápidamente en cómo debíamos cambiar. Estábamos decididos a operar nuestro negocio a través de estos tiempos desafiantes mientras seguíamos desempeñando nuestro papel como vector para la comunidad artística, especialmente afectada.
Estamos muy agradecidos de que a través de una estrategia de reposicionamiento única para cada uno de nuestros proyectos y la continua colaboración con artistas y clientes, tuvimos la oportunidad de hacer realidad un impresionante número de proyectos. Nuestro objetivo fue aliviar el impacto de la pandemia a través de módulos e instalaciones creativas, exhibición de arte interactivo y numerosas reuniones virtuales que nuestro equipo y colaboradores salpicaron con su usual toque mágico.
Con un año tan tumultuoso, fue casi predecible que la criptomoneda haría una reaparición. El bitcoin, la criptomoneda más popular y la más valorada, se convirtió en un fenómeno financiero así como social en el 2017, con todo hablando sobre ella y adquiriéndola. Como sabemos, después de alcanzar la marca de los $20,000 dólares en diciembre de 2017, consecuentemente perdió cerca del 80% de su valor al año siguiente.
Esta épica caída fue principalmente atribuída a los altos niveles de especulación sin precedentes, así como los grandes volúmenes de transacciones que contribuyeron a la sobrevaloración de la moneda. A pesar del valor de la criptomoneda y la incertidumbre sobre si renacerá de entre sus cenizas (todos sabemos que lo hará), lo que prevalece es la subyacente tecnología de bloques (blockchain).
El libro mayor (ledger) público del blockchain que verifica y registra cada transacción propone una seria alternativa a los fundamentos actuales de nuestra economía. En nuestro sistema actual, la moneda (o cualquier otro activo como inversiones, préstamos, etc.) es administrada y deriva su valor de un sistema centralizado, encima del cual están los gobiernos y bancos (u otros actores del mercado). El blockchain permitió un sistema extremadamente descentralizado al tiempo que proporcionó una validación y un seguimiento de todas las transacciones, lo que deriva un enorme valor del número de validaciones independientes realizadas por el sistema, sin requerir la participación del restringido número habitual de partes que atesoran la información y el acceso a ésta.
La prueba de que el mercado financiero seguía confiado del valor de esta tecnología subyacente quedó clara cuando un número de actores corporativos empezó a invertir fuertemente en el mercado de criptomonedas después de su desaparición en el 2019, asegurando principalmente Bitcoin. Esto ha contribuido al aumento significativo de su valor, ya que Bitcoin fue adquirido por distinguidos actores y no solo por inversionistas especuladores como en el 2017 y antes.
El blockchain subyacente, o el ledger público mencionado anteriormente, utilizados para autenticar transacción de Bitcoin pueden ser usados para autenticar cualquier tipo de transacción. Puede permitir la autenticación de elementos individuales y únicos, lo que anteriormente era difícil de hacer. Por ejemplo, la tecnología blockchain se ha utilizado para registrar y autenticar el origen de aproximadamente 1,6 millones de diamantes hasta la fecha.
Específicamente, esto se hace mediante el uso de un NFT, un tipo de activo digital que ha ganado mucha tracción en las industrias del juego y el arte, transacciones coleccionables y muchas otras áreas debido a su singularidad y al hecho de que es indivisible. Representa una forma segura y pública de autenticar el activo subyacente al que está adjunto, protegiendo así el valor derivado de la singularidad de ese activo.
Imaginemos que vas a una venta de garaje y encuentras un cuadro del estilo cubista de Picasso, por un precio ridículamente bajo. Lo compras y luego haces que un tasador calificado de la ISA lo valore solo para darte cuenta de que tienes una pieza de varios millones de dólares en tus manos. El valor de su pintura ahora radicaría en el hecho de que se trata de una pieza original del pintor español. Su valor se debe no solo a que el pintor fue el artista más dominante e influyente del siglo XX, sino también a que, después de su muerte, el número de obras de arte que produjo se volvió finito a medida que crecía la demanda. El valor de su pintura en particular proviene además de la autenticación realizada por el Tasador de la ISA, utilizando su certificación y conocimiento, para certificar que la suya es realmente original.
Por el contrario, cuando se trata de arte digital, el valor ha sido más difícil de establecer y mantener con el tiempo, dado que se puede copiar y distribuir más fácilmente, lo que hace que la autenticación del original sea casi imposible. Sin embargo, un artista ahora tiene la capacidad de usar un NFT para autenticar su arte y marcar públicamente para siempre el original como tal en el libro mayor (ledger), independientemente de todas las copias que puedan circular (al igual que las copias de su propio Picasso).
Este es un desarrollo emocionante en el ámbito del arte digital y permitirá que florezca y gane valor ahora que una forma fácilmente accesible de garantizar los originales permitirá que surja un mercado verdadero e ilimitado.
Si bien los NFT se remontan a 2017 con una cantidad de personas que compran gatos virtuales (sí, leíste correctamente), ha habido un rápido aumento en el número de adquisiciones significativas de arte NFT, siendo el más grande hasta la fecha el collage digital de Beeple vendido por 69.3 millones USD en Christie’s.
La propiedad intelectual y los derechos de autor están en el centro de la industria del arte y las leyes subyacentes de las que se derivan se promulgaron para garantizar que los creadores obtuvieran la propiedad implícita de su trabajo. Como tal, a pesar del alto precio, al igual que cualquier obra de arte, el artista es quien decide si la obra de arte vendida (en este caso el NFT) viene con los derechos de autor relacionados, lo que implicaría renunciar a todas las ganancias futuras que pudieran generarse.
Sin embargo, si bien el artista posee la propiedad intelectual, la naturaleza descentralizada de las NFT hace que, a veces, el artista no haya dado permiso para emitir la NFT o para otorgar los derechos de autor junto con el trabajo. Ya estamos viendo instancias de apropiaciones indebidas de propiedad intelectual en el proceso de acuñación (el proceso de creación de la NFT) y las plataformas de acuñación tendrán que incrementar significativamente su proceso de autenticación para evitar complicadas demandas de propiedad intelectual.
Como se mencionó en todo momento, la fortaleza de la criptomoneda y el libro mayor (ledger) subyacente es su naturaleza descentralizada, que se deriva del hecho de que todos los miembros de la comunidad validan las transacciones en el ecosistema en lugar de uno o muy pocos agentes confiables como los bancos. Como tal, no es difícil entender que la creación de otro Bitcoin, Ether o NFT requiere recursos informáticos importantes, que requieren energía.
Desde que se creó el sitio web CrytoArt.wtf en diciembre de 2020, que ilustra la necesidad energética y el impacto ambiental del criptoarte, varios críticos señalaron el costo social de tal prueba de concepto. Más tarde, el sitio web fue retirado después de una gran cantidad de abuso y acoso, pero ha identificado esta otra capa de complejidad para la adopción de NFT.
Maxim Cere-Marcoux – CFO de MASSIVart
Hemos emprendido este estudio con otros líderes con experiencia en diversos campos como The Daniels Corporation en desarrollo inmobiliario, Entro en diseño, y Lemay en arquitectura. Piloteado por el profesor de Industrias Creativas de la Universidad de Ryerson (Toronto), Louis-Etienne Dubois y su equipo, la información recopilada será con seguridad culturalmente transformadora.
En MASSIVart creemos que los espacios creativos, la programación cultural y el placemaking pueden crear un ROI tangible para las marcas porque esto reúne a la gente y construye comunidades más fuertes. Este estudio revoluciona la manera en que construiremos las ciudades y edificios del futuro, mientras apoya a la comunidad artística y hace al arte más accesible para todos en cualquier parte.
Serás invitado a visitar y explorar un ambiente virtual y luego completar una serie de preguntas en línea. Tu participación es anónima e involucra una única sesión de nó más de 10 minutos.
Para participar en esta increíble oportunidad, da click en el siguiente enlace:
www.vrplacemaking.com
Para más información, puedes contactar a:
Dr. Louis-Etienne Dubois, Profesor Asociado
Escuela de Industrias Creativas, Ryerson University
416-979-5000 x 553778 [email protected]
Esta investigación está siendo revisada y aprobada por el Comité de Ética en Investigación de la Universidad de Ryerson (REB 2020-503) y es financiada por The Daniels Corporation, Entro, Lemay y MASSIVart.
Debido a la pandemia todos los eventos artísticos y culturales alrededor del mundo se vieron impactados de alguna u otra manera. La Ciudad de México no fue la excepción. Este año la Semana de Arte –generalmente protagonizada por Zona Maco, Material Art Fair y Salón Acme– ocurrirá en formatos alternativos.
A pesar de la dinámica tan distinta a años anteriores, MASSIVart no quiere dejar pasar la oportunidad para dar a conocer el trabajo de talentosos artistas y destacados agentes culturales de México. Durante esta semana, le daremos espacio a diferentes artistas y galeristas para que nos compartan sus percepciones y experiencias dentro de la escena de arte nacional.
En esta ocasión, tuvimos la oportunidad de platicar con Domitila Bedel.
Domitila Bedel nació en Buenos Aires Argentina. Su interés por el arte, los artistas y las prácticas culturales en general la llevaron a estudiar cine, arte y escritura. Trabajó en el Museo Malba como directora del departamento de Cine, donde además de desarrollar múltiples muestras y festivales, llevó a cabo exhibiciones y la edición de libros y catálogos del Museo. Posteriormente editó junto a Fundación Telefónica y Malba el libro “Historia Crítica del Video Argentino” con Jorge Laferla. Como narradora, editó su primer libro de cuentos “Los lobos” en 2006.
En 2006 abre Machete en Buenos Aires, funcionando primero como una editora donde publicó “Machete: Catálogo de Artistas argentinos” volúmenes 1 y 2 y “Cachorros”. Este último es un libro de cuentos de escritores contemporáneos basados en las ilustraciones de la niñez de artistas argentinos, resultado de una exposición que curó en la Galería Miau Miau. Machete luego muta a una consultora de arte contemporáneo enfocada en formar nuevas colecciones de arte.
En 2013 forma parte de “31 grados a la sombra”, antología erótica de escritoras argentinas con su cuento “New Order”. En 2017 edita junto a editorial Planeta “Voy i Vuelvo”, libro de fotografías de Emmanuel “Meme” del Real. En 2019 es elegida por la revista Quién como una de las “31 mujeres que amamos”.
En 2009, Bedel se muda a la Ciudad de México, donde funda la Galería Machete @macheteart en 2012, la cual dirige desde entonces.
Machete una galería enfocada en arte latinoamericano contemporáneo. Los artistas que representan son Abraham González Pacheco (@obranegra), Ana Gallardo (@anabeatrizgallardo), Andrea Villalón (@andreavilllalon), Artemio (@artemio007), Diego Berruecos (@dberruecos), Jualián Prebisch (@julianprebisch), Hulda Guzmán (@huldaguzman), Marcos Castro (@costramark), Nicolás Bedel (@nicolas.bedel), Paula Cortazar (@paula.cortazar) y Sol Pipkin (@sol_pip_pip_pip).
Machete también cuenta con un proyecto paralelo llamado Trastienda @trastiendamachete. Ahí, se muestra una selección de trabajos de artistas de Latinoamérica a precios accesibles, con el propósito de fomentar el nuevo coleccionismo y apoyar a los nuevos talentos en sus primeros pasos en el mercado del arte.
Mi padre es artista plástico, ya histórico diría en mi país. Me crié en exposiciones, talleres museos y galerías. Luego hice otro camino pero siempre de una manera u otra terminaba en talleres escuchará fascinada los procesos de los artistas y una cosa llevo a otra y termino siendo mi presente.
Porque no lo pensé tanto, porque tenía ganas y sentía que tenía una forma de ver y pensar lo comercial y lo emergente en México que no estaba representada en la escena de ese momento.
Elegimos a los artistas que representamos basándonos en sus procesos creativos, pensándolo como un “todo” que va más allá de la obra final en sí. Creemos que a través de su práctica nuestros artistas están haciendo una reflexión sobre su contexto personal y sobre su contexto colectivo como parte de una época histórica particular. Nuestros artistas tienen “voces” y lenguajes plásticos diferentes entre sí, porque buscamos la diversidad como forma complementaria intentando lograr que juntos formen una conversación incluyente y plural.
El mayor reto es mantenerla y que continúe estando vigente; que sea un trabajo y una fuente de ingreso para mi y para mis artistas, porque puedes trabajar muchísimo y no conseguirlo. Seguir encontrando coleccionistas. La ventaja es que en México hay demanda, interés y una gran afluencia de gente que va a las galerías no sólo locales sino también de afuera.
Su diversidad, su gran oferta, su profesionalismo.
Porque tiene grandes artistas, grandes galerías y museos que le dan contexto a estos grandes artistas y una escena establecida. Porque todo en México es único.
¿Que será emergente para ustedes? No sé, creo diría así rápido sin pensar mucho que Andrea Villalón (@andreavilllalon), María Fragoso (@mariafragosgosoj), Paloma Contreras (@lirio_cobra)
Debido a la pandemia todos los eventos artísticos y culturales alrededor del mundo se vieron impactados de alguna u otra manera. La Ciudad de México no fue la excepción. Este año la Semana de Arte –generalmente protagonizada por Zona Maco, Material Art Fair y Salón Acme– ocurrirá en formatos alternativos.
A pesar de la dinámica tan distinta a años anteriores, MASSIVart no quiere dejar pasar la oportunidad para dar a conocer el trabajo de talentosos artistas y destacados agentes culturales de México. Durante esta semana, le daremos espacio a diferentes artistas y galeristas para que nos compartan sus percepciones y experiencias dentro de la escena de arte nacional.
En esta ocasión, tuvimos la oportunidad de platicar con la artista Jimena Montemayor.
El trabajo de Jimena Montemayor (Ciudad de México 1990) se enfoca en las tensiones en experiencias personales, yuxtaponiendo las emociones y la nostalgia con lo permanente y lo temporal y a la vez el impacto de la tecnología en nuestras vidas cotidianas y nuestros múltiples canales de comunicación. Lo que todos estos componentes tienen en común es su presencia abstracta la cual subconscientemente nutrimos y manifestamos en nuestros comportamientos, decisiones y lo más importante─la energía de nuestros sentimientos.
Ya sean influenciados por la educación que hemos recibido, nuestra cultura o nuestros ámbitos sociales, son los efectos secundarios y los resultados de este proceso los que Montemayor explora y traduce en formato visual. El uso de la línea recta o perpleja, ángulos filosos e irregulares, la repetición de patrones gráficos y también la introducción de cuerpos y estructuras amorfas, contribuyen a la búsqueda de un lenguaje y diálogo en marcha.
A través de su carrera multidisciplinaria en las áreas de arte y diseño, su trabajo ha creado una relación entrelazada con estéticas y perspectivas que han creado una fusión en su manera de manipular contenido. Su trabajo explora diversos materiales y dimensiones, desde dibujos y esculturas 3D digitalizadas a piezas hechas de acero, terrazzo, barro y madera. Actualmente vive y trabaja entre Miami y Ciudad de México.
Desde mi niñez siempre tuve una inclinación hacia las artes plásticas y al arte en general. Pero supongo que el concepto de querer ser artista se formalizó en mis mid-20s cuando realmente empecé a producir obra.
Mi trabajo explora la composición visual y gráfica traducida en líneas, repeticiones, patrones, cuerpos. No busco necesariamente un cuestionamiento complejo, sino la posibilidad de causar alguna reacción emocional o corporal. Alegría, humor, confusión, etc, idealmente busco lograr una identificación o entendimiento con el público a un nivel social y personal.
Me gusta mucho experimentar y aprender a usar nuevos formatos y materiales, sea en 2D, 3D o digitales. También algo que encuentro fundamental es la colaboración. Aparte de que es muy emocionante compartir el mismo interés con otrxs artistas, diseñadores, o personas en la industria creativa, la simple experiencia de unir fuerzas es básica.
Diversa, emblemática y divertida.
Sin duda que sí. Hay demasiadxs artistas en México con muchísimo talento que admiro profundamente. Se siente una valentía y un empoderamiento de ideas y opiniones que nunca se ha visto en este país, o por lo menos para mi. Especialmente cada vez hay más y más artistas mujeres, lo cual me da mucha motivación y me inspiran a seguir haciendo arte.
La escasez de becas o apoyo económico del gobierno.
Difícil de contestar, porque tengo varias que me encantan. Pero si tengo que elegir una sería OMR (@galeriaomr). Su curaduría, artistas y espacio de exposición son excepcionales y muy dinámicos.
Debido a la pandemia todos los eventos artísticos y culturales alrededor del mundo se vieron impactados de alguna u otra manera. La Ciudad de México no fue la excepción. Este año la Semana de Arte –generalmente protagonizada por Zona Maco, Material Art Fair y Salón Acme– ocurrirá en formatos alternativos.
A pesar de la dinámica tan distinta a años anteriores, MASSIVart no quiere dejar pasar la oportunidad para dar a conocer el trabajo de talentosos artistas y destacados agentes culturales de México. Durante esta semana, le daremos espacio a diferentes artistas y galeristas para que nos compartan sus percepciones y experiencias dentro de la escena de arte nacional.
En esta ocasión, tuvimos la oportunidad de platicar con la artista Othiana Roffiel.
Othiana Roffiel (Ciudad de México, 1990) estudió Artes Visuales en el Savannah College of Art and Design en GA, EUA, donde se le otorgó el reconocimiento de summa cum laude y el Premio a la Excelencia Académica en Pintura (2012). Fue becaria del programa Jóvenes Creadores del FONCA (2019-20) y actualmente participa en la XIX Bienal de Pintura Rufino Tamayo.
Su trabajo ha formado parte de diversas exposiciones: 50 mujeres, 50 obras, 50 años en el Museo de la Ciudad de México (2020); La persistente insistencia del juego, individual en Casa Equis, curada por Leslie Moody Castro (CDMX, 2019); Nueva piel para una vieja ceremonia en Galería Karen Huber, curada por Luis Hampshire (2019); Untitled (Open Space) en ICOSA Collective (Austin, TX, 2019); El castillo de los ladrillos rotos, de Guadalajara 90210 (CDMX, 2019); entre otras.
En los últimos dos años de prepa tomé una clase de arte muy rigurosa; teníamos que consolidar un cuerpo de obra cohesivo. Ahí me cayó el veinte de que no solo me gustaba el arte, sino que quería dedicarme a eso.
En un sentido amplio, me pregunto sobre las maneras en las que la pintura configura el pensamiento pictórico y genera significados dentro del imaginario contemporáneo. Más específicamente, con el propósito de retar nuestras preconcepciones sobre la forma en la que navegamos el espacio de la pintura, cuestiono cómo operan distintos lenguajes visuales y cómo se relaciona el espectador con estos.
Observar e intercambiar. Por un lado, dialogo con mi presente y pasado artístico: investigo, hablo con mis colegas, escribo, voy a museos, leo y escucho podcasts. Pero por el otro lado, converso con mi día a día: camino mi entorno cotidiano y observo los elementos que que existen en este; también noto cómo mi cuerpo transita estos espacios y cómo interactúa con sus objetos. Muchas veces, las cosas que menos imaginamos son las que más incitan la creatividad —desde las formas de un cactus, hasta el color de una barra de jabón Zote—.
Fértil, compleja y polifacética.
Claro, el arte no existe en un vacío. Mi contexto inmediato, en este momento la escena del arte en México, inevitablemente impacta no solo mi producción, sino también su lectura.
Hay muchos monólogos y pocos intercambios. Se nos olvida que para seguir construyendo necesitamos tener conversaciones más profundas, plurales, críticas y solidarias, y, para hacer eso, se requiere estar más abiertos a otros puntos de vista y ejercer una escucha más activa.
Híjole, cada una tiene lo suyo y contribuye a la escena de distintas formas; sin embargo, en cuanto a pintura, la Galería Karen Huber (@khgaleria) está haciendo un trabajo importante.
Debido a la pandemia todos los eventos artísticos y culturales alrededor del mundo se vieron impactados de alguna u otra manera. La Ciudad de México no fue la excepción. Este año la Semana de Arte –generalmente protagonizada por Zona Maco, Material Art Fair y Salón Acme– ocurrirá en formatos alternativos.
A pesar de la dinámica tan distinta a años anteriores, MASSIVart no quiere dejar pasar la oportunidad para dar a conocer el trabajo de talentosos artistas y destacados agentes culturales de México. Durante esta semana, le daremos espacio a diferentes artistas y galeristas para que nos compartan sus percepciones y experiencias dentro de la escena de arte nacional.
El día de hoy presentamos al artista Isauro Huizar.
Isauro Huizar (Culiacán, México, 1985) es un artista radicado en la Ciudad de México. Su trabajo está inspirado en la vida cotidiana y en su rutina diaria. A partir de estas experiencias produce sistemas para reflexionar y comprender lo que le rodea. En su práctica artística, explora principalmente los medios de la pintura, la escultura y, recientemente, la escritura y la fotografía. Como extensión de su práctica ha realizado proyectos museográficos para galerías e instituciones, mostrando sus habilidades en narrativas espaciales, y periódicamente imparte los talleres La superficie, el color y la forma (“Superficie, color y forma”) y Modos de presentar (“Modos de presentación”) para fundaciones sin fines de lucro dedicadas a presentar el arte a niños y jóvenes.
Huizar asistió al Programa Educativo SOMA en la Ciudad de México. Ha expuesto en galerías e instituciones nacionales e internacionales incluyendo Biquini Wax EPS, Galería Enrique Guerrero, Casa Wabi, el Museo Jumex, la Sala de Arte Público Siqueiros, el Abierto Mexicano de Diseño, el Centro Roberto Garza Sada, y el Archivo Diseño y Arquitectura en México; así como Blain Southern en Londres, Spazio Ridotto & Zuecca Project Space en Venecia, el Project Arts Center en Dublín, Human Resources en Los Ángeles, David B. Smith en Denver, SOIL Gallery en Seattle, y el Moore College of Art en Filadelfia. Actualmente es coeditor de AAF, una revista impresa dedicada a temas espaciales y mantiene el proyecto de Instagram @abstractpaintingmexico, una exploración personal para conocer y hacer circular el trabajo de pintores radicados en México.
Me considero un artista visual, aficionado a los hábitos, organizador compulsivo, atleta amateur, respirador defectuoso, una máquina descompuesta.
Con relación al acto de pintar, un recuerdo construido a partir de una fotografía y las narraciones de mis padres. Tenía cerca de tres años, mi padre estaba pintando de rojo una banqueta del jardín de la casa, y seguramente en un impulso por imitar, me acerque y extendí la mano para tomar la brocha. La fotografía es un retrato de mi intento por seguir pintando y voltear a la cámara cuando llamaron mi nombre.
Realizo sistemas para comprender lo que sucede a mi alrededor. Motivado por el afecto, organizo, acomodo y trabajo con los objetos, los espacios y sus relaciones por medio del cuidado y la atención.
Ocio, cuidado y trabajo.
Me maravilla la vida cotidiana, mis rutinas, los residuos encontrados, todo aquello que guarda una dedicación y un trabajo bien logrado. Se podría decir que para mi práctica, voy juntando la inspiración y cuando la idea me parece lo bastante nutrida, la ejecuto o la comienzo a impulsar como proyecto.
Me gusta pensar que lo que se conoce como “estilo” es una consecuencia de las decisiones que el artista va tomando para resolver las situaciones que se le van presentando. Mientras el artista siga trabajando se podría decir que su estilo sigue abierto y solo podría definirse por completo cuando el artista ha dejado de producir.
En mi trabajo realizo sistemas para tratar de comprender lo que me rodea. Estoy obsesionado con los sistemas, planteo un sistema para todo, esto es una consecuencia de los hábitos obsesivos que poseo y que me poseen. Tomando en cuenta elementos del proceso artístico como la composición, estructura, entorno, proceso y forma, practico una postergación productiva entrelazando trabajo, ocio y cuidado.
En el proceso de mi trabajo recurro a estrategias de apropiación, recolección, organización, intervención y alteración, donde motivado por el afecto, despliego una atención y cuidado sobre los objetos y el espacio para ofrecer una asimilación más profunda del momento presente. Me interesa mucho que los espacios y objetos se vean bien, no para que resulten bonitos, sino para que se puedan entender mejor. Hay un término japonés que me gustaría mencionar para completar lo anterior, se trata de “ma” que podría traducirse como pausa, espacio, abertura o intervalo. Un espacio consciente que permite poner en valor las otras partes de la obra o crear nuevos significados. Según la filosofía japonesa, ese espacio estaría lleno de energía y podría inducir un estado contemplativo en el cual es posible apreciar la expansión del espacio y del tiempo.
Por último, al considerar las particularidades de cada medio, invoco a la abstracción como un instrumento de percepción y acudo a la eficiencia para establecer vínculos entre la ficción y la realidad. En mi práctica artística exploro principalmente los medios de la pintura, escultura y, recientemente, escritura y fotografía.
No-hacer nada (ocio) es muy importante para mi. No-hacer es importante por que es lo primero que se necesita para hacer, la esencia de un vaso no está en su forma o material sino en el vacío que posee, a partir del cual puede llenarse, no-hacer para mi es vaciarse para recibir lo nuevo, nuevas ideas, nuevos procesos, nuevos proyectos.
Leer también es muy importante para mi. Especialmente me interesan libros que contienen ensayos, entrevistas y escritos de filósofos, poetas, artistas, arquitectos, diseñadores entre otros. Para mí este tipo de material es increíble, los tomo como consejos y sugerencias para mi trabajo y discurso, me apropio de muchos y los adapto según mis intereses.
Uno de los problemas principales es la comunicación, comunicar las ideas al espectador y para solucionarlo recurro a preguntas que he establecido como esenciales: La primera es ¿A quién se va a presentar? (¿Quién es el posible espectador y cuál es su contexto? O si es el caso ¿Qué tipo de audiencia, institución, galería, convocatoria, coleccionista, etc.?), La siguiente pregunta es ¿Cuándo o dónde se va a presentar? (¿Se trata de un espacio o evento, u otro contexto como internet o una publicación, etc.?). Respondiendo a las preguntas anteriores podemos comenzar a contestar ¿Qué podemos presentar? Y por último, una pregunta que considero muy importante es ¿Cómo se va a presentar? (¿Cuáles son los materiales, cómo se manipulan, cómo se montan, cuál es el posible recorrido, etc.?).
Estas preguntas me ayudan a desarrollar mejor la articulación de la experiencia artística que estoy proponiendo.
Para mí es una manera de vivir, se trata de practicar una “economía de la existencia”, por esto quiero decir: recurrir a una economía de medios tomando en cuenta los aspectos característicos de un lugar o una situación.
Esto me permite meditar la noción de trabajo como una acción realizada, un esfuerzo físico-mental contrapuesto a la producción de bienes por medio una transfiguración de mi tiempo libre, mis actividades recreativas y de descanso en trabajo.
Disfruto mucho trabajar, realmente paso mucho tiempo en el escritorio, realizo muchos bocetos. Cuando voy tomando seguridad en la idea procedo a la ejecución de exploraciones y así sucesivamente hasta obtener un resultado satisfactorio.
Actualmente estoy colaborando con la Fundación Agenda Cero (@agendacero) para apoyar a visibilizar su causa y otorgar recursos en la medida de lo posible. Usualmente en las exhibiciones que organizo, un porcentaje de los ingresos es donado a beneficio de la Fundación, la cual se dedica a la prevención de la violencia en México, trabajando con niñas, niños y adolescentes sobrevivientes del maltrato infantil, a través del teatro y el arte para evitar que reproduzcan la violencia que han vivido.
También he comenzado un intercambio artístico con colegas por medio de colaboraciones. Recientemente y gracias a un encuentro de intereses mutuos, estoy trabajando en una colaboración con Eliana Portilla @elianaportilla.mx, una artista que trabaja principalmente con pintura y escultura recurriendo a elementos geométricos para transformar composiciones basadas en retículas.
En el caso de Fernanda Uski (@fernandauski), quien trabaja alrededor del paisaje y la percepción de lo natural, fue enriquecedor resolver una pieza en conjunto que hace referencia al poema “El mar” de Pablo Neruda.
El intercambio con Carlos Balderrama (@carlosbalderramafelix) resultó en una obra que alude a la representación del espacio, su fragmentación, las estrellas, y la refracción de la luz. Para el título recurrimos a un palíndromo que pretende evocar la solución visual.
Por último realicé una colaboración con José Ángel Santiago (@joseangelsantiago), un artista que reside en Oaxaca. Se trata de una carpeta gráfica con textos en lengua Zapoteca de Juchitán. El proyecto está producido por Taller Río Blanco, una plataforma visual enfocada en proyectos gráficos y la difusión del Zapoteco del Istmo.
Entre menos tengo, menos necesito.
La necesidad agudiza el ingenio.
Las palabras convencen, pero el ejemplo arrastra.
Debido a la pandemia todos los eventos artísticos y culturales alrededor del mundo se vieron impactados de alguna u otra manera. La Ciudad de México no fue la excepción. Este año la Semana de Arte –generalmente protagonizada por Zona Maco, Material Art Fair y Salón Acme– ocurrirá en formatos alternativos.
A pesar de la dinámica tan distinta a años anteriores, MASSIVart no quiere dejar pasar la oportunidad para dar a conocer el trabajo de talentosos artistas y destacados agentes culturales de México. Durante esta semana, le daremos espacio a diferentes artistas y galeristas para que nos compartan sus percepciones y experiencias dentro de la escena de arte nacional.
Abrimos la colaboración con la artista y curadora Wendy Cabrera Rubio.
La obra de Wendy Cabrera Rubio (Ciudad de México, 1993) se caracteriza por trabajar una serie de cruces que traspasan los límites entre alta y baja cultura, imagen y objeto, narración y acción, a través del trabajo textil y teatral, o por el estudio histórico de la cultura de masas, especialmente de la caricatura y la animación. Así, explora las relaciones entre estética e ideología presentes en los mecanismos de producción y distribución de las imágenes.
Sus procesos implican la reescritura, la revisión de archivo y la colaboración con otras disciplinas. Los temas que suelen ser recurrentes en su producción son la biotecnología, el resurgimiento de la ultraderecha y el proyecto panamericano.
Cursó sus estudios de licenciatura en la ENPEG “La Esmeralda” y posteriormente ingresó al Programa Educativo SOMA. Su obra se ha presentado Colectivamente en el Museo Universitario de Ciencias y Artes, Laboratorio Arte Alameda, Ex-Teresa Arte Actual, Museo de la Ciudad, Sala de Arte Público Siqueiros, el Colegio Nacional, entre otros. E individualmente en, Kurimanzutto, Peana, Biquini Wax EPS, Museo Jumex y Galería Nordenhake. Actualmente forma parte del Programa Jóvenes Creadores FONCA 2021-2022 en la categoría de Medios Alternativos.
Wendy realizó labores de gestión como miembro de LADRÓNgalería del 2016 al 2019. El proyecto fue acreedor del apoyo a proyectos del Patronato de Arte Contemporáneo en el 2016 y 2018. Actualmente forma parte del proyecto del Museo Comunitario y Club de lectura de Sierra Hermosa Zacatecas. Es miembro fundador del colectivo curatorial Rivera Galería realizando proyectos en el Museo de la Ciudad de Querétaro y Material Art Fair, entre otros.
Jose Vasconcelos se me apareció en un sueño.
¿Solo lo absoluto merece el acompañamiento de la eternidad? ¿Solo lo absoluto merece el acompañamiento de la eternidad? ¿Solo lo absoluto merece el acompañamiento de la eternidad? ¿Solo lo absoluto merece el acompañamiento de la eternidad? ¿Solo lo absoluto merece el acompañamiento de la eternidad? ¿Solo lo absoluto merece el acompañamiento de la eternidad?
Leer el libro de texto gratuito de lecturas de tercer grado de la SEP para que Jose Vasconcelos se me siga apareciendo en sueños.
Cerrada, prejuiciosa y a veces sensible .
Para bien y para mal, sí.
Para responder esta pregunta, voy a partir desde la educación artística, la cual está mayormente centralizada en la capital, que es lo que yo conozco más. El encarecimiento de la vivienda y de los servicios básicos son parte de una normalización de la explotación laboral donde los trabajos creativos suelen tener sueldos bajos o no tener sueldo alguno y donde los sujetos que salen de la preparación superior, nos encontramos frente a un campo de incertidumbre económica. Este filtro de clase permite que sean las voces de circuitos privilegiados las que se escuchen mayormente.
@luisgaleria por su exquisita selección de tiktoks.
Panelistas
Ferdi Alici, Director de OUCHHH Studio
Malak Abu-Qaoud, Gerente de Arte, Cultura y Eventos de ICD Brookfield Place Dubai
Moderador
Alejandro Cardoso Mendoza, CEO Global y Socio Administrativo de MASSIVart
Durante este panel, los tres panelistas hablaron de la interacción entre arte, el sector inmobiliario y la planeación urbana/strong>. En lugar de simplemente discutir sobre arte público y urbanismo, el acercamiento fue hecho desde el ángulo creativo del placemaking como concepto general.
Alejandro abrió con la frase: “¿Cuál es la definición de placemaking? El proceso de crear espacios de calidad donde la gente quiera vivir, trabajar, jugar y aprender. El placemaking es un proceso continuo que empieza con una idea y fluye a la ejecución para crear espacios y ciudades de calidad a través de vecindarios de calidad. En otras palabras, lugares de calidad.”
Un lugar de calidad, definido por Ann Markusen y Anne Gadwa, “ofrece transportación eficiente, banda ancha, espacios de usos mixtos, opciones de vivienda, recreación, áreas verdes, infraestructura de salud y educación, y sí, arte y cultura. El lugar de calidad que resulta del placemaking creativo debe ser seguro, accesible, conectado y sociable.”
Malak respondió rápidamente mencionando que numerosos estudios han demostrado que el placemaking dentro de un proyecto inmobiliario atrae gente e inquilinos. Esto es exactamente lo que están tratando de lograr en ICD Brookfield Place; tener espacio donde puedas vivir, trabajar, respirar y jugar. Esto suma valor económico y humano a la propiedad inmobiliaria porque estás construyendo un punto de referencia que le permite a la gente salir, reunirse y compartir. El arte promueve la conversación y lo convierte en un lugar para estar, entonces automáticamente, desarrolladores e inquilinos pueden encontrar valor en él.
Para Ferdi, desde su perspectiva artística, la cuestión es cómo se calcula el valor rentable y no el valor significativo, intentando definir todo con números. Uno necesita poner un equilibrio entre ese valor beneficioso y el valor significativo juntos, haciendo un gran arte.
Malak continua al decir que entre más temprano sea integrado el arte en un desarrollo, mejor se establece el tono y los estándares de lo que se espera. Incluyendo a artistas y compañías como MASSIVart en fases iniciales del plan maestro, mejor impacto tendrá el proyecto en general. Trabajar en estrecha colaboración con arquitectos, planificadores urbanos y clientes desde el principio creará esencialmente el juego base para lo que está construyendo. A través de esos arquitectos, diseñadores y consultores de arte que realmente entienden cómo se construye el arte y cómo se supone que debe mostrarse, es como los proyectos bien seleccionados funcionan a la perfección para y con la comunidad.
Ferdi menciona lo difícil que es para el artista reunirse con este tipo de cliente. Es por eso que el papel de empresas como MASSIVart es tan esencial para construir el puente entre el artista y el cliente: no muchos artistas pueden manejar todo el proceso para dar vida a un proyecto de integración de arte.
Malak mencionó además que se necesitan los ingredientes adecuados desde el principio para desarrollar orgánicamente un espacio del que la gente quiera formar parte. Se necesita mucha experiencia y mucha pasión. El proyecto realizado en ICD Brookfield Place con MASSIVart y Ouchhh generó mucha demanda para beneficiar directamente el valor del edificio. Atrajo automáticamente a nuevos inquilinos manteniendo los existentes: esto es ROI cuantitativo y cualitativo. Malak terminó diciendo que crear nuevas comunidades vs. tener gente entrando en tu espacio, esa es la diferencia entre un buen desarrollo y un desarrollo significativo.
Ferdi compartió información interesante que puede responder la pregunta del impacto económico de manera afirmativa: Ouchhh expuso en París Poetic AI en el 2018. ¡Más de 1 millón de personas la experimentaron en 9 meses! Los artistas trabajan cada vez más con clientes como Brookfield, quienes están realmente interesados en aumentar el valor general de sus activos a través del arte público. El fundador de Ouchhh Studio destacó el hecho de que el arte tiene un impacto masivo en las personas y que el arte a base de data se puede utilizar con fines funcionales, para ciudades inteligentes. Su objetivo es elevar una nueva economía con arte público basado en las comunidades.
Para Malak, el arte público es una actividad comunitaria. Reúne a la gente, no sólo apoya a la comunidad artística local. Automáticamente cambia cómo la gente interactúa con el espacio. La gente pasa más tiempo en el trabajo, en un edificio corporativo con áreas comerciales como ICD Brookfield Place, Malak menciona que ellos están tratando de alejarse de la idea de “un espacio de trabajo” hacia “un espacio de colaboración y diversión” para crear un ambiente diferente donde la gente pueda pensar en diferentes maneras de innovar.
La Gerente de Arte, Cultura y Eventos fue más allá al decir que ICD Brookfield Place no es sólo un edificio de oficinas sino que también es una comunidad que ofrece un espacio seguro e inclusivo. El arte público es vital debido a esta inclusividad para relacionarse con él. Malak dio un gran ejemplo: la noche de apertura de DATAMONOLITH_AI, las gigantescas pantallas habían sido recién instaladas sobre un piso reflejante. Al minuto en que el video apareció, el staff de noche –personal de limpieza y seguridad– simplemente se acercó con teléfono en mano para tomar fotos y videos, apreciando la obra y sintiéndose inmersos y emocionados. Precisamente ese era el criterio de Brookfield: entregar una experiencia impulsada por el arte que automáticamente atrajera a todos.
Para este punto, Ferdi explicó que en el pasado, avances tecnológicos persistentes en la tecnología continuaron impulsando el desarrollo del arte. No hubo excepción para la pintura, escultura, música o fotografía. La ciencia y las ideas científicas han siempre inspirado al arte y a los artistas, de Picasso y Leonardo da Vinci a Samuel Mores. Ellos demostraron cómo las ideas científicas pueden inspirar arte impecable.
Ferdi continuó redirigiendo su respuesta a su propia práctica dentro de Ouchhh, diciendo que todo proyecto parte de preguntas grandes y significativas. Su principal pregunta para DATAMONOLITH_AI en Dubai fue: “¿Qué pasaría si la consciencia de la data más antigua de los orígenes del mundo y la inteligencia artificial se unieran para un proyecto de arte público arquitectónico híbrido? Ellos colaboraron con científicos y académicos para crear esta escultura híbrida a base de data y conformaron un equipo de científicos de información, programadores de AI y diseñadores de animación. Tecnología y ciencia están en todo su proceso.
Finalmente, el panel concluyó sobre esta cuestión. Ferdi explicó que el “comportamiento artístico” está cambiando totalmente. Ya no es elitista, ahora es de fácil acceso para todos. Ahora la gente realmente disfruta teniendo experiencias inmersivas y viendo arte público. Para él, estamos viviendo el futuro de las artes: con las nuevas tecnologías y las redes sociales, puedes acceder al arte en cualquier lugar y en cualquier momento. Los datos son el nuevo oro, y si puedes unir datos, inteligencia artificial y ciencia dentro del arte público, eres único.
Creemos que algo asombroso ocurre en la intersección del arte y la tecnología. Así que, para celebrar el día internacional de la creatividad y la innovación, quisimos adentrarnos en el mundo de algunos de nuestros artistas contemporáneos favoritos y estudios creativos que trabajan con tecnología, datos e inteligencia artificial, logrando increíbles obras de arte en constante cambio con cientos de posibles resultados.
“La expresión artística ha alcanzado nuevos potenciales a medida que la tecnología crece. El arte avanza las experiencias de la tecnología, mientras que la tecnología avanza las posibilidades del arte.” – Escribe Ari Melenciano, diseñadora, tecnóloga creativa e investigadora.
Desde hace varios años, hemos escuchado términos como datos, inteligencia artificial y aprendizaje automático en todas partes. Escuchamos cosas como que el uso correcto de los datos puede ayudar a una empresa a cambiar radicalmente, o que la inteligencia artificial será la solución a los problemas globales. Escuchamos que los datos están en todas partes, desde hospitales hasta museos. Conocemos, a grandes rasgos, la importancia que estos términos tienen en nuestro presente tecnológico. Sin embargo, queríamos entender un poco más por qué, para algunos artistas, el uso de estas tecnologías ha sido fundamental y cómo es que al manejar datos y algoritmos de forma conceptual, se ha logrado una forma de arte totalmente diferente e innovadora.
Si tuviéramos que imaginar cómo se ven los datos, posiblemente pensaríamos en una lista de números o algoritmos complicados. Algunos también pueden pensar en hojas de cálculo y gráficos complejos, o documentos en un formato que realmente no podemos deletrear. Y sobre todo, estaríamos en lo cierto.
Los datos se pueden visualizar de muchas formas. A veces, la información estará dispersa y será difícil de entender. En otras ocasiones, la información estará muy organizada (y probablemente también será difícil de entender). Pero de repente, sucede la magia, y hay ocasiones en las que podemos visualizar datos de una forma totalmente diferente y creativa. Una forma en la que los datos se convierten en una forma de expresión artística extremadamente atractiva, cambiante y totalmente nueva para el ojo humano.
En MASSIVart, nos encanta encontrarnos y trabajar con artistas que trabajan con nuevos medios de comunicación y que exploran formas de expresión a través de tecnologías complejas. Nuestro proyecto más reciente como ejemplo: DATAMONOLITH_AI de Ouchhh Studio en ICD Brookfield Place, Dubai. Una experiencia cinematográfica que destaca el poder de la IA y los orígenes antiguos que todos compartimos.
El mundo cambia constantemente y el arte también. Al fusionar la tecnología con la creatividad, estos artistas nos invitan a cuestionar y explorar la relación entre lo real y lo irreal, entre lo exacto y lo inexacto, y finalmente, a conocer la creación de una expresión artística completamente nueva, siempre cambiante y que tiene la capacidad de crear todo tipo de emociones en nuestros cerebros también complejos e imperfectos.
(Turquía)
Usando inteligencia artificial, Refik sigue sorprendiéndonos al crear visualizaciones surrealistas de información que se convierten en esculturas de datos. A través de un algoritmo de aprendizaje automático que genera asociaciones visuales a medida que aprende, crea instalaciones fascinantes e inmersivas que nos recuerdan un sueño.
📹 Refik Anadol – Machine Hallucination. Cine experimental de 30 minutos, presentado en resolución 16K, que visualiza la historia de Nueva York a través de las memorias colectivas de la ciudad que constituyen su conciencia profundamente oculta.
(Francia, EU)
Sarah fusiona objetos tradicionales y elementos de la naturaleza con la belleza y la contemplación a través de medios digitales contemporáneos. Ella crea un lenguaje visual completamente nuevo y la expresión de sistemas, algoritmos y tecnologías que influyen en nuestra vida diaria convirtiéndolos en hermosas piezas metafóricas.
📷 Sarah Meyohas – «Speculations». Esta serie fue inicialmente concebida para BitchCoin, una criptomoneda como obra de arte que crea valor de manera lúdica. La moneda necesitaba estar respaldada por una fotografía, y esta fotografía necesitaba crear valor visual, deliberadamente y quizás con una expansión ilusoria del espacio para hacer referencia a la “minería” y la idea del oro.
(México)
Trabajando en la intersección de la arquitectura y el arte escénico, Rafael crea piezas de arte participativo donde utiliza diversas tecnologías como luces robóticas, fuentes digitales, muros multimedia, sensores, sonidos y proyecciones. En sus obras mezcla diferentes realidades y perspectivas donde invita al público a interactuar, cuestionar y reflexionar sobre la tecnología.
📷 Rafael Lozano Hemmer – “Cloud Display”, una fuente de agua vertical que consta de 1.600 atomizadores ultrasónicos, controlados por un sistema de reconocimiento de voz de aprendizaje automático.
(Reino Unido)
Un estudio digital con sede en Londres que trabaja con marcas y organizaciones ayudándoles a experimentar los datos y la información de una forma completamente nueva. Mediante el uso de algoritmos y millones de puntos de datos, pueden transformarlos en hermosas obras de arte que muestran las tendencias encontradas en las fuentes de datos.
📹 Variable Studio – Fibers. Visualización de los datos de Nike FuelBand de los entrenamientos anteriores a We Own The Night: la carrera de 10 km de Nike Women.
(Estados Unidos)
Al trabajar con inteligencia artificial y utilizar conjuntos de datos como fotos tomadas en la naturaleza por él mismo, este artista explora cómo las experiencias estéticas pueden cambiar la forma en que pensamos sobre tecnologías como la inteligencia artificial. Crea expresiones impredecibles y no perfectas de la naturaleza, creando una visión única de nuestro mundo real. Hermoso y perfecto, a su manera.
📷 David Young – Dandelions. Diente de león, imágenes de la naturaleza generadas por IA / aprendizaje automático.
(México)
Artista, matemático y fotógrafo. Las principales áreas de investigación de Juan Pablo son la creación y transferencia de conocimiento a través de técnicas de inteligencia artificial, en particular los algoritmos de aprendizaje profundo, la visión por computadora y la ontología de la imagen, y la lucha entre la adopción de tecnología y la renuncia a la privacidad. Actualmente estamos trabajando con Juan Pablo en una obra de arte de datos que combina inteligencia artificial con la artesanía tradicional del tejido mexicano. ¡Conoce más del proyecto próximamente!
📷 Juan Pablo de la Vega – plaoSr-sefttri [Autorretratos] Cuando nos presentamos en línea, somos aleatorizados y ordenados por algoritmos automáticos para mantener un orden en línea. En este proyecto, Juan Pablo aleatorizó y ordenó un autorretrato para visualizar una versión abstracta de sí mismo, emulando las versiones abstractas y cuidadosamente organizadas y aleatorias en línea de nosotros mismos.
(Nigeria/EU)
Artista e investigadora cuyo trabajo destaca las relaciones sociales y la dinámica de poder detrás de la recopilación de datos. Su práctica multimedia utiliza la impresión, el código, la instalación y el video para llamar la atención sobre las formas en que los sistemas sociotécnicos abstraen, representan y pasan por alto de manera diferente a los que están en los márgenes.
📷 Mimi Onuoha – Us, Aggregated 2.0. Utilizando una imagen de los archivos familiares personales de la artista como punto de partida, Us, Aggregated 2.0 presenta una serie de fotografías agrupadas en marcos que los algoritmos de búsqueda de imágenes inversas de Google han categorizado como similares y etiquetadas con la etiqueta «niña».
(Japón)
Joven artista e investigadora que explora los límites de la colaboración entre humanos y máquinas. El trabajo de Chung investiga las interacciones entre la marca hecha a mano y la marca hecha por máquina como un enfoque para comprender la dinámica de los seres humanos y los sistemas, creando como resultado obras de arte visualmente atractivas.
📷 Sougwen Chung – Bihua. Co-creación humana y tecnológica durante el primer período de aislamiento en cuarentena en Brooklyn, Nueva York.
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Estefania Cardoso
MASSIVart se encargó de la dirección de arte y la curaduría y, ahora está en la fase de producción de dos instalaciones que serán entregadas esta primavera. Una de ellas es una instalación de arte de gran escala, para la cual invitamos al artista y diseñador Alexandre Berthiaume de Futil Inc. a crear una pieza de 550m².
Quisimos darle un espacio para explicar los detalles de esta impresionante instalación que no podemos esperar para ver en la vida real. ¡Una interesante plática que esperamos los emocione tanto como a nosotros!
He estado mezclando disciplinas por tanto tiempo que es casi natural para mí. De mis estudios en arquitectura, a establecer una oficina de diseño industrial, a desarrollar en paralelo un performance multimedia en vivo basado en análisis de sonido a través de programación y todo en un periodo de 10 años. Me encontré con la fotografía orgánicamente por su practicidad y encontré en ella una gran manera de expresarme. Lo que combina estas prácticas es mi curiosidad por aprender y cada disciplina nutre a la otra. La línea entre arte y diseño para mí es simplemente poner la parte emocional. Generalmente elijo expresiones artísticas que se basan en algún desafío técnico. Es lo que me emociona y lo que me motiva. Cuando trabajo en un proyecto de gran escala que tiene parámetros que tomar en cuenta, la emoción y el mensaje nunca se pierden en favor de lo técnico.
La pieza que creé para The Summit se titula “Fragmentos”. Es una abstracción geométrica de una montaña. Combina formas complejas en un mural tridimensional. La veo como una presencia fragmentada que impone poder, fuerza y calma. Está pensada para inspirar y alentar a la grandeza. Su volumen ofrece dinamismo a la superficie plana del muro e impone su lugar. Me basé en los estudios sobre la Teselación de Voronoi, la cual es un tipo de fragmentación geométrica encontrada en la naturaleza. Esto me permite crear un sistema celular que es luego explotada en volumen con facetas triangulares. La luz natural del sol y la luz artificial complementaria crean una presencia vibrante, dinámica y evolutiva. El acabado espejo amplificará las interacciones lumínicas, reflejando y devolviendo su entorno de una manera abstracta y divertida. La gente será capaz de interactuar con la creación y ver su propia influencia sobre la pieza. La obra está compuesta de muchas dualidades: pesadez y ligereza, el hombre vs. la naturaleza, matemáticas vs. aleatoriedad natural. Quise crear un puente entre una visión futurista y la presencia duradera de la montaña. Crear algo que evoca memorias así como traerlas al frente e incluirlas en la pieza por medio de reflejos.
El proceso tuvo que ser rápido así que me basé en experimentos pasados. Desarrollé un proceso que por lo general utilizo en mis proyectos. Consta de 3 fases. Primero, analizar los parámetros a detalle. El lugar, el entorno, la audiencia, las necesidades del cliente y el sentimiento central que la pieza debe evocar. Luego considerar las posibles técnicas y los materiales de construcción que pueden ser utilizados y me concentro en uno. Este paso es crucial y ahorra mucho tiempo. Crear algo que no es factible no es productivo. Es también en este paso cuando la magia sucede – me detengo y dejo que todo marine en mi mente. Siempre está en mi mente por días. La soledad es necesaria en este paso y también medito. Una solución que amarra toda siempre emerge eventualmente. Me baso en mi experiencia pasada y reflexiono para dar con la solución correcta. Proyectos sin construir siempre son tan importantes como los que se construyen por el tiempo que se dio a reflexionar ideas. Fragmentos es un buen ejemplo porque finalizó un concepto que inicialmente había pensado para otro proyecto. Pasé un tiempo considerable entendiendo cómo generar teselaciones pero también cómo interpretarlas de manera tridimensional. Resultó que este proyecto fue el mejor escenario para poder profundizar mis estudios.
Sí hay una pequeña unión de hecho. No lo mencioné antes pero hay una similitud voluntaria de la pieza con la cara norte del volcán Popocatépetl, en la cercanía de la Ciudad de México. Cuando estaba concentrado en interpretar una montaña, empecé a investigar la geografía de la región. Quise tener una idea del paisaje en general. Me crucé con este volcán en mi investigación y me conmovió la mitología detrás de él. En la mitología Azteca, el Popocatépetl fue un guerrero enamorado de una princesa llamada Iztaccíhuatl. El padre de ella mandó a Popocatépetl a matar a un enemigo de su tribu, prometiéndole la mano de su hija de volver victorioso, pero sabiendo que era una batalla imposible. Completando su misión, Popocatépetl murió de dolor al saber que Ixtaccíhuatl había muerto al oír la falsa noticia de su muerte. Con lástima por su destino, los dioses cubrieron sus cuerpos con nieve y los transformaron en montañas.
El otro vínculo es más cercano a Santa Fe. Me encantó la visión futurista de esta área. La adopción de una visión moderna donde rascacielos se mezclan con parques contemporáneos increíbles. Sabía que esta fusión de naturaleza y tecnología en la obra sería la opción perfecta.
La escala no fue un reto en sí mismo pero sí afectó la selección de técnicas de fabricación y los materiales. Partes pre-construidas tuvieron que ser planeadas con anticipación para minimizar el trabajo en sitio. Esta fue la principal razón por la que rompí la pieza en varias celdas, lo que hace que cada parte sea de un tamaño más manejable. También permitió flexibilidad y un margen de error en cuanto a la instalación. Una cosa que hago en todos mis trabajos es visualizarlos a diferentes distancias. Tienes que pensar en la experiencia a distancia – y a esta escala está realmente alejado- y la experiencia en la cercanía con la pieza. Desde la calle puedes ver una imagen completa y la composición global. Cuando caminas hacia la pieza empiezas a tener el sentido de escala de la misma. Se vuelve impresionante. Una vez cerca, tienes toda la tridimensionalidad, su complejidad. Finalmente, en el mezzanine tienes la visión general, las vistas que dejan ver la reflectividad del ambiente mejoradas por la gente caminando por ahí.
¡Crucial! No hay muchas opciones con acabado espejo y cuando buscas un presupuesto razonable y una solución de poco mantenimiento, sólo desarrollos recientes en materiales compuestos hacen el trabajo. Luego necesitábamos encontrar un fabricante que no sólo pudiera trabajar el material pero que no tuviera miedo de este reto tan complejo. El material también tuvo que ser relativamente liviano porque la estructura no toca el suelo. Tuvimos que construir grandes componentes estructurales en el edificio. Es una cosa masiva pero necesitábamos conservar su integridad.
Básicamente quiero que la gente se sienta como un niño otra vez. Quiero que sientan cierto poder y fuerza. Siendo una manera la pura magnitud de la pieza y otra con el misterio de su fabricación. La veo como una almeja y un gigante apacible. Es quieta pero puedes sentir el paso del tiempo en su reflejo. Una montaña significa algo para todos. Un reto para los valientes. O un lugar atemorizante para otros. Una montaña es estable y resiliente y es una perfecta analogía para un rascacielos.
Para mí este trabajo es probablemente la mejor representación de mis fortalezas a esta altura de mi carrera. Básicamente la amalgamación de 20 años de investigación y esfuerzo. Pasé incontables horas aprendiendo cómo trabajar las últimas herramientas 3D para ser capaz no sólo de crear cosas así, sino también para poder comunicárselo a los fabricantes. Mis estudios como arquitecto me han permitido entender el contexto y la materialidad del edificio. Mi trabajo como diseñador industrial me permitió entender diferentes materiales y aprender habilidades para comunicarse con los fabricantes. Mi trabajo como artista multimedia me ayuda a entender el elemento del tiempo en una pieza de arte y hacerla evolucionar con su iluminación. Finalmente, es para entender al cliente y sus necesidades. Es importante para un artista expresarse en proyectos como este, uno siempre debe tener en mente su objetivo original. Y algunas cosas a veces te llevan a nuevos caminos y te hacen crecer.
Cada año, el 15 de abril, las celebraciones del Día Mundial del Arte ayudan a reforzar los vínculos entre las creaciones artísticas y la sociedad, fomentando una mayor conciencia sobre la diversidad de las expresiones artísticas y destacando la contribución de los artistas al desarrollo sostenible. También es una ocasión para poner el reflector sobre la educación artística en las escuelas, ya que la cultura puede allanar el camino para una educación inclusiva y equitativa.
«Unir a las personas, inspirar, tranquilizar y compartir: estos son los poderes del arte, cuya importancia se ha hecho claramente evidente durante la pandemia del coronavirus (COVID-19). Con cientos de miles de personas directamente afectadas por el virus y miles de millones más, ya sea encerrados o luchando al frente contra la pandemia, este Día Mundial del Arte es un recordatorio oportuno de que el arte tiene el poder de unir y conectar en tiempos de crisis». – Audrey Azoulay, Directora General de la UNESCO
¡Hoy más que nunca, le damos la palabra a una artista que nos inspiró! Feliz Día Mundial del Arte
Natalia Ramos es una artista visual de Guadalajara, México. Tiene formación en comunicación audiovisual y dirección de arte. En su trabajo artístico, Natalia está interesada principalmente en la abstracción y descontextualización de los objetos y distintos materiales, proponiendo nuevas composiciones atípicas. La composición puede ser crucial para cambiar la perspectiva de cualquier objeto y a la vez los valores visuales del espectador. Estas ideas, Natalia las expresa a través de “still lifes” de humanos y objetos y escultura. El acto de habitar el espacio y nuestra relación con los objetos es una constante en su trabajo. En esta ocasión, Natalia nos cuenta más detalles sobre su trayectoria.
Esta serie de fotografías representan al cuerpo humano a través de materiales rudimentarios creando esqueletos humanos abstractos. Hay algunos guiños al arte prehispánico mexicano y por otro lado, el proyecto intenta simular la auténtica capacidad mexicana de improvisación para resolver situaciones, en este caso, cuerpos a partir de objetos.
Botana es una compilación de «still lifes» que retratan ingredientes encontrados en el Mercado de San Juan, uno de los mercados más antiguos y tradicionales de la Ciudad de México. Es conocido por ser un mercado donde puedes encontrar ingredientes prehispánicos y exóticos como carne de cocodrilo y todo tipo de insectos.
Esta serie juega con el balance, el equilibrio y la idea de exaltar la belleza y simplicidad de lo ordinario. Los fondos monocromáticos y la composición central de cada still life, crean una sensación de planicie que he estado abordando en mi trabajo actual. Me gusta la sencillez y la inmediatez que la planitud puede lograr. Me atrae la anti-sofisticación.
Jardín es un conjunto de abstracciones de la naturaleza. Son dibujos llevados a esculturas a través de un proceso de fragmentación de la realidad, con la voluntad de reducir los cuerpos hacia una síntesis de íconos. Las flores futuristas, compuestas de acero, cerámica y huevos de avestruz, rompen con el aspecto rígido del acero, un material duro, estable, cuadrado. En este caso, el acero crea líneas sutiles y orgánicas, simulando el movimiento de plantas. Se trata de encontrar un cierto erotismo en un material hecho para la industria.
Las cerámicas y porcelanas, son aspiraciones corpóreas del mundo plano. A través de un juego de ensambles, surgen piezas que terminan por construirse al ser armadas y habitar un espacio. Ciertas formas se manifiestan más cercanas a la realidad mientras otras juegan con romper y desarticular lo familiar para poder percibirlo desde un lugar desconocido y nuevo. Los materiales utilizados para las piezas son porcelana, porcelana con humo, tierra de Zacatecas, arcilla de Tapalpa y pasta de alta temperatura. Unas líneas dando vueltas y vueltas de manera a generar una corporalidad a unos fragmentos planos.
En el último año, me he enfocado en crear ilustraciones específicamente para el mercado editorial, ya sea para periódicos o libros. Me siento muy cómoda en este campo porque lo que más me interesa es acompañar ideas y la relación que se desarrolla entre una pieza escrita y una pieza visual, creo que el mensaje cobra mucha mayor fuerza y que el espectador tiene la libertad de hacer conecciones subjetivas y únicas entre el juego de estas dos partes.
Hace unos meses, PME MTL buscó a MASSIVart para rendir tributo a sus empleados y emprendedores con un creativo regalo.
¿La idea? Un mural dentro de cada una de sus seis ubicaciones diseñado por Paprika, con códigos QR integrados para presentar a los emprendedores los proyectos que fueron apoyados durante el año. Este mural interactivo les permite resaltar las diferentes historias de una manera atractiva y divertida.
Este proyecto tiene un significado particular para MASSIVart, primero porque creemos que la misión de PME MTL es esencial y también por el hecho de que estamos felices de ayudar a quienes nos apoyaron antes. Es gracias al CDEC, nombre previo de PME MTL, que MASSIVart recibió su primer subsidio como start-up en el 2011.
Es por ello que nos sentimos orgullosos de cederle un espacio a PME MTL para presentar este proyecto donde la creatividad y el diseño una vez más demuestran ser maneras efectivas para comunicar un mensaje al mismo tiempo de embellecer un espacio.
PME MTL es la red de apoyo empresarial de la Ciudad de Montreal. Con 6 centros de servicio en la isla, nuestra misión es apoyar a los emprendedores de Montreal a través de una oferta financiera adaptada a sus necesidades. ¡En el 2020, celebramos nuestro 5to aniversario!
El proyecto que trabajamos con MASSIVart tenía dos objetivos principales. Primero, rendir tributo a los emprendedores de Montreal, pero también resaltar la importancia de la cantidad de trabajo lograda por todos los profesionales de la red de PME MTL desde el inicio de la pandemia.
Como emprendedores, hemos estado apoyando, hemos estado trabajando duro para ofrecerles ayuda y asesoría desde el mes de Marzo 2020. Este proyecto hace posible humanizar el trabajo de nuestros expertos, mientras ponemos al frente a los emprendedores de Montreal quienes son el corazón de nuestra misión.
¿El reto para realizar este proyecto? Resaltar las particularidades territoriales de cada polo de PME MTL que representan la fábrica emprendedora de Montreal del Este al Oeste y del Norte al Sur. Para disipar rápidamente esta aprehensión, el equipo de MASSIVart inmediatamente entendió la esencia del proyecto. El mural nos permitió traer una propuesta que unifica y une a nuestros polos. Es una colaboración magnífica entre el equipo de MASSIVart y el de PME MTL.
Quisimos hacer una comisión artística y creativa para este proyecto porque el arte y la creatividad sorprenden. Tienen un efecto unificador, cada ojo encuentra su propio interés. MASSIVart tuvo la brillante idea de integrar códigos QR a los murales, permitiendo que cada polo de PME MTL promoviera sus propios contenidos. Estos pudieron evolucionar con el tiempo simplemente adaptando los links de redirección de los códigos QR. A través de publicaciones, pudimos resaltar historias inspiradoras de nuestros emprendedores interminablemente.
Esta ocupación del espacio nos permitió descubrir -y redescubrir con cada visita- el talento de las compañías creativas de Montreal – MASSIVart y Paprika – pero también fue una manera de recordarle a todos (emprendedores, socios y visitantes) de la importancia de apoyar los negocios locales.
También es una manera creativa de resaltar el excepcional trabajo que nuestros colegas han estado haciendo desde hace 5 años y el rol esencial que juegan con los emprendedores de Montreal. Un rol que es más crucial que nunca desde Marzo 2020.
Por citar a uno de los gerentes generales de PME MTL, nosotros jugamos un rol modesto en un tiempo crucial. Para nosotros, apoyar a los emprendedores no es sólo proveer financieramente sino también ayudarlos durante pasos importantes, con el objetivo de fortalecerlos.
Photos: Myriam Baril-Tessier
Recientemente, Be Grand® – uno de los desarrolladores inmobiliarios líderes en México – le confió a MASSIVart reimaginar el showroom de un gran proyecto residencial en el corazón de la Ciudad de México.
El showroom de Be Grand Del Valle ya los diferenciaba de otros desarrolladores inmobiliarios, por lo que llevamos esta propiedad de marca única a otro nivel, reflejando su posicionamiento de marca exclusivo y estilo de vida elevado a través de instalaciones de arte.
Para este proyecto, tuvimos la oportunidad de colaborar con el artista Ignacio Aldana “Soltero” para traer a la vida CLARO/OSCURO – un enorme mural monocromático. Además de ser una impresionante obra de arte durante el día, por la noche el mural se transforma en un espectáculo de neón resplandeciente que crea un hito impresionante en la pared de la Colonia del Valle.
En esta ocasión, quisimos darle lugar a Ignacio para que nos cuente más sobre su práctica artística y el lugar que el arte público tiene en ella.
El acercamiento inmediato fue mi madre ya que ella es pintora surrealista y también toca el piano así que ella siempre nos impartió conocimiento en cuanto al arte. Una de las claves para mi trabajo hoy en día es algo que mi madre siempre nos decía y todavía nos dice: “si vamos a empezar algo es por qué lo vamos a terminar lo mejor que podamos”. Eso lo he aplicado siempre, en cada pieza y cada mural que he realizado
Creo que al principio te importa tanto tener un lenguaje propio que muchos nos perdemos buscando ser originales. El desarrollar un lenguaje propio te lo da la práctica y el tiempo, ellos te comienzan a enseñar para dónde puedes ir. En mi caso comencé con los murales geométricos meramente por lo amigables que son, en cualquier tipo de espacio pueden convivir y cualquier espacio lo pueden transformar, diciendo esto uno empieza por poner color y ya con más experiencia uno empieza a transmitir lo que ese espacio le dice, en mi caso ya sea por patrones o figuras geométricas, o por gamas de colores. El lenguaje abstracto de obra en bastidor llegó unos años después cuando me sentí capaz de desarrollar un estilo propio, y mi objetivo era que la gente que viera alguna de mis piezas no tuviera que buscar el título o la firma para saber qué le transmitía la obra o quien era el artista. Esa marca propia se empieza a crear y en algún momento los dos estilos la van a reforzar.
Mi proceso creativo empieza estudiando el espacio. Me gusta saber qué pasa o pasará en donde está el mural, también saber qué hay a los alrededores. Me gusta aportar un cambio, no se trata solamente poner pintura. Sabiendo esto, si se tiene ya una gama seleccionada se empieza a bocetear en cuanto a la idea del espacio. A mí me gusta hacer 3 bocetos, dos como el cliente lo pide y una totalmente como yo lo propondría. Siento que cuando tienes una idea pre-establecida a veces tu capacidad creativa se bloquea y al realizar ese tercer boceto esa creatividad se activa al máximo, y en muchas ocasiones salen detalles que se quedan en el mural.
Ya que se tiene el boceto seleccionado o final siempre hago un esqueleto de por donde lo voy a empezar a pintar. No siempre se empieza de arriba, es según el diseño lo pida y eso es muy interesante. Una vez ya listos para pintar, siempre lo voy haciendo por secciones así si empieza a llover o por alguna razón no puedo continuar no queda incompleto.
Ilegalmente. Me refiero que, al principio, nadie te contrata o te da espacios para pintar y pues consigues los tuyos. Me iba a las afueras de la ciudad y ahí practicaba mis líneas, mis difuminados y después, gracias a las redes, muchas oficinas empezaron a contratarme para murales pequeños y empecé a interesarme mucho en intentar revivir espacios muertos o públicos donde la gente pasa mucho tiempo. Ahí empecé a trabajar con el DIF Guadalajara, después con la Fundación Black Coffee Gallery hicimos varios proyectos murales. Después fueron el DIF Zapopan y Jalisco y todo fue creciendo ya que nos empezamos a dar cuenta que todos en sus oficinas querían color. Empezamos a pintar edificios y el cambio de estado de ánimo de la gente era muy visible. No solamente es el color, es el folclore mexicano y la idea es transmitirlo internacionalmente.
Que todos queden satisfechos. A veces el artista sabe que pudo quedar mejor, así somos. A veces al público no le gusta. A veces los colores no quedan como esperabas. Lo bonito es que todo eso tiene solución. No hay nada como terminar y ver la cara de todos cuando queda perfecto.
Para mí lo que propone Be Grand es lo mismo que estoy tratando de proponer yo en mi pintura, que es vanguardia, elegancia y minimalismo. La marca también habla de transformar y evolucionar y siento que el trabajo que realice tiene todos esos detalles. Además la idea de que también fuera un mural no solo de día si no también activo de noche lo hizo interactivo, la gente tiene la posibilidad de conectar con la obra de noche. Los neones lo convierten en un spot perfecto para una buena foto o selfie, que es algo que siempre había querido realizar en un mural.
El impacto comenzó en nosotros, porque durante los días que trabaje se veía como se iba transformando todo. Esa zona está viviendo un gran cambio así que el impacto será positivo y espero que sea ejemplo para que lugares en los alrededores vean que el arte puede dar valor más allá de lo visual.
Actualmente exhibida en el corazón de una torre corporativa en Dubai está la instalación artística híbrida DATAMONOLITH_AI del multigalardonado estudio, Ouchhh. La instalación de arte público estará expuesta en ICD Brookfield Place hasta Marzo 23, 2021.
Con el propósito de generar mayor sentido de comunidad y conexión, ICD Brookfield Place le confió a MASSIVart traer esta instalación de arte público a la vida durante estos complicados tiempos a causa de la pandemia.
Para MASSIVart, fue un privilegio trabajar con un cliente cuya visión se alinea a la propia: Brookfield Properties, uno de los grupos inmobiliarios más grandes del mundo, ha recibido reconocimiento por su programa de arte, “Arts Brookfield.”
Ben McGregor, Director de Inversión de ICD Brookfield Place dice, «Estamos increíblemente orgullosos de lanzar este programa de arte público con DATAMONOLITH_AI. ICD Brookfield Place siempre ha aspirado a ser una comunidad e institución cultural creativa y visionaria, y esta increíble instalación es la primera en un programa de experiencias culturales de nivel mundial. Esperamos que la instalación no sólo sea inspiradora para nuestra comunidad inmediata en Dubai sino que propicie más creatividad y crecimiento en la escena artística en los Emiratos Árabes.»
Para desarrollar más este punto, quisimos que ICD Brookfield Place nos contara más sobre su relación con el arte público como un desarrollador inmobiliario. Estas son sus respuestas.
Nosotros creemos que la industria necesita preocuparse menos acerca de los espacios tradicionales de “ladrillo y mortero”, y concentrarse en crear espacios en los que la gente quiera vivir, trabajar y jugar. Poner atención al placemaking y la experiencia es una propuesta de valor en el sector inmobiliario y también un valor humano. Crea mejores espacios y ciudades. En ICD Brookfield Place, nos preocupamos mucho por crear espacios especiales y nuestra misión es presentar experiencias culturales de nivel mundial y gratuitas para el público.
El arte público, en cualquier medio, enriquece el espacio para la gente. El arte detona la imaginación, cuenta una historia, nos hace más felices y simplemente crea una imagen más hermosa.
Estamos creando comunidad. Al invertir en nuestro espacio, estamos invirtiendo en nuestros clientes y visitantes. Hemos impulsado el hecho de que espacios increíbles atraen a más clientes, y más clientes equivale a mayor ganancia, todo mientras se está apoyando a artistas y creadores jóvenes.
Nuestro objetivo fue inaugurar el programa de arte de ICD Brookfield Place ofreciendo un artista regional establecido. Quisimos presentar una instalación inmersiva que contara una historia. DATAMONOLITH_AI de Ouchhh es tan rica en experiencia que cualquiera puede disfrutarla sin importar edad, contexto o nacionalidad. Es universalmente accesible.
Durante una pandemia, es difícil viajar y coordinar un proyecto de esta escala desde otro lado del mundo. Sin embargo, MASSIVart ejecutó este proyecto impecablemente y logró coordinar la entrada y salida a Dubai del artista. La línea de comunicación siempre fue muy clara, así que fuimos capaces de predecir y resolver cualquier reto antes de que se presentará.
El arte público es importante de muchas maneras. Enriquece nuestra alma, brinda un contexto cultural y cambia por completo la manera en que la gente interactúa con el espacio. Ahora más que nunca vemos la necesidad de apoyar a artistas locales y a nuestras comunidades.
Somos muy afortunados por tener tanto talento en el Medio Oriente, el cual necesita ser resaltado y apoyado. Como placemakers culturales, es nuestro deber ofrecer nuestro edificio como plataforma para artistas regionales emergentes y establecidos. De cierta manera, estamos conectado nuestro talento con los clientes para crear un ecosistema integral y nuevas oportunidades para estos artistas. Lo más importante, todos nuestros eventos y exposiciones son gratuitos y abiertos para que todo público los disfrute.
En los últimos años hemos sido testigos de varios cambios, aunque a veces mínimos, en diversos ámbitos sociales; uno de ellos siendo el mundo del arte, el cual ha tenido increíbles transformaciones en relación a temas de inclusión de artistas femeninas y de cómo las mujeres están revolucionando esta industria.
Recordemos que el arte ha sido en su mayoría manejado por hombres y el número de obras exhibidas y producidas por artistas masculinos, hasta la fecha, sobrepasan a aquellas hechas por artistas mujeres.
Según un estudio realizado por la universidad de luxemburgo en 2017, en las subastas, los trabajos de mujeres alcanzan precios 47% más bajos que los trabajos hechos por hombres (1).
Un estudio realizado por PLOS (Public Library of Science) demostró que de los 18 museos más grandes de América, el 76% del arte en exhibición pertenecía a artistas masculinos blancos (2).
Desde el 2019, museos como El Prado en Madrid o el MoMa en Nueva York, por mencionar solo algunos, decidieron hacer esfuerzos para incrementar el número de obras y/o exhibiciones de mujeres artistas, intentando equilibrar un poco el desbalance que ha existido entre los dos géneros.
Definitivamente, 2020 fue un año prometedor internacionalmente con un número más grande de exhibiciones de artistas mujeres, así como cada vez más la inclusión del género femenino en la industria, sin dejar atrás los numerosos movimientos femeninos alrededor del mundo que movilizaron y concientizaron a gran parte de la sociedad.
El año pasado fuimos testigos de movimientos increíbles y protestas contra la violencia hacia las mujeres, desde marchas históricas en México y Chile hasta Europa del Este, el movimiento #MeToo en países de américa del norte y del medio oriente, la legalización del aborto en Argentina, entre otros.
2020 fue posiblemente el año más raro de nuestras vidas, sin embargo, no dejemos atrás que fue un año lleno de cambios; de grandes y pequeñas revoluciones, de movimientos nacionales e internacionales que de alguna manera han reformado nuestra sociedad.
Echemos un vistazo a cómo 2020 fue un año en el que las mujeres jugaron un papel importante en expresar temas sociales a través de la creatividad y quiénes son algunas de estas mujeres que han sido nuestra inspiración para querer marcar la diferencia a través de movimientos y asuntos de género, haciendo que este 2021 sea aún más emocionante para todos.
Julieta Gil / @julietagilg – Artista mexicana que trabaja con diferentes formas de arte incluyendo renders 3D, animación, instalación y esculturas. Está interesada en las realidades tanto físicas como digitales, que reflejan temas como el feminismo y la tecnología y cómo estos pueden usarse para remodelar a nuestras instituciones.
Eréndira Derbez – Ilustradora, escritora y activista Mexicana. A través de su trabajo, representa temas como la mujer desaparecida, el feminicidio y la conciencia del cuerpo femenino.
Alisha Davidson / @alisha_lucia – Ilustradora de Toronto que crea diseños feministas que celebran a las mujeres. Ella da vida a ilustraciones hermosas y que invitan a la reflexión, difundiendo señales feministas sobre la igualdad de género y los valores feministas sobre la hermandad y la aceptación.
Malika Favre / @malikafavre – Ilustradora y diseñadora francesa con un estilo minimalista y atrevido. Tiene un profundo compromiso de celebrar y empoderar a las mujeres a través de sus llamativos diseños.
Genesis Belanger – Caracterizada por su paleta de colores suaves y apagados, las extravagantes interpretaciones de objetos cotidianos en cerámica de la artista neoyorquina Genesis Belanger, examinan temas como el consumismo y la cultura misógina que son parte de nuestra sociedad.
Chila Burman – Artista multimedia con raíces indias que utiliza materiales vibrantes, coloridos y atrevidos para transmitir mensajes importantes como el empoderamiento de las mujeres y la política. Hizo esta colorida instalación que cubre la fachada de la Tate Britain para dar esperanza durante el cierre de la pandemia.
Ojima Abalaka – Ilustradora de Nigeria que explora los derechos humanos poniendo el foco en temas de igualdad y raza a través de su trabajo, con sus ilustraciones digitales honestas y contemporáneas.
Renata Petersen / @renatapetersendlt – Artista mexicana que trabaja con diferentes medios como el dibujo, la pintura, la fotografía y la cerámica. Su trabajo toca temas religiosos y sociales a través de objetos de nuestra vida cotidiana.
Beau Dunn / @beaudunnart – Artista estadounidense que trabaja con escultura, neones, fotografía y pintura; ha desarrollado una práctica que se reconoce instantáneamente por sus colores vibrantes y sus comentarios sociales audaces sobre las presiones y los estereotipos sociales.
Erika Harrsch / @erikaharrsch – Artista mexicana que aborda temas sociales como la inmigración y la conservación ambiental, a través de instalaciones artísticas inmersivas.
– Estefania Cardoso, Directora General de MASSIVart México
Ahora más que nunca, las ciudades recurren a artistas, arquitectos y diseñadores para crear espacios públicos significativos y prueba del paso del tiempo. El arte público es por lo general utilizado para crear y fortalecer el sentido de comunidad, pero también puede ser usado para retar nuestra relación con el entorno, iniciar conversaciones, e informar y educar.
En la ocasión de nuestro primer proyecto en Dubai, en el ICD Brookfield Place, colaboramos con el famoso estudio de nuevos medios Ouchhh, y quisimos darles un lugar para expresarse sobre su acercamiento artístico y su relación con el arte público.
Ouchhh está descubriendo los límites del arte conduciendo una investigación sobre la relación entre arquitectura, arte, ciencia, tecnología, arte de nuevos medios e inteligencia artificial. Consideramos cada proyecto como un reto y tomamos un acercamiento fresco y único para cada trabajo. El recorrido de nuestro estudio empezó hace 10 años. Hoy en día el equipo -de 25 personas- consiste de varios talentos desde artistas de AI, ingenieros, académicos, programadores creativos, diseñadores, diseñadores de motion graphics, todos con la visión común de que el conocimiento crea una experiencia pública épica. Ouchhh ha creado aproximadamente 52 proyectos de arte público para ciudades en casi todos los continentes.
Cada proyecto empieza con grandes e importantes preguntas en nuestro estudio. Nuestra pregunta principal para DATAMONOLITH_AI fue: «¿Qué pasaría si la conciencia de la data más antigua del mundo y la inteligencia artificial se unieran en un híbrido de arquitectura y arte público?» Colaboramos con científicos y académicos para crear este híbrido escultórico a base de data. Luego reunimos un equipo que incluye científicos de data, programadores de AI, y diseñadores de animación. Generalmente inventamos nuestro proceso de creación experimental para cada instalación, caso por caso. Utilizando la red generativa adversarial (GAN) y algoritmos AI, creamos DATAMONOLITH_AI, que aprendió de la data del Göbekli Tepe (datando del periodo neolítico previo a la alfarería: 9600–7000 aC).
En el pasado, avances persistentes en la tecnología continuaron impulsando el desarrollo de formas artísticas. No hubo excepción en la pintura, escultura, música, fotografía. La ciencia y las ideas científicas han inspirado el arte y a los artistas, desde Picasso y Leonardo da Vinci, hasta Dalí y Samuel Morse. Ellos demostraron cómo las ideas científicas pueden inspirar un arte impecable. Los maestros en la historia son nuestra más grande inspiración. En este sentido, como el estudio Ouchhh, nosotros siempre hemos amado empujar los límites en nuestro trabajo a través de la luz de la ciencia y tecnología. El arte de nuevos medios celebra la conexión entre arte y ciencia desde el inicio. Las tecnologías digitales nos permiten desarrollar esculturas a base de data, experiencias inmersivas y mundos nuevos y alternativos. El crecimiento del arte virtual también nos brinda más oportunidades creativas, así que estamos emocionados por ver el desarrollo del arte de nuevos medios día con día.
¿Con qué tipo de data normalmente trabajan?Nuestra data viene de una gran variedad de fuentes como el cerebro humano, la historia antigua, sonidos, visuales, textos, etc. Nosotros usamos la data como el pincel y los algoritmos como nuestro lienzo, para transformar así la data en un asset estético para ser experimentado por las audiencias de muchas maneras. Por ejemplo, nuestro proyecto Poetic AI no es únicamente una experiencia inmersiva. “Poetic AI” puede ser leído como un libro y tocado como una escultura física hecha de 20 millones de líneas. Amamos transformar la data invisible en una obra de arte que puede ser vista. Nuestro objetivo es hacer que la gente se sienta cerca al tocar la escultura con 20 millones de líneas y teorías hechas por AI. Creemos que es un buen punto medio entre arte tradicional y contemporáneo.
Películas de ciencia ficción y científicos famosos son siempre nuestra principal inspiración. Stanley Kubrick y 2001: Odisea en el Espacio influyeron profundamente el concepto de diseño para esta instalación.
Teníamos un sueño sobre códigos secretos de universos híbridos, cósmicos y multidimensionales hechos por inteligencia artificial, sin límites arquitectónicos en espacios públicos. Es por eso que estamos activamente tratando de hackear los espacios públicos con herramientas de nuevos medios.
Es importante para nosotros hacer que la gente vea y sienta cosas que de otra manera no podrían experimentar en su vida diaria. Nuestra mayor inspiración viene de la física, geología, ciencia, ambientes geológicos, la naturaleza. Estas inspiraciones le dan forma a nuestros principios de diseño. Empezamos por aplicar nuestro conocimiento sobre ellas para diseñar transversalmente: nuevos medios y lienzo – de lo micro a lo macro. Cada sentimiento que hemos querido experimentar ha influenciado nuestro estilo de diseño. Queremos concentrarnos en la respuesta emocional a la conexión científica entre la gente y el arte.
Podemos predecir que el arte y la tecnología aparecerán más en experiencias inmersivas audaces y ambiciosas en las ciudades. La tecnología está cambiando la manera en que hacemos, experimentamos y compartimos nuestras ideas. Los coleccionistas de arte aman explorar la fascinante área de tecnología y creatividad. En nuestros trabajos, la integración de ciencia y tecnología en el arte debe primeramente servir a las emociones de la audiencia. Muchos de nosotros sabemos el sentimiento de ser tocados por una pieza de arte. Cuando una pieza toca nuestra alma, somos afectados. Nos teletransportamos a un lugar diferente que es un universo paralelo. El arte complace nuestros ojos mientras la ciencia comunica. Como dijo Albert Einstein: «La cosa más hermosa que podemos experimentar es el misterio. Es la fuente de todo el verdadero arte y toda la ciencia.» Lo desconocido, lo misterioso, es donde el arte y la ciencia se unen. Combinando las dos disciplinas generamos una nueva manera de pensar, para el artista y para la audiencia.
El 29 de enero, el Socio Fundador y Director Creativo Global de MASSIVart, Philippe Demers, fue invitado por Entro a participar en un panel sobre la importancia de la inclusividad y el diseño de espacios públicos. Recibiendo con gusto la oportunidad de discutir cómo MASSIVart promueve la diversidad en sus proyectos, Philippe también enfatizó que el arte es un vehículo probado para el cambio social y posee una enorme capacidad de crear espacios seguros. Compartiendo esta conversación con Philippe estuvieron colegas expertos de la industria, cuyos respuestas puntuales e inspiradoras han sido resumidas en esta página para que ustedes puedan reflexionar sobre ellas.
Panelistas:
Heela Omarkhail, Vice Presidente, Impacto social en Daniels Corporation
Dr. Julie Nagam, Cátedra de Investigación en Artes Indígenas de Canadá, Colaboraciones y Medios Digitales
Rochelle Maresh, Estratega en Alliance Architects
Pru Robey, Presidente de Pru Robey Consulting
Moderador:
Vedran Dzebic, Líder de Investigación y Desarrollo en Entro
Durante el año pasado, eventos globales nos han llevado a reexaminar nuestra relación con el espacio, mientras que movimientos sociales nos han llevado a reflexionar críticamente sobre quién tiene acceso a esos espacios para empezar. A medida que cambia nuestro entendimiento de la conexión humana con el lugar, la inclusión podría ser el principio por el cual podamos recuperar y revitalizar nuestros espacios. Pero un simple deseo por construirlos no es suficiente.
Según Heela Omarkhail, la inclusión no pasa por accidente. No es un subproducto del proceso de diseño ya que requiere ser intencional. Por ejemplo, Daniels Corporation identifica tres elementos de organización que pueden facilitar la inclusión:
– Arte y cultura
– Comida y agricultura urbana
– Deportes y actividad física
Estos pueden ser usados como herramientas, incorporados en el diseño de espacios y programas, que motiven a la gente a reunirse sin importar su idioma cultural, origen racial o socioeconómico.
Para el Dr. Julie Nagam, el proceso de diseño y creación de espacios comunitarios debe estar en manos de líderes BIPOC (personas de color e indígenas) o, por lo menos, en directa colaboración con ellos. La decisión de inclusión debe ser deliberada, desde el inicio de un proyecto. Una de las mejores maneras de asegurar esto es concentrarse en contratar personas para los equipos internos o trabajos de consultoría que realmente reflejen las comunidades para las que se está construyendo y diseñando. En este caso, reconocer que la experiencia puede no prevenir de un entrenamiento formal o profesional sino de experiencias vividas, es increíblemente benéfico.
Resonando con los sentimientos del Pru Robey ofrece una poderosa frase: “El racismo no es el tiburón, es el agua en la que nadamos todos los días.” Reconociendo los sistemas tóxicos y siendo honestos con nuestras comunidades acerca de ellos nos ayudará a imaginar un futuro juntos: uno en el que la gente tenga un lugar real y significativo.
Hablando de valores emocionales y sociales en el diseño inclusivo, Philippe Demers propone que la arquitectura y espacios creados actúen como lienzos para la vida. Construyendo estructuras hermosas, o lienzo en blanco, es el primer paso para acoger a la gente para que puedan pintar figurativamente sus propias escenas. La inserción de programas culturales es esencial al no sólo fomentar nuevas historias y conexiones, sino que mantiene a la comunidad interesada e involucrada.
Convencer a los desarrolladores de que hay valor financiero concreto en el diseño inclusivo, no obstante, es un verdadero desafío. MASSIVart, Entro y la Universidad de Ryerson (Toronto) esperan ser pioneros en el cambio al conducir un estudio para descubrir las maneras en que se pueda medir cuantitativamente el retorno de inversión (ROI) del placemaking creativo.
Refiriéndose a las herramientas comúnmente utilizadas, Rochelle Maresh enfatiza que por lo general no logran alcanzar a grupos diversos y más inclusivos, quienes quizá no han podido tomarse un tiempo libre para asistir a los talleres virtuales o las reuniones públicas. La tecnología puede ser un obstáculo. Mientras abre puertas para que algunos puedan involucrarse, puede cerrar puertas para los que no. Deberíamos tomar medidas para alcanzar un grupo demográfico más amplio, como utilizar los escaparates para anunciar a los transeúntes cómo pueden responder a una llamada comunitaria. Las personas no deberían tener un teléfono o acceso a Internet para poder recibir información sobre cómo involucrarse o cómo poder tener un lugar en la mesa.
Al recopilar información, practicar la empatía ayudará a los diseñadores a comprender quiénes serán sus usuarios más comprometidos. También es muy valioso escuchar cómo es su vida, cuáles han sido sus experiencias, qué es lo que ha influenciado la manera en que piensan el espacio o cómo quieren participar en él. Debemos preguntarnos cómo los espacios que construímos pueden hacer que la gente se sienta lo suficientemente segura para poder expresarse por completo.
En MASSIVart, Philippe nota que la empatía también se ha convertido en gran parte de la curaduría. Ahora más que nunca, la selección de arte para espacios públicos se concentra en hacer sentido para la comunidad o el colectivo. Se han ido los días de perspectivas académicas determinando lo que es el arte o la cultura. Los curadores están desarrollando la capacidad de escuchar a su audiencia y ser más sensibles a sus necesidades, entendiendo que ellos están diseñando espacios en donde la gente realmente vive y con los que se involucra constantemente. Los artistas no sólo juegan un papel en embellecer espacios, al estar en sintonía con lo que está pasando en las comunidades, sino que también deben estar incluídos en el proceso de diseño desde las primeras fases.
Como el Dr. Nagam dice, hay una razón por la que la gente se siente atraída a proyectos impulsados por las raíces. Se siente más orgánicos. Firmas de diseño y arquitectura han aprendido a colaborar mejor con los artistas, dejando de verlos como trabajadores estéticos sino como colegas. Se trata de escuchar el conocimiento personificado, aprender al hacer, asegurando que es una relación recíproca. ¿Cuál es el resultado final? ¿Qué obtiene la comunidad de esto? ¿Dónde se ven sentados? Evaluar las repercusiones del proyecto es algo que ella no cree que se esté haciendo bien por lo general en casi todos los campos.
¿El consenso? El impulso por la inclusión no termina cuando lo hace el proyecto. Para Heela y Daniels Corporation, han aprendido que no es simplemente “construirlo y ellos vendrán”, es “construirlo, programarlo, difundirlo y comercializarlo” y eventualmente la gente comenzará a filtrarse. Pero, si podemos priorizar desde el inicio para que la gente sienta que tiene un lugar en el proyecto, la transición al uso de espacios creados sucederá de manera más natural.
El trabajo de Víctor Pérez-Rul (Ciudad de México, 1983) es una investigación artística en desarrollo en la que pueden converger arte, (retro)futurismo, ciencias naturales, cosmología, ingeniería, diseño y sutiles referencias pop, entre otros elementos. Sus esculturas solares, proyectos colaborativos experimentales, instalaciones de gran escala y paisajes y objetos físicos y virtuales, proponen y exploran nuevas formas de entender, percibir e imaginar el universo, la energía y lo vivo.
Para facilitar su ejercicio artístico y creativo experimental, multidisciplinario y colaborativo, Victor fundó el Studio Víctor Pérez-Rul en el año 2010: un estudio de arte que trabaja en la investigación artística sobre energía y los seres vivos como sistemas de procesamiento energético, haciendo converger a través del arte escultura, instalación, ambientes, y paisajes físicos y virtuales, arquitectura experimental, diseño de objetos, futurismo, reflexión tecnológica y visiones del mundo no antropocentristas como el post-humanismo y el nahualismo.
El trabajo de Víctor Pérez-Rul se ha presentado en diferentes países, como Corea del Sur, Holanda, Alemania, Italia, Estados Unidos de Norte América, Costa Rica y México.
VPR: Compartir mi asombro por el mundo y experimentar su misterio. Buscar sumergirme a través de la experiencia heterogénea del arte en las grandes preguntas de nuestra especie, como ¿qué es el universo? y ¿qué es lo vivo? Vivir y compartir mi para siempre inconclusa aventura en busca de la libertad, el asombro y el conocimiento.
VPR: Me inspira la naturaleza, el paisaje, los insectos, las criaturas submarinas, lo psicodélico, el anime, los videojuegos, el retrofuturismo, la exploración espacial, los cyborg, la arquitectura, la música en general, la música electrónica en particular y las ciencias naturales. Las ideas pueden surgir de muchos lados: de un sueño o una meditación, de una conversación, inspiradas por una lectura, caminando, en alguna aventura, en la regadera, ya saben. Muchas veces las ideas surgen en partes y en diferentes lugares y momentos y se van aglutinando (por medio de textos, bocetos, diagramas, maquetas y etcétera) hasta que generan una idea por lo general utópica. El intento de llegar a esa visión utópica, a esa pieza ideal, es cómo se materializa la idea en obra. En ese sentido, toda pieza que realizo es un intento, un experimento inconcluso.
VPR: Tal vez la constante última en mi trabajo radica en la expresión de mundos posibles y sobre cómo estos mundos pueden insinuarse y desdoblarse a través del arte. Por el momento estoy trabajando con temas relacionados a teorías y especulaciones sobre el origen de la vida y los difusos límites entre lo que consideramos vivo y lo que no.
VPR: Como una aventura de exploración: un día puedo estar en un bosque tropical, otro día en el fondo de una mina, otro día leyendo en el estudio y trabajando en la computadora y otro más viendo caricaturas. Al final todas las experiencias y conocimientos que acumulo se comienzan a transformar en piezas por medio de diagramas, bocetos, prototipos y la iteración de los mismos. Me interesa que las piezas de arte que genero funcionen como un dispositivo de arranque de experiencias complejas en el espectador, experiencias que no serían posibles de otras formas, para esto he adoptado la idea de que mis piezas deben de ser un punto de convergencia entre varios elementos como pueden ser: reflexión, ficción, especulación, ciencia, cultura pop, lo ancestral y lo trascendental, todo mezclado sin distinción. A este punto de convergencia en el universo de mi trabajo le he llamado Tesseract.
VPR: Las soluciones técnicas. Me gusta mucho trabajar y experimentar con procesos, tecnologías y elementos que puede llevar mucho tiempo y conocimiento dominar. Mis piezas siempre surgen en una tensión entre contenido, experimentación, posibilidad formal, costos de producción y calidad. La libertad creativa tiene sus grandes retos.
Con la llegada de la pandemia hemos repensado nuestra vida. La manera en que nos conectamos e intercambiamos tomó un nuevo camino. Nos quedamos en la comodidad de nuestros hogares. Evaluamos el ritmo en el que vivimos. Nos enfocamos en lo que es esencial, lo que nos impulsa. Retomamos el libro que habíamos empezado a leer pero nunca terminamos – antes no teníamos tiempo. Nos reconectamos con nuestro bienestar y nos concentramos en lo que nos alivia, comida, películas, y arte.
MASSIVart se trata de crear experiencias únicas centradas en el ser humano para disfrutar, conectar e inspirar a través del arte. Pensamos en preguntarle a nuestro increíble equipo sobre lo que más los ayuda a relajarse, inspirarse, confortar su corazón y sentir esperanza de que esto pronto también pasará.
¡Disfruta la tercera parte de esta serie!
Objeto con el que no puede vivir: Audífonos
Libro: Ensayo sobre la ceguera de Saramago
Artista a descubrir: Horacio Quiroz
Su canción: Babylon Rule Dem de Groundation y Too many puppies de Primus
Comida o bebida: Tacos de pastor y cerveza oscura
Objeto con el que no puede vivir: Mi vaporizador… aunque espera dejarlo algún día
Libro: Libro de ilustraciones de Jean-Jacques Sempé
Artista a descubrir: Sara Hagale
Su canción: Bette Davis Eyes de Kim Carnes
Comida o bebida: Una cacerola, una buena cerveza o un sortilegio (whisky con miel de maple canadiense)
Objeto con el que no puede vivir: su bicicleta y su cuchillo de cocina japonés
Libro: todo lo de Arsène Lupin, Gentleman cambrioleur
Artista a descubrir: David Spriggs (Vancouver) para instalaciones y Kathryn Macnaughton (Toronto) para pintura
Su canción: Marilyn de Mount Kimbie y Music Sounds Better With You de Neil Frances
Comida o bebida: Croissants, Chicken Pot Pie & Smoothies de Mango
Objeto con el que no puede vivir: las gorras se vuelven cada vez más parte de su vida
Libro: la serie de The Dune (¡y la próxima película!)
Artista a descubrir: El trabajo de Corentin Laurens lo ha cautivado desde hace tiempo
Su canción: todas las canciones de Ambar Lucid
Comida o bebida: sin ninguna duda la tártara de atún con un buen Sangiovese
Objeto con el que no puede vivir: ¿una tabla de excel?
Libro: ahora tiene Reinventing organization de Frederic Laloux en su mesa de noche
Artista a descubrir: descubrió a Nicolas Grenier hace unos años y ama su trabajo
Su canción: todo el álbum de Dominique Fils-Aimé es grandioso
Comida o bebida: pasta italiana fresca con mariscos
Con la llegada de la pandemia hemos repensado nuestra vida. La manera en que nos conectamos e intercambiamos tomó un nuevo camino. Nos quedamos en la comodidad de nuestros hogares. Evaluamos el ritmo en el que vivimos. Nos enfocamos en lo que es esencial, lo que nos impulsa. Retomamos el libro que habíamos empezado a leer pero nunca terminamos – antes no teníamos tiempo. Nos reconectamos con nuestro bienestar y nos concentramos en lo que nos alivia, comida, películas, y arte.
MASSIVart se trata de crear experiencias únicas centradas en el ser humano para disfrutar, conectar e inspirar a través del arte. Pensamos en preguntarle a nuestro increíble equipo sobre lo que más los ayuda a relajarse, inspirarse, confortar su corazón y sentir esperanza de que esto pronto también pasará.
¡Disfruta la segunda parte de esta serie!
Objeto con el que no puede vivir: Su taza de café por la mañana
Libro: Beauty de Dave Beech
Artista a descubrir: Allison Schulnik
Su canción: Lisa LeBlanc – J’pas un cowboy
Comida o bebida: Lasagna y una buena copa de vino tinto
Objeto con el que no puede vivir: Una dona para el cabello
Libro: Near to the Wild Heart de Clarice Lispector
Artista a descubrir: Laurena Finéus & Othiana Roffiel / Elliott Routledge
Su canción: Hypnotize de Notorious B.I.G., Money Trees de Kendrick Lamar, Open de Rhye
Comida o bebida: Tacos de pastor con boing de guayaba o pizza y cerveza
Objeto con el que no puede vivir: 📸 Cámaras fotográficas. Se limita a tener 3 por el momento, cada una con un rollo para diferentes ocasiones y climas
Libro: la revista MILK
Artista a descubrir: Sabrina Ratté
Su canción: New Error – Moderat
Comida o bebida: 🍜 Ramen picante con huevo // 🍹 Moscow mule
Objeto con el que no puede vivir: Su moto, es su objeto más preciado. Es una Norco de 1970 que le regaló su padre
Libro: La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica de Walter Benjamin
Artista a descubrir: Evan Penny or David Altmejd
Su canción: Heavy, California – Jungle
Comida o bebida: Pizza hecha en casa y Bourbon con cidra de manzana
Con la llegada de la pandemia hemos repensado nuestra vida. La manera en que nos conectamos e intercambiamos tomó un nuevo camino. Nos quedamos en la comodidad de nuestros hogares. Evaluamos el ritmo en el que vivimos. Nos enfocamos en lo que es esencial, lo que nos impulsa. Retomamos el libro que habíamos empezado a leer pero nunca terminamos – antes no teníamos tiempo. Nos reconectamos con nuestro bienestar y nos concentramos en lo que nos alivia, comida, películas, y arte.
MASSIVart se trata de crear experiencias únicas centradas en el ser humano para disfrutar, conectar e inspirar a través del arte. Pensamos en preguntarle a nuestro increíble equipo sobre lo que más los ayuda a relajarse, inspirarse, confortar su corazón y sentir esperanza de que esto pronto también pasará.
¡Disfruta esta primera parte de la serie!
Objeto con el que no puedes vivir: Mi bicicleta
Libro: La tetralogía “The Sea of Fertility” de Yukio Mishima
Artista a descubrir: Kim Dorland
Tu canción: Summer by Celeste
Comida o bebida: Impasto 🙂
Objeto con el que no puedes vivir: mi antifaz Lunya
Libro: Culture Crash de Scott Timberg o la trilogía sobre arte de Don Thompson
Artista a descubrir: Laurena Finéus & Katherine Takpannie
Tu canción: Free de Rudimental con Emeli Sandé o Luscious Life de Patrick Watson
Comfort food / drink: Dirty Chai Tea o un Dirty Martini
Objeto con el que no puedes vivir: Mi bata de fin de semana
Libro: Azteca by Gary Jennings
Artista a descubrir: Rajni Perera
Tu canción: Out of time men de Mick Harvey
Comida o bebida: Matcha latte
Objeto con el que no puedes vivir: taza de café reutilizable
Libro: Into the wild de Jon Krakauer
Artista a descubrir: Rocca Luis Cesar
Tu canción: Red Eyes – The War on Drugs
Comida o bebida: cerveza con Clamato
Objeto con el que no puedes vivir: Mi MAC
Libro: The Fountainhead de Ayn Rand
Artista a descubrir: Damian Ortega
Tu canción: Opening de Philip Glass y I’d love to change the world de Ten Years After
Comida o bebida: Spaghetti carbonara y un dry, shaken martini
Director de cine (*añadido en rebeldía): Peter Greenaway, Woody Allen y Martin Scorsese
Platicamos con la artista mexicana Ale Ballesteros para adentrarnos a su mundo interior y conocer más sobre las inspiraciones y motivaciones detrás de su trabajo.
Ale Ballesteros es una artista mexicana de 28 años. Es diseñadora de profesión pero la vida la llevó a dedicarse a la ilustración. Le encanta la playa, hablar sin parar y la pizza con piña. Durante su carrera ha colaborado con diversas marcas como Google Allo, Snapchat, Travel Leisure, Shondaland, Bonafont, Nike, WeWork y Gaia, entre otras.
Su trabajo se caracteriza por el uso de colores vivos, formas simples y orgánicas, composiciones dinámicas, y temas tropicales con toques de empoderamiento femenino. Para ella ilustrar es una forma de materializar su mundo interior:
Ale nació en la Ciudad de México pero a los 6 años se trasladó a Cancún, donde creció y vivió la mayor parte de su vida. Haber crecido rodeada de cálidos y ricos paisajes naturales ha tenido una gran influencia en el trabajo de la artista, quien plasma mundos de potente colorido y trazos fluidos.
Ale también encuentra inspiración en el arte prehispánico por sus formas orgánicas y por el simbolismo detrás de ellas. Este arte además muestra un fuerte vínculo con el mundo natural, lo que resuena en el trabajo de Ale.
Otra gran inspiración para la artista es la obra del francés Henri Matisse. Ale logra traer el sorpresivo uso de color y la fluidez de las líneas características de Matisse a un contexto latino y contemporáneo.
Como muchos otros emprendedores, empezamos esta nueva actividad con una visión, confianza y mucha convicción. Si nos hubieran alertado de que una pandemia iba a arrasar con más de un negocio, nuevos o establecidos, tal vez no hubiéramos empezado… Pero en medio de una crisis pandémica, MASSIVart México ha sido capaz de crecer y probar que el arte y los negocios tienen una propuesta de valor explosiva y cómo juntos pueden mejorar la experiencia de usuario.
Un año después de operaciones, MASSIVart sigue aquí y en excelente forma. “Esto ha sido posible gracias a la determinación del equipo, a no esperar a “que todo pase”, siendo resilientes, no dándonos por vencidos a pesar de la enorme crisis y siendo proactivos; explicando a todos los que quisieran escuchar que el arte, la cultura y la tecnología tienen su lugar en medio de esta crisis. ¡Porque el arte puede ayudar en muchos contextos! El arte calma, entretiene, transmite mensajes estratégicos, vende ideas y puede incluso reforzar el posicionamiento de marca y valores de una compañía de una manera única y efectiva”, comentó Alejandro Cardoso CEO global de la empresa.
“Estamos aquí, firmes, un año después, muy orgullosos de poder decir que MASSIVart México ha sido capaz de atraer no sólo clientes extraordinarios sino también talentos sobresalientes. Porque sin estos últimos, no podríamos haber desarrollado tan excitantes colaboraciones artísticas” dijo Philippe Demers.
En el origen de esta nueva agencia están los socios Philippe Demers y Alejandro Cardoso. Alejandro, anterior Presidente Ejecutivo de Grupo Publicis LATAM, quien ha sido nombrado como el CEO Global y Socio directivo de MASSIVart Latinoamérica. Con casi 30 años de experiencia, Cardoso es considerado una de las personalidades más influyentes del marketing y la publicidad en América Latina.
“Phil Demers, ahora basado en México y fundador de MASSIVart Canadá, ha actuado como Director Creativo Global en MASSIVart, trayendo al mercado mexicano un invaluable entendimiento y experiencia en la escena del arte, un vertiginoso ritmo de trabajo y un apasionado espíritu que empleados y clientes aprecian por igual”, comentó Alejandro.
En palabras de Phil nos describe sus emociones sobre el estar en México: “Nunca me hubiera imaginado esta increíble energía creativa de los mexicanos. Es para mí uno de los países más impulsados por el arte en el mundo. La apreciación y la diversidad del arte y la cultura aquí son impresionantes. Este vibrante país no deja de seducirme día con día”, agregó Phil Demers.
MASSIVart diseña y produce experiencias impulsadas por el arte, incorporando estratégicamente a cualquier espacio arquitectónico (público o privado), arte contemporáneo y programas culturales para mejorar la experiencia y el recorrido del cliente, bien sean huéspedes de un hotel, invitados a un evento, residentes de un desarrollo inmobiliario, consumidores / shoppers que visitan centros comerciales y tiendas, o visitantes de museos y espacios públicos.
Liderando la operación en México se encuentra Estefania Cardoso, quien gracias a 12 meses de extraordinario desempeño en manejo de clientes y talento interno ha sido promovida a Gerente General de la empresa. “Con Estefania al frente de la operación, clientes y colaboradores pueden sentirse seguros de tener una líder talentosa, comprometida y dedicada a sus proyectos. Su promoción es un justo reconocimiento al extraordinario trabajo que ha hecho en este año”, apuntaron Phil y Alejandro.
Encabezando finanzas y el área legal, se encuentra Maxim Ceré-Marcoux, CPA, como CFO Global, quien trae al equipo varios años de experiencia trabajando para firmas de contaduría y finanzas en Canadá y los Estados Unidos. Su participación es un claro indicativo de la dedicación administrativa del éxito a largo plazo de MASSIVart en México e internacionalmente.
MASSIVart también ha podido atraer jóvenes talentos como Jimena López, coordinadora creativa y curadora de arte en MASSIVart México, quien tiene una rica experiencia en la escena del arte contemporáneo mexicano, con más de 40 exposiciones gestionadas bajo su brazo. También, Emmanuel Asperó, recientemente designado Gerente de Proyectos en el área de producción, con varios años de experiencia y éxitos en el área de producción se integra proveniente de Cocolab.
“Este talento humano y la confianza de nuestros clientes, ha permitido a MASSIVart México permanecer aquí de manera exitosa después de este primer año, y haber empezado proyectos prometedores que tendrán alcance internacional y que –para algunos– incluso transformarán a México en un lugar distintivo en la escena de arte internacional. Queremos agradecer a los clientes que han aceptado nuestra propuesta de valor y que han puesto toda su confianza en nosotros”, dijo Estefania Cardoso.
“Jump Start Summer!” fue una llamada a los montrealenses para apoyar los restaurantes, tiendas, hoteles, artistas y creadores de su ciudad. ¿Cómo? Al salir, explorar, apoyar negocios locales, y tomar una mini-vacación en su propia ciudad.
MASSIVart actuó como consultor artístico y manejó la producción de 7 instalaciones de arte público. Puntos de descanso cuidadosamente arreglados por artistas , diseñadores o estudios creativos montrealenses para re-descubrir ubicaciones icónicas en el centro de la ciudad.
Entre ellos, Judith Portier, con quien colaboramos para la instalación “Todo estará bien” y a quien le queremos dar este espacio. Judith tuvo carta blanca para expresarse en cómo los proyectos de arte público son de ayuda, sobre todo en el contexto actual. Ella también nos contó más acerca deñ proceso artístico que llevó a la creación de la instalación con la que colaboramos.
Soy un ser humano apasionado, una emprendedora y diseñadora de Montreal. Soy la fundadora de Design Par Judith Portier inc. (DPJP), un estudio orientado al diseño de eventos. Es decir, la creación de espacios con vocación temporal para las necesidades de exhibición, comunicación, reuniones culturales; en breve, de contacto con los visitantes.
Aprovechando mi experiencia en planeación y diseño de numerosos festivales, gestionar el espacio y las interacciones entre los usuarios ha sido el corazón de mi trabajo. Me ha llevado a producir eventos en todos los contextos, en interiores y exteriores, en todas las temporadas, en espacios públicos y privados. He logrado sobresalir gracias a mi posición multidisciplinaria. Nunca he dudado de rodearme de personas que aceptan retos.
Retos en numerosos espacios públicos. Estos espacios por lo general no son supervisados y están sujetos al mal clima. Asimismo, tienes que cuidadosamente seleccionar cómo montar para dejar todo intacto después de la intervención temporal, la que además tiene que ser sólida. En el exterior, especialmente en la ciudad, competimos con un ambiente denso visual y sonoramente.
Estas limitantes siempre han motivado retos creativos. Es por eso que fundé mi estudio, cuyo acercamiento está basado en el estudio de las características de un lugar para resaltar sus fortalezas a través de intervenciones escenográficas que crean nuevos mundos. DPJP trabaja en museos y ciudades desarrollando líneas de interpretación, instalaciones, señalética, e instalaciones de arte que sobresalen por su colorida integración con el espacio.
Este verano, nuestra industria fue profundamente sacudida por la pandemia, y nuestro trabajo fue impactado fuertemente. Ha habido cambios significativos en el ritmo de la industria del diseño. Por lo tanto, tomé esta oportunidad para colaborar con MASSIvart para un proyecto para Quartier des Spectacles Partnership. Consistió en colocar diversas instalaciones artísticas para crear una escenografía robusta y atractiva inspirada en la identidad cultural de Montreal, la Ciudad del Diseño según la UNESCO. La idea fue resaltar el espacio para revelarlo y mejorarlo. Escogiendo intervenir los árboles, quisimos hacer un tributo al lugar y transformarlo en un bosque encantado donde caminar resulta placentero, incluso sin compañía.
Quisimos concentrarnos en el interior del parque escogiendo árboles en el centro en lugar de la periferia para promover intimidad y calma en el corazón de la urbe. La selección de colores vibrantes y saturados es en continuidad con la colorida fachada del Palacio de Congreso. Fue una decisión armonizar con este para promover una atmósfera tranquila y evitar chocar con el ambiente. Nombrada “Todo estará bien”, el proyecto es un reflejo de nuestra mentalidad positiva. Una forma de alejarse de lo que no podemos controlar; eligiendo esperar por un mejor clima en un lugar reluciente, escapando del miedo que paraliza nuestra mente.
Un lugar nuevo y diferente a donde quieran regresar, siempre le da chispa al vecindario. Un proyecto que nos guste ver otra vez siempre tiene un efecto positivo, aún cuando lo hayamos visto mil veces. Esta pequeña pausa fue bien recibida por las personas con las que hablamos cuando estuvimos en el lugar. Según ellos, logramos crear un refugio en un parque que antes era percibido como frío por su ubicación.
Se animó con elementos discretos pero bien presentados. Para la señora que viene a leer, la persona que camina con sus perros, para Enzo –un conocido vagabundo–, hasta el trabajador encargado del mantenimiento que hace sus rondas varias veces al día, el hombre en traje que tiene el hábito de cruzar la calle para tomar café, todos sintieron un profundo sentido de pertenencia con el parque, gracias al arte que, por unos meses, lo hizo especial.
En el contexto del COVID-19, la cultura del arte no planificada en la ciudad se opone a un lugar como un festival donde uno puede esperar una transformación del ambiente. Es por eso que siempre provoca sorpresa entre los transeúntes. ¡Este momento puede ser muy positivo en el trayecto de una persona! Es por eso que es importante usar nuestra visión y habilidades para traer un poco de felicidad a la ciudad, aún más en el contexto actual.
Como nosotros, casi, hacemos todo nosotros mismos y siempre terminado en el lugar de la instalación, hemos formado un ejército afectuosamente llamado #amigosdeldiseño (#fillesdedesign). Con el tiempo, se ha convertido en nuestra comunidad pero también nuestro nombre con el que hablamos en las redes sociales. Fue muy bueno alejarnos del trabajo en línea para crear esta instalación.
Este verano, tuvimos la suerte de entregar el proyecto «Bleu Tomate”. Gracias a una convocatoria de la Oficina de Diseño de la ciudad de Montreal, la cual calificó a más de 70 firmas en este territorio para crear un laboratorio de diseño innovador en respuesta al COVID-19. Fuimos capaces de poner en buen uso nuestro conocimiento de diseño temporal y modular, desarrollo sustentable y creación de interacción humanas para repensar estos espacios transitorios para mejorar algunas calles de la ciudad. Desarrollamos un proyecto funcional y divertido que cumplió con las necesidades de los usuarios, mientras se convirtió en un punto de referencia en el paisaje urbano.
Asumimos el reto de mejorar las condiciones de un lugar que es cercano a nuestros corazones, al estar a unos pasos de nuestro estudio en nuestra colonia residencial. El Mercado Solidario (The Marché Solidaire), ya presente en la calle, atrae a muchos visitantes cada semana. Los residentes de la comunidad están buscando maneras de disfrutar del buen clima respetando las reglas de distanciamiento social.
Judith Portier
MASSIVart colaboró recientemente con Laurence Philomène para una instalación escultórica única que ayudó a crear sentido de comunidad a través de los barrios de Montreal con la inclusión de componentes digitales e interactivos. De esta idea nació el proyecto «The Essentials» para circuitos de transportación seguros y activos en la ciudad de Montreal.
Inspirado por el objetivo de crear conexión creativa, «The Essentials» fue una instalación de ocho esculturas interactivas ligadas a una serie de retratos fotográficos celebrando a 8 trabajadores esenciales.
La naturaleza colorida y juguetona de la instalación invitó al público a interactuar con la pieza y descubrir los retratos y la historia de cada trabajador a través de códigos QR y una plataforma en línea diseñada especialmente para el proyecto.
Al exhibir artísticamente la diversidad del vecindario y la gente que vive ahí, esta celebración de los trabajadores esenciales también actúo como mitigante del miedo que se vive en el contexto de la pandemia de COVID. Los retratos también exploran la premisa de quién es un trabajador esencial y nos hacen reflexionar en los diversos y cruciales roles que jugamos en nuestra comunidad.
Para Laurence Philomène, este proyecto ha sido una manera de contribuir su gratitud y celebrar al barrio de Villeray-Saint-Michel-Parc-Extension – un lugar al que Laurence llama hogar. A través de esta pieza, Laurence desea agradecer y elevar a estos personajes que le dan autenticidad a la clase trabajadora.
Para MASSIVart, es una oportunidad esencial para hacer el arte más presente y accesible mientras se apoya a artistas que crean conversaciones críticas a través de sus imágenes. El proyecto permitió que la misión y valores de MASSIVart confluyan a través de una contribución de su extenso conocimiento en crear experiencias artísticas memorables, propulsadas por la comunidad.
¿Qué es lo que amas de tu trabajo?
Amo poder crear el mundo en el que quisiera vivir. Amo compartir la belleza que veo en todo. Y amo usar la fotografía como vehículo para conocer y conectar con la gente, y crear imágenes que hagan a las personas felices en sus propios cuerpos.
¿Cómo ha afectado la pandemia el significado de tu trabajo?
Antes de la pandemia, estaba haciendo muchas sesiones en estudio, las que tuve que frenar casi por completo. Ha sido una buena excusa para hacer más retratos al aire libre como lo hice para este proyecto. Además de eso, la manera en que exhibo mi trabajo ha cambiado también, con proyectos al exterior como este y galerías en línea.
Mi trabajo personal es mayormente autobiográfico / autorretrato así que ese aspecto de mi práctica no ha cambiado mucho, y me ha dado una oportunidad para profundizar más en realizar trabajos sobre rutinas, lo doméstico y lo mundano.
¿Dónde encuentras comunidad?
Yo encuentro comunidad mayormente en línea. Crecí con una enfermedad crónica lo que significa que pasé mucho tiempo dentro / solo, y encontré una comunidad de fotógrafos jóvenes y queer con la que conecté en su momento y me ha traído hasta lo que soy hoy. Igualmente, la mayoría de mis amigos cercanos y colaboradores son gente que conocí compartiendo mi trabajo en línea, sobretodo en Instagram.
¿Para ti que significa la palabra esencial?
En el contexto de la pandemia, esencial significa reconocer nuestra interdependencia como humanos en una comunidad, y respetar el valor de las necesidades y habilidad de cada uno sin importar quienes son.
¿Cómo fue el proceso creativo y de colaboración con MASSIVart?
¡Se dio demasiado bien! Fue muy bueno tener un equipo motivándome para realizar el proyecto y permanecer enfocado ya que el tiempo de trabajo fue algo limitado. Fue muy bueno tener a MASSIVart coordinando la fabricación e instalación de las esculturas. Sentí que realmente alentaron y confiaron en mi aportación en casa paso del proyecto y espero que podamos trabajar juntos de nuevo.
¿Algo más que te gustaría agregar?
No olviden agregar un poco de color en sus vidas para atravesar los días grises por venir.
Más sobre el artista
Laurence Philomène es un fotógrafo basado en Montreal, Canadá. Laurence crea obras coloridas centradas en experiencias queer y trans, por lo general con extensos proyectos autobiográficos. El trabajo de Laurence se informa por las experiencias vividas como una enfermedad crónica, un artista no-binario transgénero creciendo en el contexto del apogeo de las redes sociales. A través de imágenes altamente saturadas, cinemáticas y cuidadas, su trabajo celebra existencias marginalizadas, y estudia la identidad como un espacio en constante fluctuación. Laurence busca trabajar en colaboración con cada persona que captura – creando retratos sorprendentes e íntimos que celebran la belleza en cada ser humano. Inmediatamente reconocible por su característico uso de color e iluminación, las fotografías de Laurence actúan como cartas de amor para su comunidad.
Proyecto financiado por el Acuerdo de Desarrollo Cultural de Montreal y el Acuerdo Reflejo de Montreal entre la ciudad de Montreal y el Gobierno de Quebec.
MASSIVart ha sido campeón de las artes que trascienden a las instituciones tradicionales por más de 11 años. El arte es poderoso. El arte puede involucrarse en conversaciones difíciles. El arte crea conexiones emocionales que unen a la gente. Estamos convencidos de que esas experiencias deberían ser vividas, revisitadas y compartidas. Mientras nosotros siempre hemos tenido argumentos nobles para justificar nuestra declaración, este nuevo estudio viene de un socio acreditado y avalado por los líderes de la industria y nos dará una herramienta innegable de que el placemaking con arte es un valor agregado valioso y tangible para proyectos privados y públicos.
De arte público, disposición creativa de asientos, monumentos, programas culturales, paisajismo y arquitectura, nuestro alrededor impactan nuestra salud. Mientras esto ha sido una creencia general, este estudio contribuirá a la producción de conocimiento y compilación de data tangible para medir el retorno de inversión del arte en el placemaking.
Nuestros años en el negocio nos han comprobado a nosotros y nuestros clientes que el arte en el placemaking es benéfico para incrementar el tráfico, transformar espacios, y mejorar eventos al crear experiencias memorables. Programas culturales y la inclusión del arte en la arquitectura, desarrollos inmobiliarios, diseño, y otras áreas alternativas puede transformar el sentido de comunidad y pertenencia y contribuir al bienestar colectivo. El arte representa el carácter de un lugar, su valor, su cultura, su identidad y su historia.
El marco de este estudio nos dará un muy necesitado análisis cuantitativo de un beneficio que sabíamos pero no habíamos podido medir hasta ahora.
Hemos iniciado este estudio con otros líderes del medio con experiencia, desarrollo inmobiliario – The Daniels Corporation, diseño – Entro, y arquitectura – Lemay. Este estudio fue piloteado por el profesor de Industrias Creativas de la Universidad de Ryerson en Toronto Louis-Etienne Dubois y su equipo. Como él menciona, «juntas, estas métricas generarán un tablero original que los interesados pueden usar para discutir, evaluar y comunicar el valor económico, social y estético del placemaking en la planeación y evaluación de proyectos.»
En MASSIVart creemos que los espacios creativos, los programas culturales y el placemaking pueden crear un retorno de inversión tangible para las marcas porque logran unir a la gente y crear lazos más fuertes.
Conoce más de la metodología y nuestros socios.
Estamos esperando los resultados para el segundo cuarto del 2021. Estos resultados nos darán más información para promover y crear más experiencias impulsadas por el arte. Además, esto cumplirá parte de la misión de MASSIVart: apoyar la comunidad artística y crear arte accesible para todos en todas partes.
El Hotel W de Montreal recientemente finalizó una gran renovación en la cual Sid Lee Architecture y MASSIVart contribuyeron con el diseño interior y la integración de obras de arte.
En colaboración con la Asociación Hotelera de Montreal, MASSIVart participó en un panel de discusión debatiendo sobre cómo el arte permite a las marcas abrirse paso en una industria que está en constante evolución.
Los socios clave del proyecto discutieron su visión y detallaron los procesos que llevaron al diseño final de esta inigualable ubicación.
Panel:
Christina Poon, Gerente General, W Montreal
Camille Jodoin-Eng, Artista
Martin Leblanc, Socio Principal, Sid Lee Architecture
Philippe Demers, Socio Fundador, MASSIVart
El proyecto de renovación inició hace 4 años poniendo especial empeño en desarrollar una solución de diseño contemporáneo que permaneciera vigente a las tendencias actuales y, al mismo tiempo, estuviera siempre un paso adelante. Este pensamiento vanguardista se ha convertido en el distintivo del W. Incluso hace 15 años, cuando el W Montreal recién abrió sus puertas, estuvo años adelantado a su tiempo tanto para Montreal y Canadá, por lo que fue crucial que la renovación siguiera estableciendo este ilustre posicionamiento de marca.
En Nueva York y Montreal, se llevaron a cabo discusiones y talleres creativos entre los equipos de Sid Lee Architecture, Ivanhoe Cambridge y el W para definir la marca del “W Montreal” para los próximos 10 años, y qué es lo que se necesitaba para lograrlo. “Así fue como desarrollamos este excepcional producto” dice Christina Poon.
Lo que le permitió al equipo de Sid Lee Architecture crear una solución tan coherente fue guiado por el carácter particular del W, que posee un posicionamiento premium al frente de la industria hotelera. Al ser su relación con Montreal auténtica y significativa, el W tiene un sentido más local, más estilo boutique que de un hotel de una gran cadena internacional. “Fue por eso que trabajamos en este proyecto –para darle un carácter único. Hubo un primer periodo de escuchar activamente y luego pasamos a un intercambio de propuestas” comentó Martin Leblanc.
La fuerte narrativa del W fue el principal aspecto que se tomó en consideración. Hay una relación auténtica entre los miembros y los huéspedes del hotel, siendo ésta la razón por la que el equipo de arquitectos trabajara intensamente en conectar los puntos entre estos dos grupos, encontrando historias con temáticas más allá de la superficie, todo narrado a través de arte cuidadosamente curado.
“Siempre ha sido importante para mí integrar arte en nuestros proyectos –especialmente fuera de las galerías y museos. Los hoteles son un excelente lienzo para el arte. Si no esperas obras de arte, tienes una relación más cruda con éste, y eso es lo que estoy buscando.” dijo Martin Leblanc.
Desde la perspectiva de la artista Camille Jodoin-Eng, el arte dentro de un espacio conecta a una comunidad local con la comunidad global. Éste también resalta el espíritu e historia de una ciudad. Es una colaboración de beneficio mutuo: los artistas ayudan al hotel a comunicar visual y estéticamente su identidad, y también a expresar los valores de la compañía. En cambio, los artistas son apoyados y cuentan con una plataforma pública para su voz visual. También mejora la calidad de vida de todos en ese espacio, desde huéspedes a empleados.
Christina Poon también ve al arte como un catalizador de conversación: “rompe el hielo y rápidamente mejora el sentido de llegada. Los huéspedes están registrándose y mencionan que están llegando a un lugar que los hace sentir bien. Hay algo que los hace sentir felices aquí, mientras que la identidad del W Montreal se afirma como atrevido, vanguardista y colorido.”
Según Martin Leblanc, “La clave es conocer su importancia y contemplar su inclusión desde el principio del proyecto, cuando todavía se está pensando cómo abordarlo. De la misma manera que sabemos que necesitaremos un bar, [la inclusión del arte] debe ser obvio, ni siquiera debe cuestionarse. Incluso cuando después se cuestione si será un bar pequeño o grande, el espacio para el bar fue considerado desde el mandato original. De la misma manera, cuando el arte se convierte en elemento esencial en lugar de un gasto, el acercamiento es diferente.” Para Martin, el arte debe integrarse con la arquitectura, no ser sólo una pintura sobre el muro.
Desde el punto de vista de Christina Poon está bien empezar de a poco –la integración de arte puede no hacerse todo en un solo turno, se puede introducir poco a poco. No tiene que ser una renovación completa para lograrse. Aún cuando no se pueda calcular el retorno de inversión exacto de la integración de arte, Christina Poon asegura que
Es importante para la comunidad artística tener comisiones como esta. Camille Jodoin-Eng nos comentó que es importante para los artistas ser expuestos en un hotel para alcanzar una audiencia más allá de la de las galerías y museos. También mencionó que “en el caso de comisiones privadas, no tienes que pensar en si la pieza es un elemento vendible, simplemente te puedes concentrar en tus ideas y en crear en lugar de la rentabilidad de tu trabajo.”
Sobre la pregunta de trabajar con artistas locales o internacionales, todos acordamos en el hecho de que el objetivo es apoyar a los artistas locales. Pero Martin Leblanc menciona, “también pienso que una manera de ayudar a los artistas locales es mezclarlos con talentos internacionales para alcanzar una audiencia aún mayor.”
El reto siempre recaerá en cómo conectar mejor los mundos de negocios y arte, y cómo encontrar el equilibrio entre ellos. Deben cumplirse objetivos comerciales y artísticos, y para lograrlo es fundamental que se trate de un esfuerzo colaborativo.
Lanzado en el 2019, el ranking editorial de las mejores empresas emergentes de Canadá busca celebrar los logros de emprendimiento en Canadá al identificar y amplificar el éxito de negocios independientes. En total, 400 empresas se ganaron un puesto en el ranking de este año.
La lista completa de los ganadores del 2020, acompañado de una cobertura editorial, está publicada en el ejemplar de octubre de la revista Reporte de Negocios –ya a la venta–y en línea en tgam.ca/TopGrowing.
“Las historias de las mejores empresas emergentes de Canadá merecen ser contadas en cualquier momento, pero son especialmente relevantes en el surgimiento de la pandemia de COVID-19 pandemic,” dice James Cowan, Editor de la revista Reporte de Negocios. “Mientras los negocios trabajan por reconstruir la economía, su resiliencia e innovación hace esta lectura esencial.”
¡Un honor para nuestro equipo!
Los reconocidos premios, CODAawards, celebran los proyectos que mejor han integrado arte comisionado en espacios interiores, arquitectónicos o públicos. El programa de los CODAawards homenajea a individuos y equipos cuya imaginación colectiva crea los espacios públicos y privados que nos inspiran día a día.
Los premios recientemente anunciaron a los ganadores de su octava competencia anual. Evaluando 465 proyectos de 25 países – Estados Unidos, Canadá, Brasil, México, Australia, y China, entre otros – con un panel de 18 jurados del mundo del diseño y arte, incluyendo al director creativo de Gensler, John Bricker; Jennifer Kolstad, presidenta de la Sociedad Americana de Diseñadores de Interiores y directora de diseño global de Ford Motor Company; y la presidenta de la Escuela de Diseño de Rhode Island Rosanne Somerson.
Fueron seleccionadas instalaciones en 11 categorías, incluyendo hospitalidad, salud, educación y transporte. Los mejores 100 proyectos elegidos por el jurado se exhibieron en línea, donde se invitó al público a votar por sus tres favoritos.
El miembro del jurado Audrey Koehn, Líder Global de Interiorismo en Grupo DLR, comentó del premiado proyecto concebido y producido por MASSIVart: «La suite presentó una impecable integración de elementos creativos e interactivos de arte que preservaron la historia en una manera inmersiva y experiencial, haciendo sobresalir al proyecto.”
Descubre la historia completa de este proyecto
Maxim se graduó con honores en la John Molson School of Business de la Universidad de Concordia y posteriormente obtuvo su designación como contador público en el Canadá y los Estados Unidos, además de varios honores. La clave de su éxito radica en la determinación y el profesionalismo que aplica a cada nuevo desafío que emprende. Un enfoque que seguirá influyendo en su carrera en los años venideros.
Desde sus primeros días en el mundo de la contabilidad y las finanzas, el rigor de Maxim le permitió aceptar un puesto en la renombrada firma Deloitte. Dos años más tarde, será impulsado a la ciudad de San Francisco donde trabajará para BPM como Gerente de Auditoría. Con el paso de los años, ha adquirido habilidades y conocimientos que le permitirán trabajar con empresas de todos los tamaños, que operan en diferentes sectores y con diversas oportunidades y objetivos.
Es en 2019 que Maxim regresará a la ciudad de Montreal, donde llega con un pesado arsenal de conocimientos a MASSIVart. Un fuerte interés y fascinación por el arte lleva a nuestro director financiero a aplicar su experiencia para guiar a la empresa hacia un crecimiento saludable y para aprovechar las oportunidades que surjan. Como resultado, contribuye a su manera a impulsar el arte y la cultura a nuevas alturas.
Al estar celebrando un año en mi nueva posición en MASSIVart, aprovecho la oportunidad para compartir algunas ideas sobre cómo las finanzas y el arte, de la manera más amplia en que éstas pueden ser contempladas, son usualmente consideradas como polos opuestos del espectro, cuando siquiera se les llega a considerar dentro del mismo espectro.
Una es pensada como la búsqueda de riqueza y ganancia, mientras la otra como medio de potenciar la creatividad como forma de expresión personal, un agente embellecedor y, hasta cierto punto, un lujo exclusivo de aquellos sobresaliendo en la primera.
Las finanzas, en su sentido más amplio, se centran en última instancia en aumentar el valor mediante, entre otros medios, la búsqueda de eficiencias, la reducción de costos y la eliminación de limitaciones de recursos. Por otro lado, el arte, y por extensión la cultura y la creatividad, sin duda contribuyen a la creación de valor al diferenciar significativamente el posicionamiento y las comunicaciones, resultando en un fuerte sentimiento de adhesión del cliente y alineando los intereses de los diferentes grupos de interés.
Dado que la producción de uno es cuantificable más fácilmente, tiende a asociarse con una mayor creación de valor, mientras que la otra, debido a la diferente naturaleza de su producción, se considera más superficial en su contribución a la creación de valor y, como resultado, tiende a ser considerado como una inversión menos necesaria o urgente.
Sin embargo, yo argumentaría que ahora más que nunca, incluso en un contexto de reducción financiera en los gustos que nunca había presenciado antes, la combinación de ambas consideraciones financieras y la voluntad de integrar iniciativas creativas y artísticas será necesaria, para la mayoría de los jugadores, para poder imaginar un retorno a la estabilidad financiera, éxito y crecimiento y contribuirán en la definición de nuevas comunicaciones y posicionamiento estratégico en un ambiente altamente saturado.
Encima del equipo calificado, altamente motivado y con amplia experiencia, así como la impresionante trayectoria de la compañía, el principal aspecto que me hizo querer formar parte de MASSIVart fue la sencilla premisa de que no hay razón por la que arte, cultura, creatividad y negocios financieros no puedan ser considerados como una sóla manera de abordar los retos modernos, altamente complejos y rápidamente cambiantes de los diversos jugadores económicos.
Las exposiciones virtuales ya son una realidad; y esto no se debe únicamente al hecho de que museos y galerías alrededor del mundo tuvieron que cerrar sus puertas debido a la pandemia, sino a los cambios en la forma en que la gente consume cultura como resultado directo de los avances tecnológicos de los últimos años.
Desde la década pasada, museos y galerías ya se enfrentaban a un decremento considerable en el número de visitantes diarios, no sólo viendo amenazada su sustentabilidad económica sino también el propósito primario de su existencia, acercar el arte a la gente. Uno de los factores que llevó a esta baja de asistencia es el predominio de las redes sociales, ya que éstas han modificado por completo la forma en que se consume arte y cultura. La tendencia hasta entonces había sido colocar al discurso, o concepto, como elemento central de la exhibición; pero ahora se le ha cedido el protagonismo a la experiencia y al arte “instagrameable” -siendo esto una tendencia en el comportamiento del consumidor en todos los aspectos y no sólo en el arte y la cultura. Encontramos algunos ejemplos como el museo inmersivo TeamLab Borderless o la retrospectiva de Magritte presentada en el SFMoMA en el 2018, la cual incluía instalaciones interactivas al final de la exposición con el objetivo de ofrecer un “selfie moment”.
Anteriormente el público dependía de los museos y galerías para descubrir nuevos artistas y conocer sobre su trabajo. Ahora, la gente tiene acceso directo a ello gracias a las redes sociales. La gente puede platicar con los artistas e, incluso, adquirir su obra sin una galería de por medio. En términos curatoriales y de marketing, museos y galerías llevaban años debatiéndose entre conservar sus estrategias tradicionales o explorar nuevos caminos.
El brote de COVID-19 y la subsecuente pandemia forzó a las instituciones culturales a cerrar sus puertas. Este hecho hizo más evidentes las deficiencias del sistema del arte. Ante el confinamiento, numerosos museos y galerías recurrieron a los recorridos virtuales -experiencia digital de una exposición montada en un lugar físico- pero, con la prolongación del aislamiento social e implementación de medidas sanitarias, los esfuerzos deberán apuntar a desarrollar exposiciones exclusivamente virtuales.
Las exhibiciones virtuales han sido implementadas por las galerías desde el 2015 como una herramienta para fortalecer las ventas –siendo la galería David Zwirner una de las pioneras–, pero en un mundo post-COVID, este formato también se está utilizando para mantener el libre acceso al arte. Siendo esto –la libre accesibilidad– uno de los pilares del internet, las exposiciones virtuales sin duda son un paso más hacia la democratización del arte.
Muchos en el mundo del arte dirán que la experiencia en línea no podrá reemplazar al encuentro con una pintura o escultura en persona, pero la realidad es que tanto como coleccionistas como espectadores están cada vez más cómodos con este formato. Para las galerías, las exposiciones virtuales, además de contribuir a las ventas, representan llegar a una audiencia global. Para los espectadores, significan la oportunidad acceder y explorar arte desde cualquier lugar del mundo. En términos curatoriales, esta desaparición de barreras espaciales permitiría que una misma exposición ocurra simultáneamente en todo el mundo, dándole la oportunidad a un mayor número de artistas de difundir su trabajo y, al mismo tiempo, atrayendo a una audiencia más amplia. Esta tecnología podría cambiar por completo la estructura del mundo del arte.
Al poder acceder desde la comodidad de sus hogares, la gente vive una experiencia más íntima y libre con el arte. El cambio de recintos físicos a espacios virtuales, traerá la oportunidad de explorar nuevas formas de presentar el arte y otros retos emocionantes en tema de curaduría y diseño de exposiciones; incluso aún cuando regresemos a la nueva normalidad.
La actual aplicación de exposiciones en línea definitivamente tendrá un impacto en la manera en que se curarán las exposiciones en el futuro. De hecho, podríamos predecir la proliferación de modelos híbridos en los próximos años.
Después de la pandemia, numerosos museos y galerías vieron la oportunidad de extenderse a lo digital. El reto ya no es dar el salto de lo offline a lo online sino que es saber cómo hacer la experiencia de ver el arte a través de una pantalla igualmente enriquecedora.
Visitando varias exposiciones virtuales destacan tres formatos persistentes. La menos compleja es la presentación de las obras en formato plano, es decir una galería de imágenes con textos informativos, como es el caso de la valiosa plataforma de Google Arts & Culture o la galería Hauser & Wirth. En el siguiente nivel se encuentran aquellos espacios 3D que literalmente trasladan el cubo blanco al mundo digital pero conservando las obras como imágenes, como en las recientes exposiciones de la galería Casa Equis. Por último están los espacios experimentales en el que las piezas son finalmente tridimensionales pero en donde la navegación resulta confusa como las iniciativa del Centro Cultural Casa del Lago Juan José Arreola o el X Museum.
Ya sea el formato por el que se opte, lo que queda claro es que la experiencia estética está cambiando, y la materialidad de las piezas ya no es el factor principal con el que se crea un lazo o se conecta con el espectador. El problema es que estos tipos de exposición virtual, aunque representen un buen avance, aún no alcanzan a ofrecer una alternativa satisfactoria a la experiencia física.
No podemos seguir diseñando exposiciones en el mundo virtual bajo lineamientos del mundo físico. La exploración se tiene que hacer con herramientas igualmente digitales, incorporando vistas 360º de las piezas, videos, audios, e hipervínculos para crear una experiencia holística que estimule todos los sentidos, provoque curiosidad y genere mayor engagement. La finalidad del diseño y la curaduría debe ser ofrecer un nivel profundo de inmersión y participación al espectador.
El área de oportunidad se observa en estrategias en tiempo real como videos de los artistas trabajando en sus estudios, chats en línea para platicar con los artistas y curadores, e incluso desarrollar piezas no sólo interactivas sino participativas. Así, el espectador podría tomar un papel mucho más relevante en la creación artística. Esto último abre la cuestión de que también se darán cambios en los procesos creativos ya que los artistas tendrán que concebir sus piezas para que éstas sean vistas a través de un dispositivo y, deberán permitir un papel más activo por parte de los espectadores. Es emocionante pensar en las nuevas formas de arte que se desarrollarán.
Como todo, el mundo del arte tendrá que adaptarse y evolucionar rápidamente para permanecer vigente. En MASSIVart creemos que la respuesta podría estar no en desarrollar nuevas herramientas sino utilizar las que ya se tienen de manera más creativa. Artistas, organizaciones culturales, curadores y demás miembros del sector, deberán repensar el espacio digital como un espacio autónomo que ofrece una infinidad de nuevas posibilidades para crear, exponer y vender arte.
Con más de una década de experiencia en diversas posiciones dentro del sector cultural, ella entiende el poder del arte y sabe cómo aprovecharlo. Es su misión hacer el arte más accesible. Evlyne ama jugar el papel de agente intermediario; conectando la visión de los clientes con lo creativo. Su profundo entendimiento de ambos lados da como resultado proyectos cuidadosamente planeados, bien ejecutados y puntuales.
El arte, especialmente el arte público, el que se puede ver en el exterior, gratuitamente, y accesible para todos, adquirió otro significado. Mientras avanzamos hacia la nueva normalidad, reconocemos lo importante que se ha vuelto el exterior en nuestras vidas. Aquel parque, aquella calle que caminamos para ir por café simplemente para salir de nuestra casa. Queremos disfrutar de nuestro entorno; el que promueve relaciones y nos hace conectar con nuestra comunidad. Algunas esculturas han sido escudriñadas, muchas han sido derribadas de su pedestal y tendrán que ser reemplazadas. Murales han sido pintados para rendir homenaje, llamar la atención y para hacernos recordar o reflexionar sobre nuestra realidad actual.
Al estar el exterior jugando un rol central en nuestras vidas diarias, las ciudades se han vuelto a la planeación urbana. El arte público toma muchas formas: esculturas monumentales, instalación, arte de sitio específico; éste puede ser singular o ser parte de un jardín escultórico o un evento en concreto. Puede flotar en el aire, estar empotrado a un árbol, debajo de tus pies, estar a un lado de ti o invitarte a entrar. Éste transpira el valor de los artistas que crean un proyecto, la gente que lo apoya y lo comisiona. Refleja lo que la ciudad, el espacio o la compañía quiere expresar de sí mismo; que son un lugar para la creatividad, una manera de retener sus clases creativas, de conectar con su comunidad. El arte enriquece la vida. La expectativa general es que el arte público se relacione con el tiempo, refleje nuestras historias, y sea accesible a un mayor y más diverso público.
En los pasados 30 años, el arte público pasó de un movimiento de resistencia a ser mainstream; ahora se espera que los proyectos se presenten de una manera u otra. El arte, especialmente el arte público, se ha convertido y es entendido cada vez más como un elemento de valor agregado. Activa a la ciudad, a un lugar. Desde monumentos tradicionales que eran pasivos, las nuevas esculturas se convierten en receptáculos. Hablan acerca de activación y conexión, empujando más su compromiso social. Un buen ejemplo de involucrar al público en el proceso de decisión es el Proyecto del Cuarto Plinto (4th Plinth Project) en la Plaza de Trafalgar en Londres, Reino Unido. Mientras que hay un comité seleccionando a los candidatos, el público es invitado a ver los proyectos, dar comentarios y votar, y tomar un paso más en decidir qué se colocará encima de un plinto abandonado por más de 150 años.
Revitaliza, resalta, da una segunda vida y embellece espacios –pensemos en un mural debajo de un viaducto– un punto de inflexión inmediato. Mobiliario urbano surge de la noche a la mañana. De pronto, está vivo, activo. Cambia la percepción de un lugar antes pasado por alto. Ponemos atención, queremos experimentarlo, sentarnos en él, disfrutar el lugar a un nivel que no conectaríamos de otra manera.
En colaboración con Quartier des Spectacles, Palais des Congrès in Montreal, Hullmark en Toronto o MIRA en México, MASSIVart activamente trabaja desarrollando destinos vivaces, festivos, inspiradores, infusionados de arte y diseño, contribuyendo a mejorar el paisaje visual así como el espíritu del lugar. Transforma cómo experimentamos un espacio, cambiando la forma en que interactuamos, y nos da un respiro al cortar con la monotonía. Mientras el impacto cuantitativo es cada vez más difícil de medir, su impacto cualitativo demuestra ser confiable. El arte público demanda nuestra atención, atrae nuestra mirada, nos hace quitar los ojos del celular, conecta y provoca conversación.
Es un diálogo sobre el tejido social de nuestras ciudades. Los gratificantes efectos son numerosos. A nivel humano: población más feliz, traslados menos estresantes, beneficios de salud mental, reducción del índice de criminalidad. Desde la perspectiva económica, crea trabajos para artistas y otros – algunos necesitan diseñar, construir, instalar y mantener estos proyectos. Requiere materiales que cada vez más son producidos localmente. Promueve el turismo –pensemos en Prada Marfa en Marfa y cómo se ha convertido en un destino desde que Donald Judd decidió crear algunas instalaciones permanentes ahí. Crea bullicio, hace a la ciudad vibrante, promueve competencia, vive por su pensamiento innovador –los signos vitales son fuertes.
Esta es una ocasión que los propietarios y desarrolladores inmobiliarios deben aprovechar. Es parte de nuestra misión en MASSIVart trabajar con ciudades, inmobiliarias, promotores y desarrolladores para incrementar la presencia de arte en sus proyectos para que tengan mayor impacto en cómo navegamos nuestras ciudades. Con el movimiento actual de pro del comercio local, es tiempo de repensar la oferta y empujar más por el entretenimiento y bienestar en la infraestructura de la que son parte. Expandir los límites para que las compañías promuevan sus valores a través de su implicación en la vida diaria y mejorar los espacios públicos multifuncionales. MASSIVart pone al servicio de sus socios información factible gracias a sus años de experiencia en concebir destinos deseables que crean espacios inspiradores y cautivadores.
El arte público también puede transformar y reactivar edificios antiguos, cubrir errores de diseño, mitigar vistas estériles o el aspecto de los edificios. Un mural puede prevenir la reaparición de graffitis, y disminuir el vandalismo. Una nueva instalación contribuye a iniciar conversaciones, a conectar con los locales y los visitantes.
Esto lleva a pensar en programas como el Proyecto de Arte Federal que se llevó a cabo de 1935 a 1943 y el que fue parte del Nuevo Trato después de la Gran Recesión. En su núcleo están los objetivos de reconstruir la moral, crear trabajos y reducir el crimen. En tiempos como los de ahora, cuando necesitamos más que nunca movernos de la experiencia genérica a una única, cuando narrativas alternativas son necesarias, las ideas de crear un programa o invertir fondos en inspirar a la gente, en darle algún propósito mientras enriquecemos la vida diaria parece el camino que tomar.
La misión de MASSIVArt está alineada con este pensamiento; creemos firmemente en crear experiencias memorables que la gente de la comunidad quiera vivir, revisitar y compartir. Estamos orgullosos de apoyar y ofrecer nuevas posibilidades a artistas así como de dar algo a cambio y trabajar con las comunidades y socios en nuestro objetivo común de promover un ecosistema cultural local que está profundamente enraizado en ofrecer experiencias relevantes de maneras inesperadas.
Debemos esperar ver un florecimiento del arte público al estar las ciudades re-pensándose a sí mismas para reuniones pequeñas, conectar con las comunidades y visitantes regionales, y expandir sus espacios exteriores, al saber que este virus está para quedarse. Este verano demuestra el poder de permanecer juntos por lo que creemos y abogar por el cambio que queremos ver en nuestras comunidades.
Por Alejandro Cardoso – Global CEO, MASSIVart
Nosotros, en MASSIVart, recientemente hemos participado en diferentes foros y sostenido pláticas con nuestros clientes de la industria inmobiliaria y de retail. Aquí presentamos nuestra perspectiva, algunas de nuestras ideas y otras que han surgido en la industria.
El COVID-19 ya ha obligado a los centros comerciales y tiendas a implementar medidas sanitarias. Éstas permanecerán con nosotros por un tiempo y es mejor acostumbrarse a usar cubrebocas, a tener que tomarse la temperatura y desinfectarse los zapatos con soluciones cloradas para poder entrar a las tiendas.
Es tal vez momento de repensar cómo los centros comerciales funcionan. ¿Cómo pueden ser rediseñados para alinearse con el estilo de vida actual? Hay que considerar incluir áreas verdes, ambientes seguros, áreas de trabajo bien equipadas, bellas –o al menos con diseño nuclear– áreas de convivencia y comida, además de todas las tiendas. Hemos ayudado a algunos de nuestros clientes a evolucionar en esta dirección y ganar prominencia y atención que se traduce en tráfico, y crea una gran experiencia de compra, lo que es el objetivo principal de nuestros servicios.
Hablamos de todos los factores que influyen en la experiencia de compra, la que ahora incluye las medidas sanitarias ya conocidas. Servicios en línea, recoger la mercancía en tienda o envíos a domicilio, servicios in-store, “personal shopper”, diseño de escaparates, ambientación de tienda, promociones y programas culturales, como maneras de atraer y complacer a los consumidores. Cada punto de contacto, en línea o en tienda, cuenta. Cada interacción entre consumidor y retailer cuenta, sin importar lo breve que pueda ser. Los negocios deben apuntar a una experiencia SIN DEFECTOS. Eso significa, sin errores de servicio, con espacios mejorados que hagan sentir seguro y recompensado a quien entre a la tienda y camine por los ahora amplios pasillos.
La experiencia de compra debe permanecer dual: offline y online. Mientras el COVID-19 ha orillado a más usuarios a utilizar plataformas de e-commerce, la experiencia en sitio no puede ser reemplazada en su totalidad. Los compradores quieren ser atendidos por otras personas, y verlas, no sólo escucharlas por el teléfono o un chat en línea. La gente ama ir a los centros comerciales porque son –o deben ser– entretenidos y autocomplacientes. El proceso de compra en comercio físico es divertido y, a pesar de los adelantos tecnológicos, con probadores virtuales y tecnologías AR (eg: Gucci, Uniqlo, Inditex, Ralph Lauren), por nombrar algunos) la experiencia de compra nunca será 100% reemplazada por el e-commerce.
Con la tendencia global de espacios de vivienda cada vez más reducidos, parejas jóvenes y familias van a tender a buscar espacios donde sentirse libres, entretenidos y seguros. Ahí es donde EL CENTRO COMERCIAL encaja y hace sentido.
Mientras en otras ciudades el comportamiento del consumidor consiste en ir a la tienda y regresar a casa, dando sólo una oportunidad para impactarlos en la tienda; en muchas otras ciudades –y esta tendencia va a la alza– ir al centro comercial significa un día completo de actividades incluyendo comer en un buen restaurante, ir al cine, incluso a un parque de diversiones, y un claro, un trayecto de compras en varios comercios; todo dentro de un mismo espacio. Ir al centro comercial en algunos países de América Latina y EUA puede ser un día completo en familia. Nosotros creemos que esta tendencia pronto será acogida por el resto de los países.
Aquí algunas ideas y principios de marketing a considerar:
De vez en cuando dejamos que un miembro del equipo de MASSIVart se exprese libremente sobre los temas de su interés, o sobre lo que hacen… y ahora es el turno de Alice.
Alice ha sido parte de nuestro equipo desde el 2018, primero como Directora de Arte del festival Chromatic y ahora como Consultora de Arte y Curadora de los proyectos de la agencia.
Un miembro valioso de nuestro equipo creativo, Alice también es una artista inspiradora. Queremos darle carta blanca para hablar de sus antecedentes y enfoque artístico, y presentar su trabajo.
Después de obtener el grado de Maestría por la Escuela Superior de Arte de Clermont en Francia, abrí con otros 10 artistas y amigos el espacio llamado “La Cabine”. Este taller colectivo y espacio de exhibición me permitió profundizar en mi práctica y curar diferentes exposiciones y eventos por dos años.
Durante el 2015, formé parte de diversas exposiciones incluyendo Les Enfants du Sabbat 16 en el Creux de L’enfer en Thiers, Francia y S’allonger sur une ombre en Home Alone en Clermont-Ferrand, Francia.
En 2018, decidí mudarme a Montreal para asumir el cargo de Directora de Arte para la 10ma edición del festival Chromatic. Al mismo tiempo, desarrollé mi primera exposición europea: la colectiva «Six Memos» que viajó por España, Inglaterra y Polonia entre el 2018 y el 2019.
En julio del 2018 expuse para Art.Art con Roxa Hy en Montreal. Desde el 2019, he sido consultora de arte y curadora en MASSIVart y he continuado mi práctica artística en paralelo.
Respecto a mi obra plástica, ésta gira en torno a la noción de la vida diaria. Cuestiona el paisaje y las formas geométricas en él, ya sean naturales o fabricadas. Colecciono elementos de la realidad y descarto sus formas para quedarme con los bordes. Las formas, una vez purificadas y repensadas, son el resultado de la dicotomía vacío/plenitud. Por ello, me interesa la forma en sí misma.
Las instalaciones resultantes de esta investigación formal arrojan universos silenciosos donde las estructuras pueden ser entendidas como una caminata en un pueblo fantasma.
A la manera de Italo Calvino, quien en Seis Propuestas para el Próximo Milenio (Six Memos for the Next Millennium) cruza eras literarias como un viaje, busco percibir el paisaje como un recorrido del cual resulta una multiplicidad de formas plásticas.
Sobre la “multiplicidad” en la página 173 se lee: «Gaddafi supo que ‘saber es insertar algo en lo real y, por tanto, deformar lo real’”. Esto es exactamente lo que quiero demostrar en mi trabajo. Cómo percibir el paisaje, los cambios que ocurren en él, la velocidad en que evoluciona. Buscar trascender las imágenes de la vida cotidiana, buscar el perceptible por todos: la visibilidad. La “coherencia” del paisaje es, por lo tanto, una idea interna que tenemos.
El escultor Georges Sugarman, en los sesentas, al hablar con Fred Sandback, dijo: “si estás cansado de todas las piezas, ¿por qué no solo trazar una línea con una bola de hilo?” Con el espíritu minimalista libre de lo lleno y la base de lo que creo acerca de la creación para dirigir mi trabajo y mi investigación hacia el receso y el arreglo de las formas puras en el espacio. Tomadas de la realidad, sólo conservo los bordes, contornos y esqueletos de estas referencias formales.
En la era de la economía de experiencias, los retailers han añadido capas de riqueza en sus servicios. “Llamar la atención” es una estrategia recurrente que puede ser lograda a través del arte de la narrativa. Entretejer una historia en el diseño puede alentar a los visitantes a potencialmente pasar más tiempo dentro de la tienda, y resultar en más ventas en el proceso de descubrimiento y entendimiento.
En MASSIVart, nuestra mayor inspiración para aplicar este acercamiento viene de Gentle Monster. La marca de gafas es internacionalmente reconocida por sus impresionantes tiendas, las cuales son el símbolo mismo del retail experiencial.
La marca originaria de Corea del Sur, ha despuntado a nivel global por sus diseños vanguardistas de gran calidad, con tiendas que te transportan a una nueva dimensión. Cada una con un concepto y temática particular a partir la ciudad o las gafas.
¡Y funciona! Desde su lanzamiento en el 2011, Gentle Monster no ha dado señales de bajar su velocidad. La compañía empezó a generar ganancias en el 2014, con números cerca de los $40 millones de dólares. En el 2016, Gentle Monster alcanzó los $60 millones de dólares en ventas anuales, y en el 2018 registró $200 millones de dólares.
A pesar de que las gafas son en su mayoría adquiridas online, las tiendas específicamente apuntan a una audiencia Millennial al promover una experiencia única e instagrammeable gracias a “historias” creativas y experienciales que fusionan el retail con el arte.
Su obra oscila entre el espacio físico y virtual. Los medios computacionales se han convertido en objetos ubicuos, parte de nuestra cotidianeidad. La realidad ontológica, la realidad simulada, y la realidad mediada son un conjunto de capas que se aglomeran de manera compleja y multidimensional. Su práctica artística investiga las posibilidades de esta simultaneidad de realidades que coexisten e interactúan, creando objetos y narrativas que reflexionan sobre el pasado, presente y futuro.
Proyecto realizado a partir del registro de las pintas en la Columna de la Independencia de la Ciudad de México, ocurridas en el contexto de la la manifestación feminista #NoMeCuidanMeViolan, el pasado 16 de agosto. La polémica desatada a partir de las pintas puso en discusión cuestiones en torno a la memoria y el patrimonio. Sin intentar responder a estas preguntas, este proyecto se suma a la discusión y se presenta como un esfuerzo por mantener vivo el monumento en su estado «vandalizado» u ocupado por la sociedad civil, mostrando que es precisamente de esta manera como el también llamado Ángel de la Independencia cobra nuevos significados en la contemporaneidad. La pieza permite que el monumento intervenido permanezca en la memoria colectiva de los ciudadanos como un objeto comunicador de urgencias y demandas actuales. El monumento digitalizado puede incluso servir como testimonio para investigaciones, ya que reúne y conserva evidencias de reclamos por la justicia.
Pieza audiovisual realizada en colaboración de con Livia Radwanski y Concepción Huerta. A través de un esfuerzo colectivo, se realizó un registro detallado del monumento, tomando múltiples fotografías para después convertirlo en un modelo digital tridimensional a través de la fotogrametría, una técnica que comprende el uso de fotografías para traducir objetos físicos en un espacio digital 3D.
Pieza que ahonda en la interpretación arqueológica basada en los ornamentos de la fachada del Palacio de Bellas Artes. En esta comisión para Satélite, Cuerpos Rígidos muestra algunos de estos elementos ornamentales y neo-indigenistas del palacio y sirviéndose de tecnología VR genera un nuevo diálogo con las narrativas, tanto arquitectónicas como muralistas que contiene el recinto desde su construcción. El video nos sitúa en un futuro territorio y nos guía para replantear el significado y la relación que tenemos con nuestros monumentos.
Posible arqueología futura de elementos arquitectónicos del Porfiriato. A través de métodos de escaneo y modelado en 3d, las piezas reconstruyen la narrativa de un estilo arquitectónico. La serie pone en cuestión ideas sobre la arqueología, no sólo como método de análisis de valores de una época, sino también de replanteamiento de los mismos.
Ornamentos yuxtapone un espacio arquitectónico generado por computadora con el contexto arquitectónica actual del centro de Los Ángeles. La obra está inspirada en parte por Frank Lloyd Wright y sus apropiaciones de ornamento Maya, así como el minimalismo contrastante del movimiento de arte californiano denominado “Light and Space”.
Representación de espacios simultáneos que se confrontan y rompen con la linealidad del espacio y tiempo, entrando así a otra dimensión. Estas escenas son simulaciones de espacios interiores y a la vez exteriores. La exploración se realizó a través de procesos de mapeo de texturas en programas de modelado en 3D. Es un proceso en el cual se proyecta una imagen 2D en una superficie 3D para
texturizar un modelo. Esta técnica se usa para darle detalles realisticos a objetos virtuales. En el caso de esta serie, se proyectaron imágenes 2D de paisajes a superficies 3D de espacios domésticos de manera recursiva, donde la imagen resultante se vuelve en la imagen que se usa como la nueva textura. A través de esta recursión, la imagen final resulta en simulación abstracta.
En un momento en el que la nueva normalidad se está estableciendo, Alejandro Cardoso, CEO Global de MASSIVart, comenta, en un artículo, el futuro de la mercadotecnia y las marcas.
Era común que los CMO’s Y CEO’s de organizaciones globales tuvieran una buena cantidad de tiempo para que su trabajo fuera evaluado. Yo fui uno de ellos. Después de un tiempo, se acabó ese privilegio. En los últimos años, los altos directivos en las organizaciones hemos sido retados al máximo para generar resultados a corto plazo y así satisfacer a los accionistas. Esto ha empujado a las marcas a buscar modelos de engagement marca-consumidor que puedan generar resultados rápidos sin afectar a la marca a largo plazo. Algunos ejecutivos lo han logrado pero muchos otros han fallado. Como resultado, agencias de comunicación, publicidad y contenido digital han sido desafiadas de igual manera para adaptarse a la nueva realidad de los negocios y mercadotecnia. Algunas agencias lo han logrado, y otras han fallado en el intento de adaptarse a esta nueva realidad.
Mientras el COVID-19 ha sido un grave problema a nivel global en los últimos 6 meses –donde gobiernos, autoridades médicas y la sociedad han sido enfrentadas a esta enorme prueba- la realidad es que para mercadólogos y expertos de comunicación la situación es un desafío más en la lista, si bien, uno más grande comparado a retos previos, por sus inmensas implicaciones económicas. El impacto no es menor. Entonces, ¿cómo nos adaptamos a la nueva realidad donde las reuniones, encontrarse con gente, incluso tomar un café o comer con alguien se ve limitado por mantener la distancia, cuando en realidad, uno de los retos que las marcas tienen se centra en crear experiencias memorables, duraderas y únicas?
Las palabras clave son: escuchar, investigar, y acercarse al consumidor –incluso a la distancia– para poder entender sus preocupaciones, deseos y necesidades de diferentes maneras de interactuar con la marca. Ya sean productos de consumo, B2B o un servicio, la premisa es la misma: no intentar adivinar sus deseos, temores o expectativas. Movernos rápido sí, pero hay que estar seguros para no improvisar.
Para algunas industrias el cambio forzado en su modelo y su éxito, ha sido resultado de los consumidores demandando sus servicios. Compañías en los servicios de logística y mensajería han presentado un crecimiento significativo. Marcas de salud y cuidado personal han vendido casi todo su inventario. Los supermercados han vendido casi toda la comida, cerveza y vino al no poder la gente salir a restaurantes. Los servicios en línea, tanto educativos como de entretenimiento, han obtenido resultados excepcionales. Pero este éxito honestamente viene de los consumidores forzandolos a saciar sus necesidades, y no porque las marcas estén haciendo algo distinto en cuanto a mercadotecnia. Incluso el segmento de belleza y algunas marcas de lujo han vendido más de lo normal con cada crisis.
El mundo del arte también ha experimentado un despertar cuando se trata de gente consumiendo contenidos de arte y cultura transmitidos en vivo o bajo demanda. Entonces, mientras algunos negocios como turismo, restaurantes, bares, aerolíneas, co-workings, automotoras, pequeñas tiendas de abarrotes, entre otros, han sufrido demasiado, otros han capitalizado en la crisis. Eso siempre ha sido igual.
Mirando hacia adelante, nosotros como mercadólogos estamos obligados a desarrollar estrategias que permitan a las marcas acercarse a los consumidores de maneras entretenidas, atractivas y relevantes.
Para poder escuchar a las audiencias, la información (data) es crucial y cómo usar esa información puede levantar un negocio o, de hecho, enterrarlo. La información produce insights que conducen la estrategia. La estrategia lleva a la idea y la idea es ejecutada y medida, y el ciclo comienza de nuevo. En este modelo, la idea y la ejecución son cruciales. Cómo se implemente una experiencia de marca que sea relevante, significativa, única, memorable y que cree necesidad en los consumidores para que regresen a ella y la compartan en sus redes sociales, será vital.
Por supuesto, las marcas deben acercarse a sus audiencias y el arte y la cultura son una manera efectiva de lograrlo. Una campaña de publicidad –aún si es altamente creativa– ya no hace el truco. Hacer la experiencia de marca más tangible, logrará el ser visto, el reconocimiento, la preferencia, ventas y por ende crecimiento.
Mientras los meses pasan y volvemos a la nueva normalidad, se trate de productos de consumo, la industria de hospitalidad, desarrollos inmobiliarios o servicios financieros, las marcas deben de asegurar que están siendo reconocidas, que atraen la atención y que son elegidas por los consumidores ya que el ingreso disponible podrá verse limitado en algunos sectores demográficos, por un largo periodo de tiempo. Cualquiera que sea el espacio comercial, punto de contacto o destino en el que los consumidores interactúen con las marcas, cualquiera que estas sean, todas tienen que estar muy bien diferenciadas y ser atractivas para ganar la preferencia del consumidor. Por más raro que suene, ahora es el momento para prepararse.
Mientras la publicidad puede afectar la manera en que los consumidores perciben a las marcas, es una verdad universal que hoy las marcas necesitan más que un buen anuncio para impactar y atraer consumidores. La experiencia es la forma en que se puede hacer tangible la promesa de marca. En mi larga trayectoria en el mundo de la publicidad, hace unos años llegué a la conclusión de que las marcas necesitan pasar de mensaje a experiencia, y estoy seguro que la vida durante y después de COVID llevará a las marcas y mercadólogos a darse cuenta que esta es la tendencia y no una moda, y que esto puede determinar el futuro blanco o gris de algunas marcas. Sin duda, en la nueva normalidad, las marcas deberán encontrar maneras diferentes de aproximarse a los consumidores, quienes estarán más ocupados pensando en otras cosas. El mundo on line crecerá aún más y más rápido pero el mundo físico no morirá. La gente regresará a los hoteles, restaurantes, centros comerciales y tiendas. La experiencia de marca on line y off line será importantísima para ganar participación de mercado.
A. Cardoso
MIRA y MASSIVart invitan a artistas nacionales e internacionales a desarrollar una propuesta para una pieza pública permanente a ubicarse en la plaza del más reciente desarrollo de MIRA en la Ciudad de México: Neuchâtel’s Cuadrante Polanco.
Un presupuesto total de 6,000,000.00 MXN Pesos será asignado al proyecto de esta instalación de arte para brindarle a los artistas la oportunidad de crear un punto de referencia icónico en la Ciudad de México, al mismo tiempo que ayudarán a embellecer el paisaje urbano público.
La propuesta seleccionada estará en línea con la dirección artística de MIRA y MASSIVart así como con la visión de Neuchâtel Cuadrante Polanco, la cual está guiada por el deseo de crear una instalación de arte icónica y atemporal con el poder de conectar con la comunidad.
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Los museos, cruciales para la democracia cultural, son la punta del iceberg del complejo sistema cultural y económico. Juegan un papel relevante en el desarrollo de la economía local y son circundados por un amplio rango de actores, artistas, audiencias, trabajadores «freelance» y compañías creativas.
En el corazón de sus misiones sociales, educativas y culturales, y para enfrentar los retos de inclusión y diversidad, los museos ya han propuesto numerosas iniciativas: proyectos comunitarios, exposiciones itinerantes, actividades educativas para todas las edades, visitas adaptadas para personas con habilidades diferentes, entre otros. Sin embargo, a pesar de la ambición de llegar a todos todavía hay un largo camino por recorrer para tener una oferta que conecte con todas las comunidades que atañen.
Los museos deben ser flexibles frente a una sociedad constantemente cambiante. ¿Quién es el objetivo de nuestro museo? ¿Quién decide que es de interés y cómo presentarlo? ¿En qué criterios se basan esas decisiones? Estas son las interrogantes que surgen en tema de accesibilidad e inclusión.
Estas preguntas son aún más relevantes en el contexto de una pandemia global sin precedentes, por la que todos los museos han tenido que cerrar sus puertas. En este periodo de contención, la oferta digital se ha vuelto la única disponible para los museos, quienes han tomado ventaja de las herramientas para seguir teniendo sus servicios accesibles para los visitantes. Con un par de clicks, el público puede accesar aplicaciones móviles, sitios web, redes sociales y exposiciones virtuales. De hecho, ha habido un incremento de casi 200% en el número de visitas en los sitios de museos desde el inicio de la epidemia, lo que ha garantizado satisfactoriamente la continuidad de la oferta museística.
Una vez que esta observación se ha hecho, después de COVID-19, los museos definitivamente tendrán que ser más creativos, ya que la oferta digital por sí sola no es suficiente y los visitantes necesitan diferentes maneras de experimentar y estar en contacto con el arte y la cultura. Si en años recientes la experiencia del visitante ha estado centrada en participación, interacción o activación multi-sensorial, es fácil imaginar porqué la audiencia puede sentirse renuente o temerosa de estar en un museo: pantallas táctiles, multitudes, equipos de realidad virtual, audios, espacios cerrados.
Estamos en la posición para decir que tendremos que repensar los servicios ofrecidos por los museos y los medios museográficos para compartir conocimiento y patrimonio: una manera distinta de sumergir a los visitantes en el corazón de una experiencia, de conectar con ellos, mientras adoptamos nuevas normas de comportamiento.
Aún cuando tenemos que reflexionar nuevas estrategias para implementar y nuevos medios creativos por establecer, me parece relevante incluir en esta discusión a todas las comunidades y actores que conciernen. Una nueva generación de museos, combinando innovación cultural, desarrollo de economía local e inclusión social, puede nacer de un trabajo de co-construcción, el que continuará apoyando, como ya lo hace, un ecosistema indispensable.
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Municipalidades, desarrolladores, tiendas departamentales, museos y otros lugares abiertos al público necesitarán reinventar la manera en que la gente se moverá entre calles y edificios.
Para eso, tendrán que ser creativos para transmitir sus mensajes y estar atentos a lo que las personas necesitan actualmente: encontrar un poco de asombro en su vida diaria para sentirse mejor. Ahí es donde el arte pueden intervenir.
Centrándose en las medidas de distanciamiento físico, los artistas han creado elementos de señalización que además de ser útiles, también son estéticos.
Para inspirarse, compartimos el trabajo de estos artistas expertos en intervenir suelos y muros:
Trevor Wheatley & Cosmo Dean (a la izquierda)
Los artistas de Toronto Trevor Wheatley y Cosmo Dean trabajan en colaboración para producir instalaciones tipográficas de gran formato. Han producido piezas para Nike, Stussy, Topshop, Converse, Nordstrom y OVO. A través de un mensaje simple, la instalación es impactante, y el trabajo y precisión de las piezas de Dean y Wheatley pueden contemplarse y admirarse fácilmente. De concepto a ejecución, no es sorpresa que estos dos artistas hayan sido llamados para colaborar con reconocidas marcas, ya que sus creaciones dejan una impresión duradera en la mente de los espectadores.
Roadsworth
(imagen de portada)
Los murales e instalaciones de este artista canadiense han sido comisionadas a través de Norte América, América del Sur, Europa y Asia. Ha expuesto su trabajo en LAF, Cirque du Soleil, el Tour de France y el Festival Cans organizado por Banksy, por mencionar algunos. Su singular visión, donde arte y activismo son integrados, se puede observar en sus colaboraciones con Greenpeace y Amnistía Internacional. Su reconocible estilo de arte urbano ha sido presentado y discutido en muchas publicaciones de arte urbano en las últimas dos décadas.
SUPERFLEX (abajo, a la derecha)
SUPERFLEX fue fundado en 1993 por los daneses Jakob Fenger, Bjørnstjerne Christiansen y Rasmus Nielsen. Con una práctica diversa y compleja, SUPERFLEX reta el rol del artista en la sociedad contemporánea y explora la naturaleza de la globalización y los sistemas de poder. SUPERFLEX describe sus obras como herramientas, sugiriendo así múltiples áreas de aplicación y uso.
Gummy Gue (abajo)
Gummy Gue (Marco Mangione) es un artista que trabaja principalmente en el espacio público. Conoce la escena del graffiti del principio de los 2000s, investigando y experimentando con las posibilidades expresivas que lo llevarán al arte urbano contemporáneo. Su trabajo entabla un diálogo entre la arquitectura y el entorno. Alguno de sus trabajos, como Playground y Skatepark, han sido reconocidos por revistas y plataformas dedicadas al diseño y arquitectura como Domus, Designboom, AD Magazine, y Architectural Record, entre otras.
Michael Lin (abajo)
Lin crea instalaciones monumentales que re-conceptualizan y reconfiguran el espacio público. Usando patrones y diseños propios de los textiles tradicionales Taiwaneses, su trabajo ha sido expuesto en importantes instituciones y Bienales internacionales. Transformando la arquitectura institucional del museo público, sus pinturas invitan al espectador a reconsiderar su percepción del espacio y a ser parte integral de su trabajo, dándole significado a su potencial como área para interacción, encuentro y recreación.
Históricamente, los artistas han estado a la delantera de situaciones culturales y sociales iniciando conversaciones y empujando límites. El arte tiene la habilidad de provocar una respuesta emocional, comunicar mensajes complicados y opositores, propiciar comportamientos sociales, y crear cambio social. También tiene el poder de inspirar a las comunidades durante tiempos de incertidumbre y la actual pandemia de COVID-19 no es la excepción.
Nos enfrentamos a un periodo sin precedentes que requiere de nuestra total resiliencia. Queremos aprovechar la oportunidad para mostrar diversas iniciativas en la comunidad artística durante estos tiempos. Nos hemos inspirado en artistas de todo el mundo quienes han enfrentado el desafío de ayudar a la gente a desconectarse, o a transmitir mensajes motivadores o conmovedores.
Las Naciones Unidas ha llamado a los creativos alrededor del mundo para ayudar a frenar el esparcimiento de información errónea y promover las medidas de salubridad. La ONU hace una llamada global a artistas y ha creado un acervo de obras para educar, animar e inspirar. Puedes visitar la biblioteca en UNCovid-19 Creative Content Hub.
Asimismo, la UNESCO ha iniciado el movimiento #ResiliArt el cual consistirá, entre otras cosas, en una serie de debates virtuales con artistas reconocidos para apoyar a la comunidad cultural durante la crisis.
En Canadá también puedes consultar el Social Distancing Festival iniciado en Toronto por el artista Nick Green. El Festival del Distanciamiento Social es una comunidad de creativos en línea que celebra y muestra el trabajo de artistas de todo el mundo que han sido afectados por la necesidad del distanciamiento social.
Porque no podemos olvidar la labor de los empleados de primera línea, puedes ver el trabajo del artista Duyi Han quien agradece a los trabajadores de la salud con un mural tipo fresco en una capilla.
El artista Thierry Geoffroy usa tiendas de campaña para hablar por los que no pueden regresar a sus hogares en estos tiempos de confinamiento por ser gente en situación de calle o refugiados.
Finalmente, Til Kolare decidió usar sus habilidades de arte digital para representar la situación por la que pasa el mundo. Nos da una nueva versión de algunas pinturas clásicas en las cuáles los personajes se alejan unos de los otros y revelan la realidad actual de mucha gente: soledad.
Nos gusta ver que la creatividad de la comunidad artística no está encerrada. Siempre encuentran maneras para transmitir mensajes a través de su arte y nosotros siempre vamos a apoyarlos.
Este proyecto en curso se basa en Les Printemps du Palais, que presentó una variedad de creaciones de artistas y artesanos locales. Lo más destacado del evento de primavera de 2019 incluyó pianos públicos, espacios de trabajo colaborativos, mesas creativas de ping-pong y bibliotecas de autoservicio. El Palais Seasons se está presentando en un esfuerzo por mantener esta emoción durante todo el año. MASSIVart ha creado un programa que mostrará una vez más el ingenio y creatividad de Montreal.
“En MASSIVart, siempre hemos creído que el arte y la cultura tienen el poder de revitalizar los espacios públicos. Estamos encantados de haber tenido la oportunidad de ayudar al Palais des congrès de Montréal a traer más creatividad a sus instalaciones. Esta institución icónica es un escaparate perfecto para el talento creativo de la ciudad, una ventana abierta a la cultura de Montreal. En un lugar donde el futuro de nuestra sociedad se modifica constantemente, es importante traer artistas y creadores locales para reimaginar estos espacios públicos como lugares de encuentro donde se puede experimentar sorpresas. ¡Solo un ejemplo más de cómo el arte y la cultura pueden ser compatibles con los espacios públicos!”
– Philippe Demers, Fundador y Director Creativo de MASSIVart.
Lo más destacado del programa es, sin duda, «Seuils» del artista de Montreal de renombre internacional Michel de Broin. Compuesta por una serie de puertas de vagones del metro de Montreal, la instalación artística forma un camino para que la gente la siga. La experiencia recuerda el proceso de ingestión del tracto digestivo: la instalación respira y se hincha al ritmo del tráfico que lo atraviesa, creando un contraste entre la estructura mecánica y el movimiento orgánico. El trabajo reutiliza los componentes de apertura de puertas de los vagones de metro originales de la ciudad, presentados por primera vez para la feria mundial Expo 67. Recientemente reemplazados por modelos más nuevos, los vagones de metro MR-63 ahora obsoletos se han convertido en una parte icónica de la historia del transporte público de Montreal. «Seuils» les dará a los visitantes de Palais de todo el mundo un vistazo a ese pasado.
“Después del éxito rotundo del programa de la primavera pasada, me complace ofrecer el Palais Seasons durante todo el año a locales y visitantes por igual. La obra de arte tuvo un impacto inmediato en la atmósfera en nuestros espacios creativos y esta segunda fase diseñada por MASSIVart promete ser igual de emocionante.”
– Robert Mercure, presidente y director ejecutivo de Palais des congrès de Montréal
Fotos
1, 3: «Seuils» – Michel de Broin
2: «Paysage divers» – En Temps et Lieu
¡Visita la página del proyecto Palais des congrès para obtener más información sobre lo que creamos!
Nuestro equipo de curadores de arte tuvo la oportunidad de colaborar con la famosa galería para seleccionar a estos 4 artistas talentosos: Andrew Thomas Huang, Charline Dally, Rihab Essayh y Eli Schwanz.
Con experiencia en bellas artes, efectos visuales, títeres y animación, el cineasta radicado en Los Ángeles Andrew Thomas Huang crea mundos híbridos enraizados en el folklore sino futurista, el misticismo y el realismo espiritual. Su lista de colaboradores incluye a la artista islandesa Bjork, entre otros, incluyendo a Thom Yorke de Radiohead y FKA Twigs por quienes Huang está nominado al Grammy por su épica fantasía «Cellophane».
Al utilizar la instalación, el grabado o el rendimiento visual, Charline cuestiona diferentes nociones como la ambivalencia, la otredad y la porosidad. Su trabajo trata de disolver los límites entre la ausencia y la presencia, real y virtual, sintética y orgánica. Al integrar progresiones lentas, el video se convierte para ella en una herramienta hipnótica que invita a la audiencia a sentirse en el presente. Su trabajo ha sido presentado en París, Bruselas, Toronto y Montreal.
Rihab es un artista multidisciplinario que explora el tema de resolver la angustia emocional interpersonal y personal a través de una práctica basada en la investigación. Su proceso comienza con la necesidad de resolver o traducir un problema que ocurre en su vida personal para avanzar o crear un sentido de comprensión comunitaria.
Eli se centra en la animación en formas y contextos potenciales, así como en su representación y exploración en medios alternativos, que incluyen instalación, luz, escultura y video. Eli Schwanz ha sido perfilado por Vice y fue exhibicionista en residencia en el CBC. Las exposiciones incluyen Chromatic Festival, Gardiner Museum, Animocje Poland, Onsite Gallery, Ignite Gallery, Robert Kananaj Gallery, así como comisiones para The Drake y Four Seasons Hotels.
Las primeras entradas ya están a la venta hasta el 29 de febrero, visita: www.agomassive.ca
MASSIVart une fuerzas con la Galería de Arte de Ontario como socio creativo para su fiesta anual de recaudación de fondos AGO Massive, que tendrá lugar el jueves 16 de abril en Toronto.
Nuestro equipo de curadores de arte tuvo la oportunidad de colaborar con la reconocida galería para seleccionar 4 artistas que se darán a conocer muy pronto!
Juntos por una sola noche, AGO Massive presentará instalaciones de arte inmersivo, experiencias emocionantes y comida y bebida irresistibles.
Con este evento, la misión de la Galería de Arte de Ontario está perfectamente alineada con nuestra visión, que es reunir a las personas con el arte para ver, experimentar y comprender el mundo de nuevas maneras.
Las entradas anticipadas están a la venta, compra las tuyas en www.agomassive.ca
Philippe Demers, fundador de MASSIVart, ha sido reconocido como un «revolucionario creativo que ha liderado el camino para un cambio positivo» por CODAworx esta semana!
MASSIVart ha sido incluido en su lista de 25 líderes que han tomado una posición a través de sus creaciones artísticas y los espacios que transforman.
«Representing a new breed of producers and curators, Philippe Demers, Founding Partner and CEO of MASSIVart, runs an international art consultancy agency in Montreal, Toronto, Mexico City, Shanghai, Paris, Dubai and Los Angeles. Working at the intersection of art and commerce, he collaborates with emerging and established artists, architects, developers, designers and other creatives on architectural design, original works of art, and art-driven cultural programs. His passionate support of innovative art programs have brought MASSIVart a who’s who of high-profile clients.»
Como parte de un festival de arte público en el centro comercial Ruihong xintiandi Hall of the Moon en Shanghai, trabajamos con Beijing Modernsky Culture en un proyecto de instalación multimedia. Colaboramos con el artista Christopher Schardt y la agencia Building180 para producir esta instalación inmersiva al aire libre a gran escala.
Constellation es un dosel en forma de estrella de 5.400 módulos LED. La estructura pesa 2000 kg, mide 26′ de diámetro y cuelga de un solo punto que se exhibirá del 26 de noviembre al 5 de enero de 2020.
En 1998, la primera experiencia de Burning Man de Christopher Schardt lo inspiró a aplicar sus habilidades de ingeniería e informática al arte, y desde entonces ha participado y traído un importante proyecto de arte al evento. Ahora ampliamente conocido por sus esculturas LED, también es autor de LED Lab, una aplicación utilizada por miles de artistas.
Trabajando en colaboración con Chromatic y UltraSuperNew Gallery, asi como FRAMED y MUTEK.JP para producir una exhibición digital con videos de la artista Canadiense Sabrina Ratté y el artista Japonés Yoshi Sodeoka. Esta exhibición se llevará a cabo del 1 al 12 de Diciembre del 2019 en la Galería UltraSuperNew ubicada en Tokyo.
Más información sobre la exposición
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Obras de arte: Yoshi Sodeoka – Sprindrifer
MASSIVart anuncia el nombramiento de Alejandro Cardoso, ex Chairman Ejecutivo de Publicis Latin America, como CEO global de la agencia, y la apertura de una oficina en la Ciudad de México de la cual Cardoso será socio. Luego de más de 25 años de carrera, Alejandro Cardoso es considerado una de las personalidades publicitarias más influyentes de América Latina, y catalogado como uno de los 100 líderes mexicanos más carismáticos e inspiradores, esto lo confirma su inclusión en la primera edición de “Aquellos que inspiran a México”, publicado en 2018. Dejó su puesto este Junio de 2019 para unirse al equipo directivo internacional de MASSIVart y desarrollar la nueva subsidiaria latinoamericana de la compañía.
Leer el comunicado de prensa.
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Alejandro, has ocupado varios puestos ejecutivos en México y en el extranjero, incluidos: Yahoo, Aeroméxico, TBWA, JWT y durante la última década en Publicis Groupe como presidente ejecutivo para América Latina. ¿Puedes contarnos sobre tu trayectoria profesional?
Por supuesto. Empecé como actor. Principalmente teatro. Para mantenerme, mezclé la actuación teatral con un trabajo remunerado. Así que encontré la oportunidad en la industria hotelera donde crecí de botones a CMO. Fue un gran viaje. Dejé de actuar y decidí formar parte del mundo de la publicidad y el marketing. Decidí dejar el rol de CMO y me mudé al mundo de la publicidad donde trabajé en TBWA, Leo Burnett y JWT. Luego volví como cliente como Vicepresidente Senior de Ventas y MKT de Aeroméxico, luego CMO regional de Citibank y CEO en Yahoo. Mi última colaboración fue con Publicis Groupe, con sede en París, donde ocupé diferentes roles regionales, siendo el último Presidente Ejecutivo de Publicis Groupe para América Latina, donde dirigí todas las operaciones creativas, digitales, tecnológicas y de medios.
¿Por qué elegiste unirte a MASSIVart?
Trabajo creativo de clase mundial, un equipo increíble, una propuesta de valor relevante y diferenciada y un enorme potencial comercial en México y en toda América Latina. Amo el arte y el marketing. MASSIVart lo une todo.
Con su llegada, MASSIVart da un nuevo giro con la apertura de una nueva oficina, la primera en América Latina. ¿Qué podemos esperar de MASSIVart México para los próximos meses?
Pretendemos producir un trabajo espectacular. Los prospectos quedarán boquiabiertos, los clientes altamente satisfechos y la prensa elogiando nuestro trabajo. Esto dará como resultado un crecimiento para MASSIVart Inc. y MASSIVart México. Creo que México será el primer paso en la expansión de MASSIVart en América Latina. En los próximos años, nuestra ambición es ver una operación MASSIVart en los mercados más importantes de la región, incorporando y liderando las nuevas tendencias en las industrias de bienes raíces, arte público, diseño de museos y servicios de marketing.
¿Cómo encaja lo que ofrece MASSIVart en la escena cultural / artística de México? ¿Hay mercado?
Es el ajuste perfecto. México se enorgullece de su patrimonio cultural y artístico. México ha sido y será un país influyente en lo que respecta al arte en sus múltiples expresiones, ya sea en el arte contemporáneo, la literatura, la arquitectura, la música, el cine, la gastronomía e incluso en las artes y artesanías tradicionales de la calle. El arte está en todas partes. MASSIVart fusionará este fuerte patrimonio cultural de México con una propuesta de valor de experiencias que combina lo mejor de México con lo mejor de Massivart. Es una propuesta de ganar-ganar.
¿Por qué elegiste trabajar en el espacio de arte y cultura?
Está en mi ADN. La cultura y el arte siempre han estado a mi alrededor y han sido una pasión para mí. Mi padre fue actor durante algún tiempo en sus primeros años y luego se hizo influyente en la industria de la publicidad. Mi esposa es una artista sublime. La mayoría de mi familia, incluida mi hija, tiene experiencia en la industria creativa. Supongo que es parte de mi y una parte importante de mi vida. Ahora, a través de MASSIVart, puedo combinar mi pasión por el arte y la cultura con mi amplia experiencia empresarial.
¿Qué tipo de arte te atrae más?
Difícil de elegir. Estoy abierto a todo. Probablemente mi mente está más impresionada con el arte contemporáneo. Las artes visuales y las innovadoras instalaciones de escultura / arte me llaman la atención. Sin embargo, me encanta la cinematografía, el teatro, la danza, la literatura, la fotografía y la música. Soy un admirador de la arquitectura atrevida e innovadora. También me expreso a través de la cocina, que considero también como un arte. El arte en general es una forma genial de mantenerse vivo y conectado.
Desde 1992, los Premios de Artes Aplicadas han sido un estándar internacionalmente reconocido por su excelencia creativa. Es la única competencia canadiense que reconoce el trabajo de profesionales y estudiantes en todo el espectro de comunicaciones visuales, abarcando a todos, desde creadores de imágenes hasta creativos publicitarios, gurús de marketing y diseñadores gráficos.
Ganamos un premio con Iregular, Ædifica e iGotcha Media en la categoría de Diseño Ambiental / Señalización, por el proyecto «RIVER». Esta obra de arte fue encargada por Desjardins para ocupar permanentemente su sucursal en el centro de Montreal. «RIVER» es una escultura de malla LED de 11 metros y un patrón generado por software que escucha el entorno para representarlo evolucionando constantemente e infinitamente, día y noche.
Entrevistamos a Maxim Céré-Marcoux, el nuevo director financiero de MASSIVart.
1. ¿Cuéntanos un poco sobre tus antecedentes y tu experiencia laboral pasada?
Nací y crecí en Montreal y estudié contabilidad en la Universidad Concordia, a partir de estos estudios obtuve el título de CPA y me fui a trabajar a San Francisco durante algunos años. He trabajado en asesoría financiera y contable durante 6 años, brindando asesoría a empresas de diversos tamaños, que operan en diferentes industrias y con su respectivo conjunto de oportunidades y desafíos. Poco sabía que trabajar en una galería de arte como estudiante despertaría un interés por el mundo del arte que lamentablemente muy pocas personas con antecedentes como el mío tienen.
2. ¿Qué te atrajo a MASSIVart?
La energía magnética y la dedicación de sus socios, la capacidad de la agencia de posicionar de manera única su oferta de servicios al mejorarlos con arte local e internacional y su inquieto deseo de crecer sin perder su originalidad.
3. ¿Qué traes a MASSIVart?
Aporto un conjunto de habilidades en los campos financiero y contable, junto con un gran interés y fascinación por el arte que espero me permita ayudar a MASSIVart de una manera distintiva a estar bien posicionada para aprovechar con éxito las oportunidades a medida que surgen dado el continuo éxito de la compañía y su crecimiento.
4. ¿Cómo encaja lo que ofrece MASSIVart en la escena cultural / artística global y si es necesario?
MASSIVart, en su afán por seguir siendo único y diferenciado, siempre ofrece sus servicios para indudablemente superar las expectativas de los clientes, pero también involucra activamente a nuestra comunidad global para hacer espacio para el arte en nuestra vida cotidiana. MASSIVart desempeña un papel fundamental en la comunidad del arte al seleccionar cuidadosamente los aportes de su proceso creativo para resaltar la comunidad artística y aumentar su exposición.
5. ¿Cuál sería el proyecto y / o cliente de tus sueños?
Estoy especialmente emocionado de unirme a la compañía en un momento en que se han presentado tantas oportunidades de crecimiento y diversificación y espero ayudar al grupo de socios aportando otra perspectiva a la mesa, así como un conjunto diferente de habilidades que con suerte ayudarán a determinar cuáles perseguir y de que manera.
6. ¿Por qué elegiste trabajar en el espacio de arte y cultura?
Desde hace bastante tiempo, mi intención ha sido la transición al campo artista / cultural. Quizás mi interés proviene de mi falta personal de energía creativa artística. Al trabajar, incluso en calidad de asesor financiero, en el campo artístico, siento que, a mi manera, contribuyo a promover una comunidad de espíritus creativos por otros medios que no sea creando arte yo mismo.
7. ¿Qué tipo de arte te habla más?
Independientemente de la forma que adopte, el arte juega un papel crucial en la formación de las opiniones públicas y en el inicio de los cambios culturales. El arte me habla más cuando aprovecha su capacidad incomparable de tocar a las personas en su estado más abierto para exponer a propósito un problema social y generar conciencia.
8. ¿Qué es lo que más esperas del futuro del arte?
Creo que el arte es la contribución más singular de la humanidad al mundo y probablemente será el concepto más difícil de descifrar y comprender para la inteligencia artificial. Si bien finalmente podrá copiar ciertas piezas y / o artistas y tal vez incluso comprender el arte al canalizar el análisis de otros entusiastas del arte, nunca podrá innovar y crear arte en su verdadera forma, que depende completamente del ingenio de la mente humana. Estoy muy entusiasmado con el papel que desempeñará el arte en la inteligencia artificial, ya que puede ser una de las únicas áreas que no muestra ningún potencial para que sea superado por completo.
MASSIVart busca artistas, creadores y profesionales que trabajen en el sector digital. Actualmente estamos desarrollando un directorio para apoyar prácticas organizacionales más inclusivas y diversidad cultural. Este directorio tiene como objetivo proporcionar una plataforma para profesionales del sector digital de minorías visibles* a través de la cual puedan ser contactados para proyectos potenciales y ofertas de trabajo que coincidan con su experiencia.
Por lo tanto, estamos lanzando una campaña pública en comunidades culturales y redes digitales para reunir perfiles interesados en unirse a este directorio. Para hacerlo, las personas interesadas están invitadas a completar el formulario en línea aquí. here.
Sectores digitales específicos: medios interactivos, artes digitales, videojuegos, fotografías, artes visuales, diseño, música, podcasting, grabación de sonido, animación, cine y televisión.
*Las minorías visibles se definen en base a la definición de la Ley de Equidad en el Empleo como personas, que no son aborígenes, que no son de raza blanca o de color no blanco e incluyen chino, sudasiático, negro, filipino, latinoamericano, sudeste asiático, Árabes, asiáticos occidentales, japoneses, coreanos, otras minorías visibles y múltiples minorías visibles.(Fuente: Estadísticas de Canadá)
Este año se cumple el 50 aniversario del icónico Bed-in, el evento en el que John Lennon y Yoko Ono promovieron la paz a partir de permanecer en cama durante varios, mientras se alojaban en el Hotel Fairmont The Queen Elizabeth, en Montreal.
MASSIVart trabajó con el prestigioso hotel de 5 estrellas y Sid Lee Architecture para crear una experiencia única para la famosa Suite 1742 donde John Lennon y Yoko Ono celebraron su Bed-In en 1969.
En esta misma habitación, la pareja se quedó en la cama durante una semana, recibiendo invitados y realizando entrevistas con los medios. El último día de su actuación grabaron la ahora famosa canción «Give Peace A Chance» mientras aún estaban en la cama.
Nuestro equipo investigó, produjo y seleccionó una experiencia de retroceso inmersivo de 360 grados para la suite, lo que permitió a los invitados presenciar una visión exclusiva del ambiente agitado que tuvo lugar en la habitación. La experiencia única del museo que desarrollamos incluye tres dispositivos interactivos, una película de realidad virtual, un archivador interactivo que muestra fotos, archivos, videos y objetos del legado de este evento, así como encargos de obras de arte inspiradas en la actuación.
Estamos muy orgullosos de haber podido renovar este espacio histórico utilizando el arte y la cultura para resaltar el maravilloso mensaje de paz que John y Yoko transmitieron y que resuena tanto hoy como lo hizo en 1969.
¡Nuestro equipo siempre ha creído en el poder del arte para transformar espacios y esta historia muestra que también puede cambiar vidas!
Kian Nojoumian, un talentoso pianista de 16 años que recientemente se mudó a Canadá sin su piano, encontró alegría en los nuevos pianos públicos que instalamos recientemente en el Palacio de Congresos de Montreal. Mientras tocaba, llamó la atención de todos los que pasaban con sus propias composiciones. Maddy Samaddar, de visita desde Nueva York, estaba de paso por el espacio y resultó tan conmovida por su talento excepcional que investigó más sobre él y publicó la historia de Kian en Facebook. La publicación llamó la atención de Jason Howland, compositor de teatro musical, dramaturgo, director de orquesta y director musical y productor galardonado con un Grammy que le ha regalado a Kian un nuevo piano para practicar en casa. Jason le pidió que continuara tocando en el Palais y difundiera alegría a los visitantes.
Estamos muy orgullosos de haber sido parte de este proyecto. Para mayor información:
Piano pintado por Cyndie Belhumeur
Philippe Demers, CEO y socio fundador de MASSIVart forma parte del jurado mundial de comisiones artísticas para el famoso festival en el desierto.
El CEO y socio fundador de MASSIVart, Philippe Demers, fue invitado a formar parte del comité de subvenciones globales de Burning Man Arts para el famoso festival que se realiza anualmente en el desierto de Nevada, EE. UU. Dedicado a financiar proyectos artísticos que son inspiradores, interactivos, accesibles y, lo más importante, impulsados por la comunidad, el programa financia varios proyectos que se convierten en parte del festival y más allá. Las subvenciones artísticas ofrecen hasta 10 mil dólares por proyecto y han contribuido con más de 750 mil dólares hasta la fecha, financiando en total más de 160 proyectos de más de 25 países diferentes.
El comité de selección está compuesto por nueve miembros con diversos antecedentes creativos. Tener un experto cultural de Montreal (Canadá) en la mesa del jurado para un evento global de este tamaño resalta la influencia y experiencia del país en las artes.
Durante más de diez años, Philippe ha sido parte de la escena cultural y artística global y espera contribuir al desarrollo de estos proyectos artísticos de alto calibre. “Estoy muy feliz de poder participar en la selección de artistas que recibirán una subvención. Apoyar a los creadores en su proceso artístico contribuye no solo a su crecimiento, sino también al desarrollo de la escena artística y cultural al hacerla más accesible. Plataformas como Burning Man también permiten la discusión internacional y hacen posible que se formen relaciones entre personas, culturas y naciones”.
Philippe está profundamente apasionado y comprometido con la comunidad cultural internacional y de Montreal y, a través de su experiencia en gestión cultural y producción artística, continúa demostrando su creatividad y habilidades de liderazgo, ya sea en Canadá o en el extranjero. Demers también fundó Chromatic, un festival sin fines de lucro destinado a promover el emprendimiento artístico, la creatividad y la innovación en Montreal. Antes del jurado de subvenciones globales de Burning Man Arts, Philippe formó parte de otros comités de ideas afines, como el festival South x Southwest (SXSW) que celebra la convergencia de las industrias interactivas, cinematográficas y musicales de 2016 a 2017 y el Printemps Numérique, una organización sin fines de lucro cuya misión principal es impulsar la creación digital y la creatividad a través de diversas actividades locales de 2013 a 2015 como consultor de arte y curador para ambas plataformas.
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